Museos y Expos. 1975 - 2017
  • 2017
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  • 1976
  • 1975
  • 2016
    Witkin&Witkin
    Un fotógrafo: Joel-Peter Witkin & Un pintor: Jerome Witkin
    Foto Museo Cuatro Caminos
    Naucalpan de Juárez, Estado de México
     
    Exposición:
    Los gemelos Joel-Peter y Jerome Witkin (Nueva York, 1939), son hijos de una católica italiana y un judío polaco. La muestra, con más de 100 obras,  abarca 50 años de trabajo artístico. Es la primera vez que exponen juntos. Los dos son reconocidos internacionalmente. Ellos se crearon y formaron en los Estados Unidos donde han vivido la mayor parte de sus vidas pero su concepción, como lo afirma Trisha Ziff, la curadora de la exposición, “no parece estar arraigada a una estética norteamericana, tal ve debido a su propia historia como hijos de inmigrantes, lo que explica en parte, su otredad, su no pertenencia”. Los dos están influenciados por Francisco Goya, Matthias Grünewald, Max Beckmann, August Sander y Diane Arbus.
    De Joel-Peter, el fotógrafo, se exponen trabajos emblemáticos publicados en libros y que se han visto también en otras exposiciones. Entre ellos las fotografías que realizó en México en 1990 y 1994. Esas obras permiten ver las distintas etapas por las que ha pasado. Algún crítico  sostiene que en los últimos veinte años su trabajo a evolucionado de lo sadomasoquista y lo sexual a lo espiritual. En los años recientes ha dejado también de lado los temas políticos que antes eran de su interés.
    De Jerome, el pintor, se exhiben obras en lápiz, carbón y óleo. Hay obras de pequeño formato y otras de gran formato. Se exponen dos series, una de cuatro cuadros (El metro: un matrimonio) y otra de tres (Un crimen americano). Los temas que aborda se relacionan con acontecimientos de nuestra época, con el drama y la emoción de los hombres y mujeres de éste mundo en el  tiempo que les tocó vivir. Algunos críticos sostienen que a nivel mundial es uno de los mejores pintores realistas de la actualidad.      
     
    Recorrido:
    En la vista, las obras que más llamaron mi atención fueron:
    De Jerome Witkin, el pintor:

    Autorretrato II, 1999 
    Las manos plateadas de Vincent, 2012-2013
    Frente a la cámara, 2005
    El pequeño soñador, 1998
    Madre e hijo, 2015
    Estudio de edificios, para la visión de un incrédulo, 1995
    Jesús, la visión de un incrédulo, 1994-1995
    Un artista en las ruinas, 1990
    Vincent Van Gogh y la muerte, 1987 (dibujo)
    Un judío en las ruinas, 1990
    La muchacha alemana, 1997
    El metro: un matrimonio, 1981-1983 (cuatro cuadros)
    Después de Division Street: El hombre caído, 2015
    Flores sobre Nueva York, 2013-20115
    La explosión del coche bomba: Jesús de nuestra era, 1986-1987
    Un crimen americano, 1997 (tres cuadros)

          
    De Joel-Peter Witkin, el fotógrafo:

    El hombre de vidrio, 1994 
    Retrato como un Vanité, 1994
    Las gracias, 1988
    Prudence, 1996
    Jesús y su madre, 1974
    Mujer sobre una mesa, 1987
    Cosecha, 1984
    Festín de tontos, 1990
    Retrato de una mujer, 2004
    Dioses de la tierra, 1988
    Tres tipos de mujeres, 1992
    Hombre con perros, 1990
    Naturaleza murete con espejo, 1998
    Blanco sobre blanco, 2009
    Naturaleza muerta, 1992
    Sátiro, 1992
    Arriba de la galería, 2013
    Cabeza de hombre muerto, 1990
    Poussin en el infierno, 1999
    La balsa de George W Bush, 2006

     
    Comentario:
    Las obras están muy bien montadas y lucen mucho en el espacio. Hay distancia, para verlas. Cada uno, el pintor y el fotógrafo, ha hecho su propia carrera, pero al verlos juntos, pasar constantemente de la fotografía a la pintura y viceversa, crea un diálogo entre dos artistas, entre dos expresiones plásticas, entre dos concepciones del arte, entre dos estilos, que para el espectador resulta muy atractivo.      
    En versión de Ziff, la curadora, “hay muchos aspectos que distinguen a un Witkin del otro: el medio plástico, las dimensiones y los temas; no obstante, su arte comparte un sentido común en la narración, incluso teatral, abordando temas de trasgresión y tragedia, pero carentes de sentimentalismo. Ambos escogen temas tanto épicos como modestos; temáticas y personajes pertinente a nuestra modernidad, mostrando la condición humana con compasión por el sufrimiento personal, tanto físico como emocional (…)”.
    Los cuadros-fotografía de Joel-Peter, que exigen una construcción o producción cuidadosamente elaborada son violentos y trasgresores, pero al mismo tiempo, en las condiciones más difíciles, con visión humanista, dignifica a la persona que vive una condición excepcional, que seguramente la hace sufrir, y también a las personas muertas, a los cadáveres y a las parte sueltas del cuerpo. En la violencia de las construcciones, que no montajes, como aclaró en la conferencia del 21 de febrero, con motivo de la exposición, diseña ambientes, distintos y sugerentes, para que se vean “bien” las personas que son objeto de sus fotografías: transexuales, mutilados, nacidos sin brazos o piernas y también los cadáveres. 
    Las obras de Jerome, cuadros de trazos intensos y de colores construidos, la figura humana es realista y también lo son los paisajes y los edificios. Es una propuesta poderosa y original. Es un realismo en una propuesta que le es muy propia y al tiempo contemporánea. De los grandes lienzos, algunos alargados, surgen escenas épicas o de crítica social. La condición human está presente y la solidaridad y simpatía por las personas se hace evidente. En su planteamiento hay una visión, una mirada, como afirma Ziff, “de esperanza que afirma la vida”.    
    2016
    Enrique Metinides: El hombre que vio demasiado
    De 1946 a 2016: 70 años de trayectoria
    Foto Museo Cuatro Caminos
    Naucalpan de Juárez, Estado de México
     
    Exposición:
    Enrique Metinides (Ciudad de México, 1934) publica su primera fotografía a los 11 años. De finales de los años cuarenta hasta los años ochenta, más de 40 años, trabaja como fotógrafo de Nota Roja. Publicó en Crimen, Alarma, Zócalo y por más de 30 años en La Prensa. Todas publicaciones de la Ciudad de México, de la que sólo existe la última. Se exponen 120 de fotografías. Cien que aparecen en los periódicos y una veintena del trabajo que ahora realiza a partir de combinar las fotos que tomó de Nota Roja y las que hace a sus que juguetes. Se exponen algunos que provienen de la colección del fotógrafo, que son ambulancias, patrullas y carros de bomberos. Se exhiben periódicos originales que publican sus fotos vienen en la portada. Se puede ver su primera credencial de prensa y también su primera cámara. A la entrada de la exposición hay una ambulancia de los años cuarenta.  
     
