Museos y Expos. 2019
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    El proyecto
    El museo es producto de la asociación de Javier de Jesús Hernández, Capelo, y del fundidor y escultor Alejandro Velasco Mancera, actual cabeza de la Fundición Artística Velasco fundada por su padre en 1946. El museo rota las piezas que tiene. En 2012 se abrió al público.

    Colección
    El acervo permanente del museo está conformado por una colección de esculturas en bronce de Leonora Carrington, José Luis Cuevas y Sergio Hernández. Además cuenta con obras de Jazzamoart, Vladimir Cora, Rodolfo Morales, John Nevin, Eiki Ito, Capelo y Américo Hernández.


    Comentario

    Es la primera vez que estoy en este museo. Hay obras muy buenas en bronce de Carrington y Cuevas y en céramica de Capleo. En la tienda del museo compramos una pieza diseñada por él.
    05 DE ABRIL DE 2019

    - Historia
    La Hacienda de Guadalupe se construye en el siglo XVII, para beneficiar la plata. En el siglo XVIII tuvo su auge. Se cierra durante la guerra de Independencia. Está a la orilla del arroyo Pastita y en el barrio del mismo nombre. Se conserva el casco, un tramo del acueducto y la torre de la noria.
    En 1963 Olga Costa y José Chávez Morado compran la torre de la noria, para ahí instalar su casa. En 1990 los artistas deciden donarla, para que se convierta en museo. Las obras de adecuación tardan tres años.

    En ese tiempo la pareja se traslada a una construcción frente a la torre que fue el taller del maestro. El museo se inaugura en 1993. Costa muere en junio de ese mismo año. Su pareja la sobrevive 12 años.

    - Edificio

    La torre de la noria que es toda de piedra, fue intervenida a partir de un diseño de Chávez Morado. Se construyó un entrepiso que dividió el espacio en planta alta y baja. Se añadieron habitaciones y baños.  
    El jardín es parte central de la casa. En él hay piezas prehispánicas en piedra de diversas culturas. Aquí, en dos grandes macetones, esa era su voluntad, reposan las cenizas de la pareja.

    - Colección

    En lo que fue la sala-comedor, en la planta baja, se encuentra la colección permanente de antigüedades que incluye muebles y objetos de cerámica, vidrio, retablos, bordados, máscaras, esculturas, ex votos del siglo XIX y principios del XX y piezas prehispánicas.
    Hay un busto en bronce elaborado por Francisco Zúñiga y muebles diseñados por Chávez Morado. En el muro cercano a la chimenea se exhiben un grupo de platos del siglo XIX de la colección del artista Roberto Montenegro, que adquirió el Instituto Estatal de Cultura.  

    En la planta alta, donde estuvieron las recámaras, está la colección Mano a Mano con 34 obras de Acosta y Chávez Morado que eran parte de su colección personal. El título fue elegido por ellos. Entre ellas destacan Resurrección que Acosta pinta en un momento de graves problemas de salud que logra superar.

    Están también algunos de su paisajes, el tema de la mujer y las tradiciones populares. Follajes azules es una obra con la técnica del puntillismo. De Chávez Morado hay un Autorretrato y obras de carácter social y escenas populares. Entre ellas La tuerta, Personajes de la pasión, El Triunfo de la Muerte y Réquiem para un obrero.

    - Comentario
    Es la segunda vez que Sybille y yo estamos en esta casa-museo. Nos gusta mucho. Es un espacio muy acogedor tanto en el interior como en el jardín. Transmite tranquilidad. Uno se quisiera quedar ahí. Los objetos de la planta baja hablan de los gustos de la pareja. La casa-museo está muy bien conservada.      
    Dejé mis datos y se comunicó conmigo una hija de Tomás Chávez Morado, hermano de José y también artista. Él sobre todo escultor. Estamos en contacto. Nos hicimos del catálogo del museo y quien estaba a cargo del mismo nos regaló un catálogo de la reciente exposición de los hermanos Chávez Morado en California.
    Tenemos un original de Olga Costa, que se asemeja mucho al cuadro del bosque. Es en papel y está pintado con lápices de colores. Jorge Durand nos dijo que se vendía en una galería de Guadalajara y él lo compró, para nosotros.
    30 DE MARZO DE 2019

    Historia
    El edificio se levantó en el terreno que ocupaba la casa paterna del Marqués de San Clemente, don Francisco Matías de Busto y Moya Jerez y Monroy, quien nunca quiso hacer modificaciones al edificio. Años después, en 1747, don Antonio de Obregón y Alcocer, primer conde de Valenciana, la compró para él y su esposa doña María Guadalupe de la Barrera y Torrescano.
    La construcción de la actual Casa Conde de Rul se atribuye a los arquitectos Esteban González y José del Mazo y Avilés, que también participaron en la edificación de la Alhóndiga de Granaditas. En fechas más recientes hay quienes aseguran que el diseño es del arquitecto celayense Francisco Eduardo Tresguerras. En 1802, el edificio se terminó de construir. Se le considera como uno de los mejores ejemplos del neoclásico en México. El museo se inauguró en marzo de 2018.  
    Edificio

    El estilo es neoclásico y la piedra utilizada es cantera rosa. La portada es muy elegante. Tiene dos niveles y un frontispoicio triangular. La fachada en la parte baja tiene la puerta al centro y cuatro ventanas. Dos a cada lado de la misma. En la parte alta cinco ventanas. En la parte superior de la que está en medio tiene una adorno en piedra de forma cirular y las otras cuatro en forma triangular. Están en medio de dobles columnas adosadas.
    El patio central está enmarcado por corredores, alto y bajo, con columnas dóricas y ventanas con un adorno triangular en la parte superior. En la parte del techo unos macetones de la misma cantera rosa con la que está hecha todo el edificio. Al segundo piso se asciende por una amplia escalera de cantera que tiene un pasamanos de piedra labrada.