    Recorrido:
    La gran mayoría de las fotografías son en blanco y negro. Los temas: accidentes, incendios, choques, volcaduras, aviones caídos, trenes descarrilados, edificios colapsados y personas que perdieron la vida. Las personas en situaciones límite, que dan cuenta de la   tragedia, el dolor, la pérdida, el desconsuelo y la muerte. 
    Las fotos compuestas que toma ahora son a colores y tienen un carácter lúdico. 
     
    En el recorrido esta es la foto que más me impresionó. Es de una periodista que se había arreglado, para ir a recibir un premio y en un accidente pierde la vida. La tragedia en estado puro.     
     
    Comentario:
     
    Sala de exposición tomada con el celular.
     
    Había leído sobre la obra de Metinides y la importancia de la misma. Me impresionó mucho la composición de cada fotografía. Siempre hay un encuadre perfecto de la escena donde la víctima está al centro. Destaca la presencia de la gente que ocurre de dos maneras: los cercanos de la víctima que sufren la pérdida o la gente que mira a la víctima. Cuando es un accidente como el caso de un tren descarrilado, un carro roto por la mitad o un avión que se derrumbó, en encuadre también es exacto. En el tratamiento de las fotografías no hay morbo ni amarillismo, siempre lo evita, las escenas reflejan, con respeto a la víctima y a los que sufren la perdida, la tragedia, la profundidad del sufrimiento humano. Le hice el cometario a Pedro Meyer que me impresionaba mucho el encuadre de las fotografías de Mitinides y me dijo: Tiene una gran capacidad de síntesis. Sí, cada foto es una síntesis del suceso, pero también de la tragedia y el dolor que la acompaña.            
     

    Enrique Metinides
     
    La curaduría es de Isabel del Río y Trisha Ziff. Esta última  ha trabajado con Metinides y su archivo, por más de diez años. En 2011 hubo una gran exposición de su obra en el Festival de Fotografía de Arles, Francia. En 2012 colaboró con ella en 101 Tragedias de Enrique Metinides, exposición y libro en colaboración con Aperture, Nueva York. En 2015 dirigió el documental: El hombre que vio demasiado.
    2016
    Todo por Ver
    Foto Museo Cuatro Caminos
    Naucalpan de Juárez, Estado de México
     
    Historia del museo:
    Es una idea de Pedro Meyer que se hacer realidad a través de la Fundación Pedro Meyer quien es la que aporta los terrenos, edificios, recursos para la remodelación, construcción de nuevas instalaciones y fondos para su sostenimiento. Una idea central de Pedro es que el museo debe “promover experiencias educativas que detonen la creatividad de los visitantes, a partir de la interacción con la imagen y la cultura visual”. El espacio se propone como un lugar que pretende cobijar y hacer accesible al público los nuevos usos de la imagen, con flexibilidad y versatilidad. Parte de la concepción es que el museo no cuenta con un acervo propio y que no compite con otros espacios dedicados a la fotografía.
     
    Edificio:
    El arquitecto Mauricio Rocha Iturbide, hijo de la fotógrafa Graciela Iturbide, interviene la fábrica de plásticos de los años cuarenta del padre de Pedro Meyer, que él heredó.  Está en la colonia Lomas de Sotelo, en Naucalpan de Juárez, frontera con la Ciudad de México. Se remodelan las naves industriales existentes y añaden nuevas construcciones. El área de exposición es de 5,000 metros cuadrados. Cuenta con cuatro salas de exposición (una de grandes dimensiones), salones de clase, auditorio, tienda y próximamente cafetería y restaurante. Es el museo de fotografía más grande del mundo en área de exposición.
     
     
    Exposición:

    Los curadores, Francisco Mata Ross y Gerardo Montiel Klint, seleccionaron 398 fotografías, 86 videos y 8 instalaciones. Son obra de 176 fotógrafos, hombres y mujeres, activos en los últimos 15 años. Se incluye a mexicanos y extranjeros que producen en México y a mexicanos que lo hacen en el exterior. Dentro de la exposición hay un  capítulo particular, El estado de las cosas, donde se reúnen expresiones y posturas de los fotógrafos, ante la violencia que se vive en el país.   
    La investigación para la exposición, que estuvo a cargo Melissa Valenzuela, registró la obra de 1,041 fotógrafos que se rastrearon en seminarios, programas educativos,  concursos, premios, bienales, salones de artes plásticas, publicaciones de fotolibros, museos y redes sociales. La investigación “descubre” que los fotógrafos actuales no se ciñen a los formatos tradicionales. Se encontraron trabajos que se relacionan  con disciplinas como la arquitectura, la escultura, el cine, la instalación y la acción/performance. Es la primera vez que se realiza una investigación de la fotografía mexicana de tales dimensiones.  
    Los curadores de Todo por Ver plantean sobre la misma: “¿Un imaginario fotográfico mexicano? ¿Una conclusión sobre la fotografía mexicana? ¿Una definición de lo que aquí se muestra? ¡Imposible! No existe un solo criterio para definirla, no existe una sola manera de abordarla, no es factible una conclusión: preguntas, sólo preguntas, ninguna respuesta, ninguna certeza. Ideas que buscan ser puestas en duda, planteamientos que buscan eco en las lecturas, tema de postura y rutas de navegación que cada espectador establecerá”.
    De la exposición sobre la violencia, que no estaba en el proyecto original y se vieron obligados a organizar, dicen que “toda comunidad debe enfrentarse a su propio monstruo, mirarlo a los ojos de frente. Sólo reconociéndolo será posible vencerlo, atajarlo. El Estado de las cosas, nos confronta y nos lacera. Nos cuestiona y nos incomoda. Si éste no es el espacio para esto ¿entonces cuál es? Como una bomba de racimo la imagen de la violencia se esparce sin control, arrasándolo todo silenciosamente, un fantasmal acecho que no es posible vivir haciéndola hábito, pero tampoco es ético censurarla o no mirarla. Como un espejo la imagen nos disloca e incomoda, nos desencaja pero nos confronta. ¿Qué estamos haciendo, qué hemos dejado de hacer, qué debemos de hacer? Éste estado de las cosas es un grito desesperado que invoca y convoca. Nunca más.”         
     

    Comentario:
    En 2015, estuve el día de la inauguración, pero había mucha gente que hacía difícil ver con detención la muestra. Ahora fue distinto y tuvimos la oportunidad de hacer el recorrido guiados por Gerardo Montiel, uno de los curadores, y el propio Pedro Meyer. 
    Los curadores plantean que no se trata de una antología de la fotografía mexicana, y que tampoco pretende ser un recuento ni una conclusión sobre la producción de imágenes fotográficas de los últimos 15 años. Es un conjunto de ideas que antes que dar respuestas o certezas plantea preguntas sobre qué es la fotografía mexicana actual.
    Ellos decidieron proponer una serie de imágenes, que en un primer momento parecen inconexas, que invitan a la reflexión sobre el hecho de que no existe, como pudo haber en otra época, una fotografía mexicana. La realidad es que existen muchas y todas están en redefinición y construcción. La exposición, en versión de su curadores, obliga a confrontar las distintas miradas, establecer conexiones, generar cuestionamientos  y diálogos. Siempre a partir de la imagen que se capta de muchas maneras y con diversas técnicas.

    El recorrido, acompañados de Pedro y de Gerardo, adquirió otro significado. Pude hacer preguntas y de las respuestas entender mejor lo que veía. Comprendí mejor cuáles son las nuevas tendencias, cuáles son las técnicas, cuáles son las propuestas y los temas que interesan a los autores jóvenes. Fue una magnífica oportunidad de gozar, sentir, pero también entender hacia donde camina la fotografía que se hace en México y que hacen los artistas mexicanos.
    2016
    Museo de Tepoztlán
    Convento de la Virgen de la Natividad
    Tepoztlán, Morelos
          
    Edificio:
    Está en el claustro alto del convento del siglo XVI. En 1994 éste y otros conventos de Morelos son declarados Patrimonio de la Humanidad. El 26 de noviembre de 2000, el museo se inauguró.
     
    Colección:
    La exhibición se organiza en cinco salas. La temática es el entorno, historia, vida y cultura de Tepoztlán. Buena parte de las piezas fueron donadas por los habitantes del pueblo. 
     
    Comentario:
    El valor de la colección no son las grandes piezas sino que ofrecen una idea de cómo han vivido y viven los tepoztecos. Es un museo etnográfico. Se ha conservado y tiene buen mantenimiento. He venido una docena de veces. En esta ocasión con los compañeros de la preparatoria (abril 2016)
    2016
    Museo del sitio
    Zona arqueológica de Xochicalco
    Xochicalco, Morelos
          
    Edificio:
    En 1993 inicia el proyecto que es obra del arquitecto Rolando J. Dada Lemus. Está considerado como el primer museo ecológico del mundo. Tiene iluminación natural, que a través de unos prismas se difunde en las salas. Celdas fotovoltaicas transforman la luz  solar en electricidad. Hay un sistema para recolectar el agua de la lluvia y se tratan las aguas negras, para con ellas regar los jardines. El museo se inaugura en 1996.     
    En 1999, la Zona Arqueológica es declarada Patrimonio de la Humanidad . En el vestíbulo hay un gran ventanal que permite una visión panorámica de la zona arqueológica. En la sala hay dos maquetas: una prehispánica (1000 d.C.) y una que reconstruye la ciudad en su entorno. A la salida del museo hay una calzada de piedra que conduce a la zona arqueológica.
     
    Colección:      
    Todas las piezas que se exhiben provienen de las excavaciones en el sitio. Hay seis salas que se ordenan en ocho temáticas: 1) Territorio; 2) Recursos naturales; 3) Relaciones de intercambio; 4) Organización social; 5) La religión y los dioses; 6) La ciudad y su arquitectura; 7) Instrumentos de trabajo; 8) Espacio cotidiano. 
     
    Comentario:
    La dimensión del museo y el número de las piezas, permiten hacer una visita donde uno puede contemplar todo con cuidado. La museografía es buena y también didáctica. Las instalaciones se conserven bien. Ésta debe ser la visita siete u ocho que hago al museo (abril 2016) y siempre me quedo con una buena impresión. Esta vez vine con los compañeros de la preparatoria. El Señor de Rojo es la pieza estrella. Hay elementos decorativos de los edificios (estrellas, caracoles, cabezas humanas …) que me llaman la atención. 
    2016
    Antonio Díaz, 5 Décadas de trayectoria artística 
    Centro Cultural del México Contemporáneo (CCMC)
    Ciudad de México 
      
    Edificio:
    Está en parte de lo que fue el convento de Santo Domingo. La antigua construcción se combina con una moderna. El CCMC pertenece al Sindicato Nacional de Trabajadores de la Educación (SNTE). Está a un lado de la Iglesia de Santo Domingo en el centro histórico. 
     
    Exposición:
    Se realiza, para festejar los 50 años de trayectoria artística del maestro Días Cortés. Son obras en mediano y gran formato. El estilo es abstracto. Estudió en La Esmeralda y después hizo una maestría en la Universidad de Wisconsin, Estados Unidos. En la Universidad de Artes de Tokio, Japón, se especializó en grabado multicolor. Tiene estudios de doctorado en la Universidad Politécnica de Valencia.Es académico e investigador de la UNAM en la ENAP y en la Academia de San Carlos.
    Ha montado más de 65 exhibiciones individuales en México, Estados Unidos, Puerto Rico, Venezuela, Japón y Suecia. Ha participado en más de 80 exposiciones colectivas nacionales y en 30 internacionales. Su obra ha estado presente en bienales realizadas en México, Japón, Eslovenia, Puerto Rico, Suiza, China e Italia. Su obra ha sido adquirida por museos de México, Estados Unidos,  Francia, Japón, Alemania, Puerto Rico, Croacia y Colombia. 
    2016
    Donación Maples Arce
    Museo Nacional de Arte (MUNAL)
    Ciuad de México
     
    Donación:
    Entre 1985 y 1992, Blanca Vermeersch, esposa de Manuel Maple Arce, donó a la Colección del Museo Nacional de Arte 69 piezas, a sugerencia de Fernando Benítez. En 2015, Mireya Maples Vermeersch, hija de los dos, continuó con la voluntad de sus padres y, por propia convicción, dio otras 51 obras. El legado incluye óleos, acuarelas, dibujos, gouaches, esculturas, planchas de impresión, impresos, fotografías y mobiliario.  
     