    Salas
    Cuenta con 10 salas:
    Las primeras cinco están en la planta baja y son la: Francisco Eduardo Tres guerras; Galería; Hacienda; Bohemia y Noble. En las dos primeras salas se exhibe la exposición José María Velasco y sus contemporáneos, colectiva de pintores del siglo XIX.
    En este mismo nivel, en las salas Hacienda y Bohemia, se muestran paisajes en gran formato, óleos y tintas, realizadas por el mexiquense Luis Nishizawa, que adoptó como tema los paisajes guanajuatenses. En el marco del centenario del nacimiento del pintor sus hijos Luis y Gabriel Nishizawa Flores, prestaron la obra para su exhibición.
    Las otras cinco están en la planta alta y son la: Rul, Real, Carlos III, Capilla y Comedor. En este espacio se encuentran dos muestras, una sobre la historia del paisaje mexicano titulada: “Alrededor del Paisaje”, que tiene obras del siglo XIX y XX de artistas como: Pelegrín Clavé, José María Velasco, Dr. Atl, Diego Rivera, Luis Nishizawa, Olga Costa, José Chávez Morado, Luis García Guerrero, Feliciano Peña y Jesús Gallardo y Javier Hernández, Capelo.

    Obra del Dr Atl
    En las otras salas están la expoisción: “Feliciano Peña. Constancia y Dedicación”. Son 23 obras realizadas entre 1950 y 1975 por este artista guanajuatense. El tema son paisajes y las técnicas diversas. Pertenecen a la colección de la Universidad De La Salle Bajío (ULSAB). De la misma colección hay también obras de Hermenegildo Bustos.

    Comentario
    El edificio es de una gran belleza y también elegancia. Es una expresión, de las mejores, del neoclásico que se hizo en México al inicio del siglo XIX. El diseño arquitectónico es de una enorme calidad. La restauración del edificio es buena. Es un acierto destinar el edificio a museo. Así se va a conservar y evitar posibles daños a su diseño original.
    El museo se inaugura con un conjunto de exposiciones que entiendo estarán por un tiempo, pero después van a cambiar. No nace con un acervo propio sino que es un lugar, para exponer los que pertenecen a otras instituciones. Las salas están bien y la museografía es buena.
    23 DE MARZO DE 2019
    Historia:
    El emperador Claudio conquista lo que ahora es la Gran Bretaña en 43 d.C. La fundación de Londinium, el actual Londres, se da en el 47 d.C.
    El anfiteatro es una construcción del siglo I d.C. Se utilizó, como en todas las ciudades romanas, para espectáculos entre los que se encontraba la lucha de gladiadores, la lucha de animales y recreación de batallas. Se mantuvo en actividad hasta el siglo IV. En el mundo se conservan 230 anfiteatros romanos y de ellos 20 están en Inglaterra.
    Trabajo arqueológico:
    Se realizaron entre 1992 y 1997 y luego entre 1997 y 2000. En 1410 se construyó el edificio de la galería y la plaza que destruyó y cubrió el Anfiteatro.
    Edificio:
    Fue una estructura sencilla, ahora sólo se ven vestigios, de planta elíptica. Podía alojar a 7,000 espectadores. Tenía tres pisos de gradas. Bajo la arena estaban el foso de los animales.
    Visita:
    Los vestigios están en la parte baja de la Galería de Arte Guildhall. Es el acceso de la entrada Este del Anfiteatro.

     
    Comentario:
    El sitio-museo está muy bien montado. La información que se ofrece es muy clara. No es algo que esperaba. Los vestigios son sólo eso, pero recuerdan la existencia de la ciudad romana. 
    16 DE MARZO DE 2019

    Edificio
    Las Cabinet War Rooms se instalaron en el sótano del edificio de la Tesorería del Gobierno, en el nuevo complejo de las Oficinas Públicas, en la zona de Westminster. Ahora, el edificio aloja al Ministerio de Hacienda del gobierno inglés.
    Historia
    Las Cabinet War Rooms empezaron a operar en agosto de 1939 y funcionaron hasta terminada la guerra en 1945. En mayo de 1940, cuando Wiston Churchill es nombrado primer ministro, decide que desde “esta habitación voy a dirigir la guerra". En el lapso de la misma aquí se celebraron 115 reuniones del gabinete. La última el 28 de marzo de 1945.
    Cuando se intensifican los bombardeos alemanes sobre Londres se refuerzan los techos del sótano con una estructura de cemento de 1.5 metros de espesor. Aunque en las instalaciones estaba un dormitorio, para Churchill éste en pocas ocasiones lo utilizó. Prefería dormir en la residencia del primer ministro en Downing Street 10 o en una de las habitaciones instaladas directamente encima de las Cabinet War Rooms.
    En 1984 las instalaciones se abren al público en un acto presidido por la primera ministra Margaret Thatcher a la que asisten la familia de Churchill y sobrevivientes del personal que trabajó en ellas durante la guerra. En 2005 se reabrieron después de una reconstrucción profunda y de añadirse el museo dedicado a Churchill.
    Exposición
    Hay dos áreas: la reconstrucción de los Cabinet War Rooms, el complejo subterráneo que albergó el centro de mando del gobierno británico en la Segunda Guerra Mundial, y el Museo de Churchill, dedicado a la vida de este personaje de la política inglesa y mundial.
    Cabinet War Rooms

    Se reconstruyen con fidelidad las habitaciones del cuarto de guerra que operó durante la Segunda Guerra Mundial y que coordinaba de manera directa el primer ministro Winston Churchill. Se puede ver la sala de los mapas, la sala de juntas, la sala de trasmisiones, la sala del teléfono trasatlántico, las oficinas de Churchill, sus habitaciones, las de su mujer y también la cocina y el comedor. Hay un área de dormitorios para el personal que estaba ahí las 24 horas del día y habitaciones para algunos altos mandos.
    Museo

    El museo, también en el sótano, está dedicado a las distintas etapas de la vida de Churchill. Se divide en cuatro secciones: Young Churchill (1874-1900); Maverik Politican (1900-1929); Wilderness Years (1929-1939); War leader (1940-1945); Cold War Statesman (1945-1965). Hay también una mesa grande, la que se ve en la foto, con la línea de su vida.
    Se exhiben objetos personales (vestimenta, libros…), documentos, ejemplares de los libros escritos por Churchill y también cuadros pintados por él. Hay una sección dedicada a cuando recibe el Premio Nobel de Literatura en 1953. Hay fotografías y videos. Se muestran algunos de los overoles que él diseñó para trabajar más cómodo.
    Comentario
    Las dos partes del museo son muy buenas. La reconstrucción de las instalaciones, con los objetos de época, da la sensación de estar en los años cuarenta. Está muy bien hecha. Es un museo que cuenta con muchos recursos interactivos y contiene algunas innovaciones museísticas que permiten adentrarse en la historia del personaje. Está muy bien puesto. Se requiere mucho tiempo para su visita.
    09 DE MARZO DE 2019

     
    Historia
     
    Está en la casa donde vivió el arquitecto sir John Soane (1769-1837) y es museo desde su muerte. Él a partir de 1806 empieza a dar clases en la Real Academia y decide organizar los objetos de su colección, para que sus alumnos pudieran acceder a ellos. Éstos los podían ver el día anterior y posterior a la clase.
     
    En 1827, John Britton publicó la primera descripción de la colección de Soane a la que se refiere como una "academia de arquitectura". En 1833, Soane negocia una Ley del Parlamento, para que a su muerte se conserve la casa y la colección, para el beneficio de los "aficionados y estudiantes de arquitectura, pintura y escultura". La Ley entró en vigor a su muerte y desde entonces quienes han estado al frente del museo han mantenido la casa "tan cerca cómo es posible" de la forma que la dejó Soane.
     
    Colección
     
    La colección tiene 30,000 dibujos de arquitectura, incluyendo obras de Soane, 7,000 libros y 700 piezas de antigüedades egipcias, griegas, romanas y de otras culturas. De las Egipcias y greco-egipcias (Potolmeos) se pueden ver bases de columnas, frisos, cornisas, capiteles, pilastras, paneles con relieves. Es semejante lo que se observa de las piezas griegas y romanas. En este caso se ven esculturas originales y copias. Hay catálogos de las diversas partes de la colección.
     
    Comentario
     
    El entorno donde se encuentra el museo es muy bonito. Al frente un parque y la zona de los edificios de los magistrados de ladrillo rojo. La casa es de arquitectura ecléctica. La gran mayoría de las piezas, colgadas en las paredes, son fragmentos de construcción de distintas épocas. Son muy buenos los cuadros de William Hogarth (1697-1764) que se encuentran en el salón de pinturas. El interior es abigarrado. Las piezas grandes son pocas. Es el espacio propio de una casa original, pero que no deja de ser tal. Me hice del catálogo del museo.
     
    02 DE MARZO DE 2019

    Edificio
    Está junto al río Támesis en el distrito de Southwrak. Es la antigua Central Eléctrica de Bankside, que fue diseñada por sir Giles Gikbert Scott. Se construyó en dos etapas entre 1947 y 1963. La central se cerró en 1981. En 1995, los arquitectos suizos Herzog & de Meuron ganan el concurso público, para intervenir el edifico. En 2009 se amplían las galerías al incorporar partes del edifico que no se integraron antes. Se hace con un proyecto del mismo despacho.
    Colección
    El museo abre en 2000. En la Tate Britain se quedan los artistas británicos de 1500 a la actualidad y en la nueva todas las obras de los artistas internacionales modernos y contemporáneos, después de 1900, que incluye también algunas obras de ingleses.    
    Leí que de la apertura en 2000 al 2006, la colección se ordenó en una estructura temática y no cronológica. En 2006 la obra se colgó poniendo énfasis en los momentos claves del arte del siglo XX. 
    Visita
    El ala del museo con el título de Energía y Procesos está dedicada a los artistas que trabajan en la década de 1960, que exploraron con materiales y formas derivadas de la naturaleza y la vida cotidiana. Utilizan materiales "pobres" (trapos, arcilla, papel, madera), para realizar sus obras. Es común que también aprovechen las energías latentes, como la gravedad o el magnetismo, para romper el espacio entre el espectador y la obra. Entre ellos está, de manera destacada, el grupo de artistas italianos asociados con el arte povera (el arte pobre). De ellos vi una muy buena exposición en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM. Se exponen obras de artistas como Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Kasimir Malevich, Ana Mendieta, Mario Merz y Jenny Holzer.
    De las obras instaladas me impresionó el cuadro Shooting Imagen de Kiki de Saint Phalle (1930-2002). Es parte de una serie realizada en la década de 1960. El artista llena bolsas de plástico con pintura y las encierra dentro de capas de yeso. Los espectadores están invitados a “estallar” las bolsas frente al lienzo. La acción liberadora de la pintura y el gesto “violento” de quien impacta las bolsas frente a la tela son tan importantes como la misma obra. De ese ejercicio resulta este cuadro que es de 1961:

    Y también me llamó la atención la escultura minimalista Hammer de Richard Serra (1939). Son solo dos placas de acero en equilibrio. Se combina la sencillez total con la fuerza y tensión que produce la visual de las dos placas en contacto. Esta es la obra:
     
    Me impresionó también la obra del estadounidense Cy Twombly (1928-2011). Es la primera vez que la veo. Ahora hay una exposición retrospectiva de su obra, la primera que se realiza en Latinoamérica, en el Museo Jumex (julio 2014), que despúes ví. Me gustó la obra Trampa del italiano Pino Pascali (1935-1968). Es esta:  

    La Sala de Turbinas 
    Albergó los generadores de electricidad de la central, es de cinco plantas de altura y tiene 3,400 metros cuadrados de superficie. Se utiliza como sala de exposiciones temporales, para mostrar las grandes obras encargadas especialmente a artistas contemporáneos. Ahora estaba vacía. El espacio se veía imponente. Hice un recorrido rápido por las diversas salas.
    Comentario
    En 2014, es la primera vez que estoy aquí. En 1993, la última vez que estuve en Londres, no existía. La intervención que los arquitectos Herzog & de Meuron es muy buena y es ahora parte de su atractivo. El orden de la colección me pareció confuso. No visité las exposiciones temporales. En la actualidad es la galería de arte moderno más frecuentada del mundo con cerca de cinco millones de visitantes al año. Desde el ventanal de la cafetería se ve una buena parte de Londres. Me debo una visita larga y con mayor preparación. Algún día lo haré.
    22 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    La galería se sitúa en Millbank, en el lugar donde anteriormente se alzaba la prisión del mismo nombre. La parte frontal del edificio es un diseño de Sidney R. J. Smith de estilo neoclásico. Las esculturas de la fachada son obra de John Russell Pope.
    En 1987 se construyó la Galería Clore, diseñada por James Stirling, para albergar las obras de J.M.W. Turner. En 2012 se inició un importante trabajo de conservación. En 2013 el arquitecto Caruso St John diseña nueve galerías con pisos reforzados, para exhibir esculturas.
    Historia
    En 1897, el magnate azucarero sir Henry Tate, coleccionista de arte victoriano, se compromete a fundar una galería para alojar el arte británico. En la Galería Nacional ya no se podría exhibir más obras. Así nace la National Gallery of British Art (Galería Nacional de Arte Británico) que lleva ese nombre hasta 1932 cuando cambia a Tate Britain Gallery.
    Inicialmente el museo se restringió al arte británico de la época, concentrándose en los pintores de la Inglaterra victoriana, pero luego fue incorporando arte moderno europeo. En la década de 1930 sumó ejemplos de las vanguardias europeas, pero en la posguerra se replegó hacia un arte más conservador. Hasta 1954, el museo dependió de la National Gallery. Durante los años 1950 y 1960 recobró su interés por el arte moderno más audaz.
    El museo tenía graves problemas de espacio y estaba obligado a rotar periódicamente su colección permanente. En 2000 la colección se dividió. En este museo permanecieron los artistas británicos y los de otros países pasaron al nuevo museo de la Tate Modern en la antigua central eléctrica Bankside Power Station, en la orilla sur del Támesis.
    Colección
    Está compuesta por la obra de artistas británicos de 1500 a la fecha. El arte moderno británico puede encontrarse en las dos galerías. La colección está organizada de la siguiente manera:
    Arte británico de los siglos XVI y XVII: En este período dominan los retratos. El cuadro más antiguo del museo, A Man in a Black Cape, pintado por Jonh Bettes en 1545, revela la influencia de Hans Holbein, introductor del Renacimiento en Gran Bretaña. Hay obras de Nicholas Hilliard, de sir Anthony van Dyck, William Hobson, Francias Bralow y Jan Siberechts, que marca el nacimiento de la tradición paisajista inglesa.
    Arte británico del siglo XVIII: Entre otros autores están las obras de William Hogarth, el artista inglés más importante de la época. De finales de este siglo están obras de Joshua Reynolds y de Thomas Gainsborough. También de Richard Wilson y George Stubbs.
    Arte británico del siglo XIX: Están las obras de William Blake y Samuel Palmer. Del paisajista John Constable. Se pueden ver también trabajos de Crome, Cotamn, Bonington. Y también del grupo de los prerrafaelistas.
    Clore Gallery: Cuando J.M.W. Turner (1775-1851) legó sus obras a la nación, lo hizo con la condición de que se mantuvieran juntas. En 1910, se habilitó una serie de salas para sus óleos, pero sólo cuando se abrió la Clore Gallery, en 1987, el total del legado se pudo exhibir completo, incluidos miles de bocetos.
    Contemporános: Hay varias salas con obra de artistas ingleses como Henry Moore, David Hockney, Lucien Freud y Bárbar Hepworth.
    Visita

    En esta ocasión me impresionaron mucho las obras de Turner. La bruma en el paisaje. Los cielos nebulosos. Las imágenes difusas veladas por la neblina. El tratamiento que da al color siempre atemperado. Las figuras humanas se ven sólo en raras ocasiones. No había visto los cuadros con el aborde a grandes momentos históricos. Me gustaron las acuarelas. Muy interesantes sus libretas y sus notas a lápiz.