    Colección:
    Son 120 obras que reunió el líder del Movimiento Estridentista (1921-1927), Manuel Maple Arce (1900, Papantla, Veracruz-1982, Ciudad de México). En el estridentismo, movimiento literario y artístico, participaron, entre otros, Germán List Arzubide (1898-1998), Salvador Gallardo (1893-1981), Salvador Martínez Báez (1896-1975), Arqueles Vela (1899-1977), Armando García Núñez (1883-1965), Miguel Aguillón Guzmán (1898-1995), Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Fermín Revueltas (1901-1935),  Germán Cueto (1893-1975), Lola Cueto (1897-1978). Los estridentistas son parte de la vanguardia cultural de la primera mitad del siglo XX y tuvieron influencia a nivel nacional e internacional.
     
    Comentario:
    De manera particular me llamaron la atención obras de Ramón Alva de la Canal (1892-1985), Salvador Martínez Báez (1896-1975), Armando García Núñez (1883-1965), Lola Cueto (1897-1978), Alfredo Ramos Martínez (1871-1956), Fermín Revueltas (1901-1935) y Tina Modotti (1896-1942). Las obras expuestas se ven bien. La museografía está bien resuelta. Es admirable el desprendimiento y generosidad de la Familia Maple Arce Vermeersch. La donación asciende a millones de pesos. Es una práctica que debería estar más presente en la vida del país.      
     
     
    2016
    Beatriz Rusek. Drama y trama
    Museo Arocena
    Torreón, Coahuila  
     
    Se reúnen obras que la diseñadora lagunera ha realizado en los últimos 35 años. La curaduría es de Trinee Ellitsgaard. La exposición se divide en dos grandes temas: vestuario para teatro y moda contemporánea.      
    Ella ha trabajado con muchos directores entre ellos Ludwi Margules, Rogelio Luévano, José Caballero, Mario Espinoza, Hugo Iriarte, Alberto Lomnitz, Mauricio Jiménez, Luis de Tavira, Hilda Valencia y Lorena Maza. Russek dice de este trabajo que “ellos me proponían un riguroso concepto de la puesta en escena y a la vez me daban plena libertad como creadora”.
    Entre 1984 y 2006 realiza un gran número de desfiles de moda en México y otros países. En la elaboración de sus prendas utiliza textiles producidos artesanalmente que tienen origen en una tradición milenaria y los utiliza en diseños contemporáneos.
    Su trabajo es un diálogo permanente entre la tradición y la modernidad. Ella organiza grupos de artesanas, así ha sido en Morelos, Chiapas y Oaxaca, para en la colaboración estrecha con ellas elaborar las prendas. Ella contribuye en el esfuerzo de que se reconozca el valor del trabajo artesanal y que se pague lo que esto vale.    
    Como diseñadora se inicia creando piezas únicas en línea de lo que la crítica llama  art to wear o “arte para usar”. En ese entonces trabaja con crochet. Con el paso del tiempo empieza a utilizar los textiles tradicionales indígenas. La calidad del textil y los colores naturales o de tintes naturales son elementos centrales del diseño.  
    En la exposición se pueden también ver fotografías, videos, dibujos y acuarelas. Están también los cuadernos de trabajo de la diseñadora que revelan su aborde a las distintas obras de teatro y los vestidos para cada personaje pero también los trazos del diseño de las prendas de moda.     
    El vestuario de teatro y las prendas de moda están muy bien montadas y lucen mucho. La exposición estuvo primero en el Centro de las Artes San Agustín (CaSa), Etla, Oaxaca, y a partir de abril de 2016 se presente en el Museo Franz Mayer de la Ciudad de México. (Vi a Beatriz y a la exposición un día antes de la inauguración)  
    OCTUBRE DE 2015
    Museo Militar
    Braganca, Portugal 
     
    Edificio
    El castillo se terminó en 1187 bajo el reinado de Sancho I y Jo?o I, lo reforman en el siglo XIV. Enfrente hay una gran explanada de piedra rodeada de la muralla.
     
    Colección
    En las salas se exhiben armas desde el neolítico hasta el siglo XIX. Hay también armaduras de épocas diversas. La museografía es vieja y descuidada. En una pared del patio la lista de los soldados portugueses caídos en defensa de sus colonias en Angola, Guinea y  Mozambique entre 1961 y 1975. Los tres países logran su independencia. 
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Museo del sitio
    Iglesia de Nuestra Señora del Pilar
    Ouro Preto, Brasil
     
    Esta en el sótano, abajo de la sacristía. Hay esculturas, pinturas, ornamentos y objetos para la celebración del culto. Las obras que más me llamaron la atención: Cristo yacente en madera policromada, del siglo XVIII; imágenes pequeñas de Nuestra Señora del Pilar, madera policromada, de los siglos XVII y XVIII; San Francisco, madera policromada, del siglo XVIII;  cinco imágenes de Cristo pequeños, en Marfil, del siglo XVIII; cáliz, copones, navetas, incensarios de plata y plata dorada, del siglo XVIII. La museografía es sencilla. Todas las piezas están en vitrinas y se pueden ver bien. El montaje es bueno. 
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Museo Aleijadinho
    Iglesia de san Francisco
    Ouro Preto, Brasil
     
    El espacio que aloja el museo dedicado a la obra de Antonio Francisco Lisboa, Aleijadinho, está en restauración. Ahora en la iglesia de San Francisco, en el área de la sacristía, se exponen algunas de sus obras. El lavatorio que es parte de la misma. Un trabajo muy cuidado. En la entrada una escultura de San Francisco de Paula. En la sacristía cuatro leones de madera obscura. Y ahí mismo, un estupendo Cristo de madera policromada de 1775-1790. El diseño de la iglesia es de él.    
     
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    Antonio Francisco Lisboa, Aleijadinho (Villa Rica, 1738- Villa Rica, 1814) Escultor y arquitecto. Hijo de Manuel Francisco da Costa Lisboa, portugués y de su esclava Isabel. Su padre emigra a Brasil. En Portugal era carpintero,pero su habilidad y la demanda de construcción lo eleva a la condición de arquitecto. Su padre se casa y lo lleva a vivir con él. Se cría junto con sus medios hermanos. De su padre aprende los fundamentos de la escultura y la arquitectura. El nombre de Antonio aparece por primera vez como jornalero que trabaja en la construcción de la Iglesia de Nuestra Señora del Carmen, diseñada por su padre. Muy pronto es reconocido como arquitecto. Diseña la Iglesia de  de San Francisco. la Iglesia de la Tercera Orden de San Francisco.
    En 1777 se enferma y es cuando recibe el nombre de "O Aleijadinho", "El pequeño lisiado." Enfermo continuó esculpiendo con el cincel y el martillo atados a sus manos sin dedos. Trabajaba en las noches. Cuando salía de su casa lo hacía en un palanquín cubierto cargado por sus asistentes. Además de las obras que realizó en Oro Preto están los Doce profetas, en el Santuario del Buen Jesús en Congonhas, que esculpió de 1800 a 1805. Y también en ese mismo lugar el Pabellón donde se encuentran 66 figuras en torno a la pasión labradas en madera entre 1780 y 1790. 
     
     
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Museo del Oratorio
    Ouro Preto, Brasil
     
    Está en el edificio que fue el noviciado de las religiosas del Carmen. Es una construcción sencilla de 1753-1776. Parece más una casa. Tiene tres niveles con pisos de madera. Se restauró en 1998, para albergar la colección de oratorios, son 163 con 300 imágenes, que se organiza en tres secciones:
    Oratorios populares domésticos. Las familias los tenían en sus casas. Los hay para la sala y las habitaciones. La gran mayoría del siglo XIX y algunos de principios del XX. Son de mediano formato. Dos son los elementos centrales: el altar o caja, algunas con puertas, y la o las imágenes. Los altares están pintados de muy diversas maneras. La factura es la propia del arte popular; frescura e ingenuidad. El estilo es barroco y rococó recreado por artistas populares. Es la parte que más me gusto.
    Oratorios de viaje. Son muy pequeños, para poderlos transportar. Los hay de faltriquera, para llevar en la bolsa del que viaja. De limosna que llevan colgados los mendigos que  solicitan ayuda. De arca que transportan los sacerdotes cuando van a los pueblos a celebrar misa. De bala por su forma de cartucho. Los colgantes que las mujeres de diversas clases sociales usaban como joya. La mayoría son del siglo XIX y hay algunos del XVIII.
    Oratorios eruditos y de referencia artística. Los hay de mediano y gran formato. Estaban en las casas de las familias ricas. La mayoría son del siglo XIX y algunos del siglo XVIII. Los altares  o cajas son más elaboradas, pero sobre todo las imágenes. Son obra de artistas reconocidos. Algunos altares o nichos tienen adornos de plata y en algún caso de conchas incrustadas. En un caso la pintura se atribuye a Manuel Costa Athaide, uno de los grandes pintores religiosos de la región mineira. Es notable un oratorio del siglo XVIII en gran formato con Cristo al centro y a sus lados las imágenes de la virgen María y San José. Se destaca un oratorio bala obra de Francisco Vieira Servas.
    La museografía es buena y contribuye a que las piezas luzcan. Todas están en vitrinas, para protegerlas. Las fichas técnicas son sintéticas y ofrecen información relevante, para entender mejor lo que se ve. La colección la reunió Ángela Gutiérrez. La visita vale la pena. Las piezas permiten conocer, de manera muy completa, esta particular expresión artística y también ofrece una idea de como se vivía y expresaba las creencias religiosas de esas épocas. 
     
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Advanio Lessa
    Embrião, Turbulência e Nascimento
    Palacio de las Artes
    Belo Horizonte, Brasil
     
    Son 96 obras realizadas con madera y bejuco. El artista a partir de las formas caprichosas de la madera, recrea-reinventa la naturaleza. Las estructuras naturales toman una nueva dimensión e identidad con la intervención del bejuco. De ese trabajo surgen personas, animales, árboles y también seres fantásticos. Hay piezas que cuelgan, otras que se sostienen por si mismas. El verde obscuro de las paredes contrasta muy bien, al tiempo que integra, las figuras de madera y bejuco claros. En un pequeña sala cuatro obras  cuelgan de la pared y forman un grupo notable. Hay conjuntos que forman bosques o reúnen árboles de exuberantes frutos. No hay color. Solo el propio de la madera y el bejuco. Me pareció que tenían barniz natural.
    De acurdo al autor la exposición se divide en tres partes: el núcleo Embrionário, se integra por las obras que son la génesis del trabajo. Turbulência representa el momento de la fijación del embate entre dos polos diferenciados y son esculturas criadas a partir de un sentimiento de turbulencia interna. El Nascimento, es  “la conjunción entre a materia y espíritu”.
    Las obras son minimalistas y arte pobre, por los materiales, pero al tiempo de una riqueza intensa por las formas mismas de la naturaleza que se extienden y toman una nueva identidad con la intervención que el artista hace con el tejido del bejuco que integra, pega, de tal forma que sigue o es parte, eso quiere el arista, de la naturaleza. Lo natural y lo construido son una misma cosa. Los dos son orgánicos. No hay distinción. La exposición me dijo y gustó mucho. Me resultó algo nuevo. La curaduría es de Sergio Rodrigo Reís.
     
     
     
     
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Carne viva
    Domingos Mazizilli
    Palacio de las Artes
    Belo Horizonte, Brasil 
     
    La ficha técnica dice que la exposición es una síntesis de muestras presentadas entre 2007 y 2012. Hay pinturas, fotos, vídeos e instalaciones a partir de objetos de la vida cotidiana. Entiendo que es una propuesta de arte conceptual. Una sección, fue una de las muestras, es ropa interior de mujer de los años cuarenta con algún tipo de intervención. Lo que me pareció más interesante fue un video con la disección de un corazón y la manipulación-intervención del mismo. La curadora, el artista la fotografía, es Susana Campo.
    SEPTIEMBRE DE 2015
    Entreatos e notas
    Pinturas de Rafael Zavagli
    Palacio de las Artes
    Belo Horizonte, Brasil
     
    Son 23 óleos producidos en 2015. El tema es el paisaje.  Cuando tenía 18 años, el pintor Ignacio Aguirre, al que le enseñé algunos de mis cuadros, me dijo que superar al paisaje era imposible. Que solo lo podían hacer pintores  excepcionales y me mencionó el caso del Dr. Atl. Me dijo que mejor no me enfrentará a ese tema. Zavagli recrea y reinventa el paisaje. Lo hace con un estilo propio. No son cuadros realistas y tampoco abstractos. Los colores no tienen que ver con la naturaleza. Usa una gama que toma distancia de lo natural.
     