    Me impresionaron también los paisajes de John Constable (1776-1837). El museo atesora muchas de sus mejores obras.
    Me impactó la obra de William Blake (1757-1827). En 2012 me tocó ver una gran retrospectiva de él en el Museo de la Caixa en Madrid. Aquí pude acercarme a 45 de sus trabajos. La mayoría de ellos acuarelas en pequeño y mediano formato. Grabados, lápices y algunos óleos. Blake es un gran simbolista. Impresiona la calidad y fuerza de su dibujo. El tratamiento permanente del cuerpo humano.

    Me dijo mucho un importante grupo de estupendas esculturas de Henry Moore.

    Comentario
    El museo ofrece un recorrido amplio y detallado por la pintura y la escultura de un país a lo largo de cuatro siglos. Y en esa travesía, de los artistas de cada época, exhibe obras de extraordinaria calidad. Algunas de ellas referentes del arte de Occidente. Gocé mucho la visita fue una gran experiencia.
    16 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    Está frente a la Plaza de Trafalgar y es de estilo neoclásico. Diseño del arquitecto William Wilkins y construido entre 1832 y 1828. En su momento fue muy criticado. En 1860 se da la primera alteración importante cuando se añade la galería diseñada por sir James Pennethorne. El arquitecto Barry Edward Middleton hace importantes transformaciones al edificio entre 1872 y 1876. Entre ellas la cúpula. En 1884-1887, el arquitecto sir John Taylor diseña la escalera del Hall.
    Historia
    La apertura de la Galería Nacional es relativamente tardía. La colección real de Baviera (ahora en la Alte Pinakothek, Münich) se abrió al público en 1779; la de los Medici en Florencia en 1789 y el Museo del Louvre en 1793. Son colecciones construidas por los reyes o nobles que se nacionalizan en el siglo XVIII. En Inglaterra la corona sigue conservando su colección. La Galería nace en 1824 con la compra de 34 cuadros de la colección de John Julius Angerstein. A partir de entonces se compran colecciones al gusto del director en turno. En 1845 se incorpora el legado de pintura británica de Robert Vernon.
    A principios del siglo XX ingresan donaciones de familias aristócratas. La incorporación del arte impresionista hacia 1906 fue difícil porque se enfrentó al rechazo de ciertas autoridades. En la Segunda Guerra Mundial la colección se protegió en unas canteras de pizarra en Manod, en el norte de Gales. Las pinturas volvieron a la plaza de Trafalgar en 1945.
    Colección
    Está formada por más de 2,300 pinturas y esculturas de mediados del siglo XIII hasta 1900. Dos tercios del acervo son donaciones privadas. De acuerdo a especialistas la colección resulta pequeña en comparación con otras galerías nacionales europeas. Están, con todo, representadas todas las épocas de la pintura de Occidente con obras realmente importantes.
     
    Visita
    - Pintura de 1250-1500
    Esta parte de la colección se aloja de las salas 51 a la 66 y están en el Ala Sainsbury, pero se entra por el edificio principal. La pintura de los siglos XIII y XVI, muchas obras de autores anónimos, tiene como tema fundamental el religioso. Muchas de las obras están cubiertas con pan de oro. A partir del siglo XV, a más de los temas religiosos, se introducen la mitología y los retratos.
    Hay obras de primer nivel, algunas emblemáticas, de Duccio, Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca, Leonrado de Vinci y Rafael. Es notable la presencia de los renacentistas italianos. Entre algunas de las obras notables están La Virgen de las Rocas, de Leonardo da Vinci (1492-1508); El bautismo de Cristo (1450) y Natividad ( 1460-75), de Piero della Francesca; Venus y Marte, de Boticelli.
    - Pintura de 1500-1600
    Están las obras de los maestros del renacimiento italiano del quintocento y también de los Países Bajos. A la par de la temática religiosa está la de la mitología. Se dialoga con Grecia y Roma a la que se pretende superar. Hay obras fundamentales de Miguel Ángel, Bronzino, Tiziano, Mabuse, Carreggio y Brueghel. Entre las obras emblemáticas están Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino (1540-1550) y El sastre, de Giovanni Battista Moroni (1570-1575).
    - Pintura de 1600-1700
    Los artistas de esta época tienen estilos muy personales y definidos. Queda claro de quién es cada obra. En Italia y España el tema religioso es tratado de manera original y novedosa, para llamar la atención. Los pintores de los Países Bajos se especializan en las naturalezas muertas, los paisajes y escenas de la vida cotidiana (reuniones, comidas…).
    Hay obras importantes de Caravaggio, Rubens, Poussin, Van Dyk, Velázquez, Murillo, Rembrandt, Cupy y Vermeer. El fondo holandés es muy bueno y es notable el conjunto de obras de Rembrandt. De los españoles hay una obra reducida, pero de gran calidad. Hay piezas fundamentales desde Bartolomé Bermejo hasta Goya. Sobresale la Venus del espejo(1648), de Diego Velázquez. Hay críticos que la califican como la joya más importante del museo. De él también es Cristo en casa de Marta y María (1618-1620) y Santa Margarita (1631-1640) de Francisco de Zurbarán.
     