    Hay cuadros de gran formato, pero otros muy pequeños. En todos la propuesta es más o menos la misma. El autor utiliza las imágenes, para reflexionar sobre la relación entre la persona y el paisaje. A partir de su reflexión busca una nueva interpretación de la naturaleza, que es un espacio habitado por constantes transformaciones estéticas a lo largo de los siglos. El artista observa la flora, la fauna y la interacción de los eres humanos con esas realidades. Hay un esfuerzo consciente por recrear el paisaje y modificarlo de manera radical, para que no sea reflejo de lo convencional. La curaduría es de Julio Mantins.
     
    2015
    Construcciones II 
    Julio Reyes Yasbek
    Ministerio de Relaciones Exteriores (MRE)  
    San Salvador, El Salvador
     
    Exhibición:
    Está compuesta por 16 piezas distribuidas en tres series:
    Trasparencia: Estructuras en varilla soldada de medianos y gran formato; Animal Vertical: Bronces con figuras abstractas de la figura humana. Pequeño y mediano formato; Tallas: Piedras talladas en formato pequeño.
     

     
    Comentario:
    No conocía la obra de Julio Reyes Yasbek (1945). Las  piezas que más me gustaron son de la serie Animal Vertical. Es una abstracción, apenas sugerida, de la figura humana. El autor revela oficio en su trabajo.
    En las construcciones de varilla de acero se busca la máxima simplicidad del lenguaje, pero al tiempo se ofrecen estructuras complejas. Las figuras son intencionalmente transparentes.       
    2015
    Esculturas de Ignacio Asúnsolo
    Palacio de Medicina / Palacio de la Inquisición 
    México, D.F.
     
    En 1933, el arquitecto José Villagrán García diseñó el nuevo auditorio del Palacio de Medicina en estilo Art Decó. En el vestíbulo, de mármol negro y blanco, se colocaron seis bustos de grandes médicos mexicanos obra del escultor Ignacio Asúnsolo (1890-1965).
     
    Comentario:
    No conocía estas esculturas en bronce de Asúnsolo. El rostro y el cuello se funden. Son piezas que se inspiran en el Art Decó. Me impresionaron.
     
           
    2015
    Exiglesia jesuita de san Pedro y san Pablo
    México, D.F.
     
     
     
    Exposición:
    En 2010 se crea el museo, que está dedicado al conocimiento de las distintas constituciones que ha tenido el país. En 1824, en éste mismo lugar el Congreso Constituyente aprobó la primera Constitución de México. En mamparas se explica la historia y en vitrinas se exponen textos originales y también réplicas.  El orden es cronológico. Constitución de 1814; de 1824; de 1836 y 1843; Acta Constitutiva y de Reformas; Plan de Ayutla; Constitución de 1857; Leyes de Reforma; Imperio y República Restaurada; Constitución de 1917.       
     
    Comentarios: 
    La historia del edificio es notable y vale por sí misma. Los vitrales y murales de Roberto Montenegro son muy atractivos. Expresión de una época.   
    2015
    Desnudatio Perfecta
    Sandra Pani  
    Palacio de la Inquisición
    México, D.F.
     
     
     
    Exposición:
    Se exponen 25 obras realizadas en tela, papel, plástico y placas de radiografía. Sobre ellos se dibuja o pinta, pero también se les añaden distintos tipos de objetos. Las piezas se integran con tres o cuatro capas, de materiales distintos,  que flotan entre capas de velos que se mueven con el aire. Las piezas se “envuelven” por la música de ocho piezas contemporáneas realizadas para la ocasión y grabadas por el Ensamble Cepromusic. 
    La obra, que se encuentra en el vestíbulo de una Farmacia del siglo XIX y el pasillo del segundo piso, se relaciona con los usos que ha tenido el edificio primero como Palacio de la Inquisición y a partir de  1854 como Escuela de Medicina. Están presentes el dolor y la muerte, pero también la sanación. Es la dialéctica entre sufrimiento y alivio, entre muerte y vida. La artista dice que “todas las imágenes en esta exposición, conforman un diario intimo que refleja el sufrimiento, la lucha y la transformación sanadora en mi propio proceso psíquico”. 
    “A lo largo de estos años, dice la artista, uno de los elementos medulares que han denotado mi creatividad artística ha sido la búsqueda de la identidad, la reiterada pregunta de quién y qué soy en el nivel más profundo, la búsqueda de la esencia de mi identidad a través del deslumbramiento y la disección de mi propia corporalidad”.
     

     
    Comentario:
    La obra, afirma su creadora, se inspira en un texto del filósofo italiano Giorgio Agamben, titulado ′Desnudez′ donde equipara “ser Dios” con “ser desnudo”. El que las obras sean totalmente transparentes y flotantes, con movimiento permanente, permiten desde la visión de la artista, el adentrase en la búsqueda de la identidad y el cuestionamiento de ¿Quién soy yo?       
    En términos conceptuales entiendo la idea y propósito de la artista, pero a mí la propuesta no me dice eso o no me invita a eso. Las piezas me resultaron interesantes en  la medida que es una propuesta distinta y con cierta originalidad, pero no me “agarraron” o “emocionaron”, pero tampoco me invitaron a una reflexión filosófica. Estéticamente algunas de las piezas me parecieron mejor que otras.        
    2015
    130 años 130 obras
    Colección de Pintura del Banco Nacional de México
    Palacio de Iturbide
    México, D.F.
     
     
     
    Exposición:
    La muestra se divide en tres grandes bloques: La colonia; el siglo XIX y el siglo XX-XXI. En la primera parte se ofrece un recorrido por los tres siglos de la producción artística colonial. Se exhibe la obra de autores como Juan Correa, Cristóbal Villalpando y Miguel Cabrera. Están presentes el tema religioso, pero el histórico, el retrato y el de las castas. Entre las obras expuestas están los famosos biombos de la colección y las tablas con los enconchados.
    Las obras del siglo XIX tienen un carácter nacionalista que está muy bien representado en la colección. Los temas que dominan son el paisaje, escenas costumbristas, personajes populares y bodegones. Se exhiben cuadros de autores mexicanos como y de extranjeros que visitaron el país. Entre ellos Pelegrín Clavé, Juan Cordero, Edouard Pingret, Daniel Thomas Egerton, Johann Mortiz Rugendas, el barón Gros, Eugenio Landesio, José María Velasco y Agustín Arrieta. Con artistas modernistas como Julio Ruelas y Germán Gedovius termina el siglo XIX e inicia el siglo XX. 
    El parte del siglo XX de la colección es particularmente potente. Los artistas de la primera mitad del siglo están influenciados por las expectativas que despierta la Revolución triunfante. Se abre paso a la creación de la  que se conoce como la Escuela Mexicana de Pintura representada por artistas como Gerardo Murillo (Dr. Atl), Diego Rivera, David Alfaron Siqueiros, José Clemente Orozco, Roberto Montenegro, Julio Castellanos y Jorge González Camarena. Ellos, junto con otros muchos nombres más,  se dan a la tarea de construir, desde una perspectiva nacionalista, una nueva imagen de México. En sus obras está presente el tema del paisaje, el indigenismo, la gesta revolucionaria, los problemas sociales, la historia y las fiestas populares.
    En el siglo XX y en forma casi paralela a esta manera de enfrentar el arte se desarrollan otras corrientes como la que representa Rufino Tamayo o Alfonso Michel y más tarde el surrealismo con artistas como Leonora Carrington y Remedios Varo o expresiones abstractas como las de Pedro Coronel y Gunther Gerzo. Viene después la época conocida como la ruptura en la que destacan autores José Luis Cuevas. Está también la obra de los oaxaqueños Francisco Toledo y Rodolfo Morales.            
    Al final del siglo XX parece una nueva generación con propuestas temáticas distintas y también con el uso de nuevas tecnologías. Entre ellos están los hermanos Castro Leñero, Sergio Hernández y un grupo importante de mujeres como Irma Palacios y Magali Lara. Está también la obra de artistas conceptuales como Gabriel Orozco.   
     
    Comentarios: 

     
    Una vez más queda demostrado el valor enorme de esta colección. Se exponen obras emblemáticas de la pintura mexicana, de la colonia al momento actual. Es un recorrido sintético y muy bien construido de 500 años de la pintura que se ha hecho en México. La gran mayoría de las obras ya las conocía. Hay siempre algo nuevo que descubrir. Me encontré con autores de los que no tenía noticia y obras que nunca había visto. Disfruté mucho el recorrido que hice con Sybille.
    2015
    El Pedregal
    Habitar en la lava
    Pasillo del Departamento de Arquitectura  
    Universidad Iberoamericana, Campus Santa Fe
    México, D.F.
     
                                  
    Exposición:
    Es un conjunto de grandes láminas o fichas técnicas, siempre con una foto, donde se propone un texto  conciso. El contenido es claro y ofrece información relevante. La muestra está construida en una lógica muy didáctica.
     
    Comentario:
    La arquitecta María Bustamante Harfush, académica de la Ibero, presidenta de Fomento Universal para la Difusión Arquitectónica de México (Fundarqmx) y responsable del montaje plantea que en el siglo XX, el Pedregal de San Ángel fue inspiración de artistas  como el Dr. Atl, Orozco y Nishizawa y el Dr. Atl, quienes registraron el paisaje de estas formaciones rocosas a partir de la erupción del volcán Xitle.
    Diego Rivera escribió un texto que describe el paisaje volcánico con siluetas formadas con la lava petrificada, Inspirado en ese texto, el arquitecto Luis Barragán visitó el Pedregal con el pintor Dr. Atl y el fotógrafo Armando Salas Portugal, con quienes registraron en imágenes históricas la belleza dl lugar.
    Después Barragán, pidió al urbanista Carlos Contreras el trazo de lo que va a ser el fraccionamiento. Los dos, con base en un concepto de ciudad-jardín, elaboran el proyecto. Iniciada la urbanización Barragán realizó  diversas intervenciones paisajísticas. Algunos de esos espacios los realizó junto con el escultor-arquitecto  Mathias Goeritz, el  icónico Animal herido, es una se sus obras.
    Las calles siguieron el curso natural que dejó el paso de la lava caliente. En su origen los lotes, de mil y dos mil metros cuadrados, eran espacios de lava volcánica. Sobre esa realidad tenían que diseñar los arquitectos.  Los proyectos deberían ser de arquitectura contemporánea.
    Los grandes arquitectos de la época como Attolini, Artigas y Cetto fueron contratados por propietarios, que estaban abiertos a las nuevas tendencias arquitectónicas. Eso permitió que la colonia se poblara con muy buenas obras, algunas de excepción, las cuales fueron difundidas ampliamente en revistas de arquitectura de México y del mundo, sobre todo de Estados Unidos. La última de las láminas señala la destrucción, por redensificación del uso del suelo, de obras claves en la arquitectura moderna de México.  
    FEBRERO DE 2015
    Auditorio Blackberry
    México, D.F.
     

    La feria funciona en los mismos días que se instala Zona Maco. Su directora, Daniela Elbahara, dice que es una feria pequeña “enfocada en prácticas emergentes y nuevas propuestas, y es una feria que se trata sobre el arte joven internacional” y añade que “es un lugar donde tú puedes ver muchísimo arte de todos tipos desde pintura, escultura, video y audio. Son 40 los expositores y cada uno tiene sus respectivos artistas. También hay conferencias, un programa de videoarte y otras actividades”.
    La invitación de las galerías es por selección y ellos deciden que exponer. El comité estuvo integrado por  del material estuvo a cargo de Chris Sharp, cofundador de la Galería Lulu, Ciudad de México; Beatriz Lopez, codirectora del Instituto Visión, Bogotá; John Riepenhoff, copropietario de Green Gallery, Milwaukee; Gerardo Contreras, director de Preteen Gallery.
     