    - Pintura de 1700-1900
    Es común que los pintores de este período trabajen grandes formatos. Entre otros muchos hay obras de Canaletto, Goya, Turner, Constable, Ingres, Carot, Hogarth, Gainsborough, Reynolds. Entre algunas obras relevantes están La vendedora de camarones, de William Hogarth (1740-1750) y La carreta del mercado, de Thomas Gainsborough (1786). También Lluvia, vapor y velocidad; El gran ferrocarril del Oeste, (1844); El Temerario remolcado a dique seco (1838), de J. M. W. Turner.
    Están todos los impresionistas y escuelas y artistas que los siguieron hasta el inicio del siglo XX. Entre ellos Degas, Cézanne, Monet, Van Gogh, Renoir, Gauguin. Es muy conocido Los girasoles (1888), de Van Gogh.
    Comentario
    Esta es la tercera vez que visito el museo. Es posible que comparada a otras galerías nacionales (El Prado, El Louvre, El Hermitage…) la colección, que es de creación tardía con relación a las mencionadas, puede resultar pequeña. A pesar de esto sí están representadas todas las etapas de la pintura de Occidente y con la obra de los grandes exponentes.
    La galería me gusta mucho. En la vista de 2014 disfruté de manera muy especial la vista al Ala Sainsbury, salas de la 51 a la 66, donde se expone la pintura europea del siglo XIII al XVI. Siempre me provoca una reacción emocional muy fuerte ver la obra de Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca y Leonrado de Vinci. Están también las obras de autores anónimos que son extraordinarias.
    09 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    El arquitecto Robert Smirke diseñó la sede del museo que es de estilo neoclásico. La obra inicia en 1852 y termina en 1857. El frontón es del escultor británico Richard Westmacott. La sala que alberga la colección del Partenón es diseño del arquitecto John Rusell Pope. En 1940 fue dañada por una bomba. En 1962 se reabrió al público. En 2000 se inauguró la última ampliación, el Gran Atrio de la Reina Isabel II, en el centro del museo, diseñado por el arquitecto Norman Foster. El espacio aloja la sala de lectura, que formaba parte de la Biblioteca Británica.
    Historia
    El origen del museo son 80,000 artículos de la colección de Sir Hans Sloane, médico y naturalista, quien la vendió simbólicamente al gobierno en 1753. Incluía 40,000 libros, 7,000 manuscritos, antigüedades de Egipto, Grecia, Roma, Oriente Medio y Extremo, América, cuadros de Durero y su colección de ciencias naturales y medicina. Luego se adquirió la biblioteca de Sir Robert Cotton y la del anticuario Robert Harley.
    La primera sede fue la casa Montagu, del siglo XVI y se inauguró el 15 de enero de 1759. En 1782 aumentó la colección de antigüedades, con la compra de las piezas griegas y romanas del Sir William Hamilton, embajador británico en Nápoles. En 1801, con la derrota de Francia en la batalla del Nilo, el museo adquirió gran cantidad de antigüedades egipcias y la piedra de Rosetta. En 1805 se añaden las esculturas griegas de la colección Townely y en 1816 los Mármoles de Elgin, más conocidos como los Mármoles del Partenón, donados por el conde de Elgin. En 1823, el rey Jorge IV dona parte de la biblioteca de su padre, la Biblioteca del Rey, lo que hizo necesario trasladar la colección a una nueva sede. La antigua fue demolida en 1845. (En la actualidad el acervo consta de siete millones de objetos)

    Visita
    El sentido del recorrido:
    La Sala de Egipto con los sarcófagos y las momias. A la entrada la piedra Rosetta.
    La Sala Asiria. Dos leones con caras humanas, entrada de un palacio, del 860 a.C. Son espectaculares y se encuentran en muy buen estado de conservación. Estelas de esa misma época. Los paneles del palacio de Nínive con escenas de cacería de leones y los cazadores en carros tirados por caballos del 645 a.C. Entrada de leones con caras humanas del palacio de Sargon del 721 a.C. Paneles del palacio de Nimbrud.

    La Sala de Grecia con el templo de Nereid del siglo V a.C.
    La Sala del Partenón con los frisos de ese edificio y partes del frontispicio en los extremos. Los paneles están muy maltratados. Tenía la imagen de que estaban mejor conservados. Están lejos de la calidad escultórica y grado de conservación del templo de Zeus de Pérgamo en el Museo Pérgamo de Berlín.
    La Sala de Atenas y Lycia donde está la tumba del rey de Xanthos del 48 a.C. Muchas piezas de cerámica griega pintadas en negro. La salas de Micenas, Minoans y Creta. Figuras humanas de Cyclados del 2700 a.C.
    Las salas de China y Asia. Esculturas de la India.
    La Sala de México que no conocía. Se instaló en la presidencia del presidente Salinas con aportaciones de empresas mexicanas. Está bien montada. Destacan las piezas aztecas de turquesa todas fechadas entre 1400 y 1521. La serpiente emplumada de dos cabezas, la máscara de Tezcatlipoca, que es muy dramática, y otra máscara. Las estelas de Yaxchilán de 725 a.C. Hay piezas de la cultura olmeca, maya y  totonaca.
    La Sala Enlightment que reproduce como se  expuso la colección cuando se fundó el museo en 1753. Es muy interesante la mezcla de los libros y las piezas que el museo recibía en donación, de las exploraciones que se organizaban con su apoyo y de la compra.
    Las salas de Sudán, Egipto y Namibia. Interesante las piezas que documentan el cristianismo en Nubia.
    La Sala de Anatolia y Urartu. Se exhiben piezas que van del 2000 al 300 a.C.
    La Sala de Mesopotamia con piezas del 1500 al 530 a.C. Muchas tabletas de escritura cuneiforme. La Sala de Babilonia con piezas del 2000 al 1600 a.C. La sala de las momias y sarcófagos egipcios. La tumba-capilla de Nebamum con frescos del 1350 a.C.
    La Sala de Grecia en Italia con piezas del 750 al 250 a.C. Cerámica negra. La Sala de Chipre (Cyprus) con piezas del 10,000 a.C. Al 58 d.C. La Sala Etrusca con objetos del 800 al100 a.C. La Sala de Roma y el Imperio Romano con piezas del 300 a.C. al 300 d.C. Buenos retratos. La Sala de la Vida de Roma y Grecia. Objetos de la vida cotidiana. Una pequeña sala sobre el zoroastroismo en Persia (Irán). Las salas de relojes y monedas con objetos de muy distintas épocas. La Sala de Europa. Solo pude ver una parte porque la otra estaba cerrada.

    Comentario
    La primera visita al museo la hice en 1974 ó 1975. En ese tiempo estaba en París en un curso del Inodep y vine a Londres. La segunda vez estuve en 1993 en un viaje con Sybille por Inglaterra y Escocia. Ahora, en 2014 es la tercera vez que lo recorro. Han pasado 21 años de la última vez que estuve aquí. La colección, que es extraordinaria, me pareció menos impresionante que en las otras ocasiones. En estos años he visto otros muchos museos y estado en los sitios de los que se exhiben piezas como Persépolis y Pérgamo. Y también he visitado museos, entre otros, el Nacional de Siria, de Líbano y de Jordania con piezas extraordinarias. Siempre es una gran experiencia visitar el museo y uno se queda con la sensación de que se necesitan semanas, para verlo con cuidado.
    02 DE FEBRERO DE 2019

    Historia
    En 2001, el danés Peder Kolind llega a Granada procedente de Costa Rica donde temporalmente residía y decide vivir en esta ciudad. Desde su llegada inicia una serie de obras sociales de beneficio, sobre todo, a la niñez. El museo es uno de esos proyetos sociales. Se inauguró en diciembre de 2005. Él muere en 2015. Uno de sus hijos se encarga de que las obras continuen.   
    Prehistoria en Nicaragua
    (Datos expuestos en el museo)
    15 millones de años antes del presente
    Creación del Istmo Centroamericano
    15 mil años antes del presente
    Llegada de los primeros seres humanos a las Américas
    2000-500 a.C.
    Primeros asentamientos en Nicaragua
    500 a.C. – 300 d.C.
    Auge de la complejidad social
    300 – 800 d.C.
    Cultura Chibcha
    800-1250 d.C.
    Cultura Chorotega
    1250-1525 d.C.
    Cultura Nicarao  
     
    Cerámica de Nicaragua por períodos
    (Datos expuestos en el museo)
    Orosi
    2000-500 a.C.
    Tempisque
    800 a.C. – 300 d.C.
    Bagaces
    3000-800 d.C.
    Sapoá
    800-1350 d.C.
    Ometepe
    1350-1550 d.C. 
     
    Colección 

    Es una colección arqueológica de las diversas culturas de Nicaragua. Está bien montada. Hay información general que permite darse una idea de lo que se muestra, pero falta para ubicar cada pieza en el marco de la cultura a la que pertenece y también al periodo en el que fueron elaboradas.



    Comentario
    Es un museo pequeño, pero con una colección importante. Hay piezas muy hermosas y también valiosas. El patio de la casona, en el centro de Granda, es muy bello. Es un buen ejemplo de la arquitectura propia de la ciudad. Faltan fichas técnicas, para cada pieza.    
     
    25 DE ENERO DE 2019
    Episodios Colección Pirovano II

    Exposición:
    En 1980-1981, la Colección Pirovano, del Dr. Ignacio Pirovano, fue donada por su hermana Josefina Pirovano de Mihura. Ahora, de ella se presenta la obra de los escultores Enio Iommi (1926-2013) y Sesostris Vitullo (1899-1953). La curaduría es de María Amalia García. Son obras de los años 50. En visión de la curadora "la exposición pone en tensión las investigaciones en torno al arte abstracto realizadas por Iommi y las búsquedas sobre los imaginarios primitivos del arte moderno desarrolladas por Vitullo. Ambas vertientes plásticas permiten abordar los diversos intereses del coleccionista Ignacio Pirovano a la vez que estudiar las derivas de la escultura a lo largo del siglo XX".
    Recorrido:
    Son ocho esculturas en una pequeña sala. Las de Vitullo son tótems de madera con claras reminiscencias de la escultura elaboradas por los pueblos originarios de América. No sé si tiene de referencia alguna cultura en lo particular. Las de Iommi son esculturas abstractas o concretas trabajadas con diversos materiales.