    En 2015 las galerías que expusieron son:
    321 Gallery, Brooklyn; Adams and Ollman, Portland; American Medium, Brooklyn; Aran Cravey, Los Angeles;  Carne Gallery, Bogotá; Carrie Secrist Gallery, Chicago;  Casa Imelda, Ciudad de Mexico; Clifton Benevento, New York City; Cooper Cole, Toronto; David Petersen Gallery, Minneapolis; East Hampton Shed, East Hampton; Et al., San Francisco; Fourteen30 Contemporary, Portland;  François Ghebaly Gallery, Los Angeles; Grand Century, New York City; Green Gallery, Milwaukee; Helper, Brooklyn; Instituto de Visión, Bogotá; Kunstverein Toronto, Toronto; Levy.Delval, Brussels; Llodos, Ciudad de Mexico; Loyal, Estocolmo; Lulu, Ciudad de México;  LVL3, Chicago; Mary Mary, Glasgow; Michael Jon Gallery, Miami/Detroit; Narwhal Contemporary, Toronto; New Galerie, Paris; Night Gallery, Los Angeles; Parallel Oaxaca, Oaxaca; Queer Thoughts, New York; Regina Rex, New York; Roberto Paradise, San Juan; Rolando Anselmi, Berlin; Shane Campbell Gallery, Chicago;  Smart Objects, Los Angeles; What Pipeline, Detroit; The White Lodge, Cordoba / Yautepec, Ciudad de México. ity. 
     
    Comentario:
    Es una feria mucho más pequeña y modesta que Zona Maco. Eso tiene su encanto. Uno se acerca más a las obras, la dimensión del espacio lo permite, y también con más confianza a quienes están a cargo de los locales. El recorrido lo hice con Sybille. Nos gustó y vamos a venir el próximo año.  
     
    FEBRERO DE 2015
    Centro Banamex
    México, D.F.
     
     
     
    Exposición:
    Esta feria, que reúne a galerías, coleccionistas y especialista de todo el mundo, fue fundada en 2002, por  la regiomontana Zélika García. En esta ocasión se organiza en cinco secciones: General, Nuevas Propuestas, Zona Maco Sur, Arte Moderno y Diseño. Participan 120 galerías de 22 países de todo el mundo.
    En la Sección General participan 72 galerías de 17 países. Se expone la obra de artistas de mayor trayectoria internacional con la participación de galerías como David Zwirner (NY), Paul Kasmin (NY) o Raffaella Cortese (Milán). En la sección Nuevas Propuestas participan 23 galerías de 10 países, bajo la aceptación del Director Artístico de Zona Maco, Pablo del Val (España, 1964). En esta sección, las galerías presentan la obra de artistas emergentes y priorizan a quienes viven y trabajan en América Latina o que trabajan con temas relacionados a la región.
    En la sección de Arte Moderno participan 14 galerías de seis países con obras que fueron producidas en la primera mitad del siglo XX en América; momento del surgimiento de la modernidad en el arte de la región. El curador de esta sección es Mauricio Marcin Álvarez (México, 1980). En la sección Maco Sur, están presentes los proyectos que  recibieron invitación directa de los curadores João Mourão (Portugal, 1975) y Luis Silva (Portugal, 1978). Es una selección de 22 proyectos de once países que desarrolla sobre la posibilidad de conocer el pasado para predecir lo que ocurrirá en el futuro.  En la sección Maco Diseño participan 31 galerías de cuatro países (Estados Unidos, Francia, Gran Bretaña y México) bajo la selección de Cecilia León de la Barra (México, 1975). Se exhiben proyectos de diseño industrial.
     

     
    Comentario:
    En los años anteriores, por diversas razones, no había podido asistir. Me gustó mucho. Me resulta interesante la idea y también la realización. Todo gira en torno a la posibilidad de tener acceso, de ver y comprar, la obra de los grandes artistas del siglo XX y conocer las últimas tendencias del arte contemporáneo. Es un ventarrón de aire fresco y modernidad que hace mucho bien. El próximo año voy a hacer el recorrido minucioso como el que esta vez hice con Octavio.    
    JUNIO DE 2014
    Museo para la Identidad Nacional de Honduras (MIN) 
    Tegucigalpa, Honduras.
                                      
    El curador es Orlando Britto y el tema que propuso para esta Bienal son “los espacios de encuentro”. Se presentan 12 propuestas, elaboradas por 20 aristas, que “se caracterizan por ser multi e interdisciplinarios. La muestra se organiza en cuatro espacios:
    Espacio Acción-Lúdico: Están las obras Coordenadas para la esperanza, Sandra Herrera; Juegos tradicionales (Los encostalados), Jorge Oquelí; Urbedeser, Isadora Paz y Lempira Jaen de    
    Espacio Social/Lab-Taller Comunitario: Están las obras Souvenir, César Chinchilla; Redes, Alejandra Vaquero y Yapci Ramos; TraGedia, Teresa Silva, María  Urbina y Ofelia Urbina.  
    Espacio Ritual: están las obras Kabbalah, Ariel Sosa; Mejor vida, Paúl Martínez; El gran ausente, Pavel Javier Aguilar. 
    Espacio Acción/Relacionado con la percepción: Están las obras La calma, Luisa Landa y Legan Rooster; Perceptio, Ana Isabel Martins, Claudia Calderón, Gabriela Rey y Violeta Mora; Pixeles, Rei Blinky. 
     
    Comentario:
    La exposición está bien montada. Me llamaron la atención Redes de Alejandra Vaquero y Yapci Ramos; Souvenir, César Chinchilla; La calma, Luisa Landa y Legan Rooster; Kabbalah, Ariel Sosa. En general se podría decir que todos los trabajos son instalaciones. Pienso que había calidad en las propuestas.   
     
    JUNIO DE 2014
    Edificio e historia:
    En su origen es el Hospital General que se inicia en 1880, cuando la capital se traslada de Comayagua a Tegucigalpa. En 1933 se le agrega el segundo nivel y pasa a ser el Palacio de los Ministerios.
     
    Las salas:
    1) Surgimiento geológico: Se dedica a la formación  geológica del actual territorio de Honduras y al surgimiento de la vida vegetal y animal en el territorio.    
    2) Geografía difícil: Se da cuenta de los primeros viajeros y cronistas que hablan de Honduras. 
    3) Formación histórica de una nación: Las culturas prehispánicas y la llegada de los conquistadores. La resistencia indígena. La Colonia. La Independencia. Las reformas de Morazán. La modernización (ferrocarril, telecomunicaciones…)
    4) Honduras eres tú: Las migraciones y la diversidad cultural (palestinos, judíos, árabes, libaneses, europeos…)
    5) Copan virtual. Se explica la historia de la ciudad.
     
    Comentario:
    El edificio se encuentra en el centro del viejo Tegucigalpa. Está bien conservado. En las salas hay pocas piezas originales. Pretende ser didáctico, pero pienso que hay excesiva información.    
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