    Comentario:
    No conocía la obra de estos escultores argentinos. Las esculturas de Vitullo, que vivió en Francia desde la década de los veinte, se propone vincular el lenguaje moderno con las formas propias de las culturas precolombinas. Las esculturas de Iommi son una expresión acabada del arte concreto. Explora las posibilidades plásticas de los materiales con los que trabaja. Los dos son claramente modernos, pero parten de concepciones distintas lo que lleva a una forma muy diferente de enfrentar la escultura.
     
    19 DE ENERO DE 2019
    Excéntricos y superilustrados

    Exposición:
    Son obras de la colección del museo que escapan a las formas establecidas del arte y la intelectualidad de su tiempo. Son artistas alejados de las tendencias y reticentes a sumarse a las vanguardias de moda. Con su obra abren nuevas vías conceptuales que se traducen en trabajos multidisciplinarios. Los curadores, Javier Villa, Sofía Dourron y Laura Hakel, plantean que así como Xul Sola, en los años veinte, era incomprendido por sus contemporáneos cuando oscilaba entre la intelectualidad orgánica y la tradicional, entre la pintura, la escritura y el esoterismo, hay otros artistas que después han transitado por caminos similares.

    Se exhiben obras de Alberto Greco, Alejandra Urresti, Benito Laren, Dana Ferrari, Delia Cancela, Edgardo Antonio Vigo, Fabio Kacero, Federico Manuel Peralta Ramos, Fernanda Laguna, Isaac Díaz, Jorge Bonino, Jorge de Luján Gutiérrez, Juane Odriozola, Laura Códega, León Ferrari, Liliana Maresca, Luis Pazos, Lux Lindner, Marcelo Galindo, Mariano Blatt, Martín Legón, Pablo Suárez, Ricardo Carreira, Sergio De Loof, Xul Solar y Zoe Di Rienzo.
    Recorrido:
    Los autores que más me llamaron la atención son: Zoedi Rienzo, El coso (2016), nueve fotografías; Delia Cancela, Chicas (1967), 16 dibujos sobre papel con marcador y tinta.
    Comentario:
    De manera racional entiendo bien la concepción que anima a estos artistas y también comprendo su ruptura, pero sus obras no me entusiasman y tampoco me provocan emoción. Me acerco a ellas desde la razón, desde el esfuerzo de comprender su aporte. La curaduría plantan que “la exposición intenta ensayar un relato sobre la heterodoxia artística argentina” y añaden que estos artistas se apoyan “en la escritura y el dibujo como herramientas para encontrar pensamientos nuevos; en la fotografía y el video como elemento para registrar simples gestos performáticos alrededor de sus vidas e ideas; y en la construcción de objetos absurdos o disfuncionales para escapar y romper con lo cotidiano.Estos artistas son excéntricos respecto a las tendencias de sus contemporáneos, y superilustrados al transitar un afuera de los filosos márgenes de la intelectualidad académica”. 
    12 DE ENERO DE 2019
    Debates en el centro: Abstracción y figuración en la Colección del Museo de Arte Moderno 1950-1970

    Exposición:
    En visión del curador de la exposición, Marcelo E. Pacheco, "la dualidad y la confrontación entre la abstracción y la figuración fueron componentes centrales de la escena artística cosmopolita de la primera mitad del siglo XX. Con la irrupción del arte contemporáneo, gradualmente a partir de los años 50, la batalla, e incluso la diferencia dejaron de despertar interés. Pero las preguntas se mantienen vigentes. La representación o ausencia de representación en el arte es un dilema que, después de un siglo, sigue provocando al público".

    La exposición recorre el informalismo, la nueva figuración, el realismo social, la abstracción lírica y geométrica, el pop, el arte ingenuo, el minimalismo y el arte óptico. Se presentan obras de Juan Del Prete, Josefina Miguens (Robirosa), Luis Seoane, Julio Barragán, Luis Centurión, Juan Grela, Ricardo Garabito, Nicolás García Uriburu, Noemí Gerstein, Carlos Silva, Víctor Magariños D., Miguel Ocampo, Enio Iommi y Grupo Espartaco. La muestra, dice el curador, incluye también a artistas poco conocidos u olvidados como Ricardo Carreira, Carlota Reyna, Juan Eichler, José De Monte, Juan Carlos Castagnino y Julián Althabe.
    Recorrido:
    Los autores que más llamaron la atención fueron: Juan del Prete (1897-1987) Es figura clave y pionera. Dos cuadros con el mismo título Abastracción abstracta, me gustaron mucho (1955); Luis Centurión (Uruguay, 1922-1985); Noemí Gerstein (1908-1996), La familia (1960), bronce; Luis Barragán (1914-2001); Juan Carlos Castagnino (1908-1972), calcografías en blanco y negro (1965-1969); Ricardo Carreira (1942-1993), Sin título (1963), óleo pequeño sobre papel; Luis Seoane (1910-1979); Juan Grela (1914-1993); Carlos Silva (1930-1987), Vivaldi (1964), óleo.
    Comentario:
    La exposición me permitió tener una panorámica general y al mismo tiempo amplia de la producción de los grande artistas argentinos entre 1950 1970. Se exhiben obras calves expresión de los distintos movimientos. Son 20 años de una etapa fundamental del arte moderno argentino. La gocé y aprendí mucho. Fue una gran oportunidad.
    1/1