Museos y Expos. 2019
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  • 10 DE AGOSTO DE 2019
    Museo Nacional de Historia
    Yerevan, Armenia

    Historia
    En 1919 la Unión Soviética se anexa Armenia y se funda la República Soviética Socialista de Armenia. En 1921 las autoridades del nuevo gobierno crean el Museo de Historia.
     
    Edificio
    Está en la Plaza de la República. Al edificio que en 1921 construye el arquitecto Alexander Tamanian se añade en 1950 una nueva sección. El juego interior de las escaleras es muy bueno.
     
    Colección
    La colección del museo cuenta con 400,000 objetos. La exposición permanente abarca toda la historia del pueblo armenio, desde los tiempos de las primeras poblaciones hasta nuestros días.
    En la primera planta se exponen Khachkars (cruces de piedra); alfombras de los siglos XIV al XX; trajes regionales armenios de los siglos XVIII y XIX, que se conocen como Taraz; cerámica, bronces y joyas en plata y oro del 3,000 al 1,000 a.C.; hay una maqueta del templo de Zvartnots; las puertas de los monasterios de Seván (1171) y de Tatev (1253). La última sala está dedicada a los tiempos prehistóricos y a Urartu, el reino de Van (900 a.C.).
    Y en la segunda planta están las salas que se dedican a Dvin y Aní que fueron, en el 3,000 a.C., los primeros asentamientos en las tierras altas de Armenia. En otra sala se exponen objetos de Artashat (II a.C.-II d.C. Aquí está la estatua de mármol de Afrodita (Anahit). La Armenia en la época romana y la cristiana.

     
    Visita
    Las salas que más me llamaron la atención fueron las dedicadas a las exposiciones:

    De la Edad de Piedra a la Edad de Bronce: 2,000,000 a 1,000 Antes de Cristo

    Aquí ví herramientas primitivas de piedra de las diferentes etapas del Paleolítico. Del alto (500,000 al 200, 000 a.C.); del medio (200,000 al 40,000 a.C.) y del bajo (40,000 al 12,000 a.C.) (El Homo erectus es del 2,000,000 al 1,750,000).   
    Vi un muy hermoso torso de mujer del 8,000 a.C. Muy bellas piezas de cerámica del 6,000 a.C. Muy buenas vasijas negras del 3,000 a.C. y torsos abstractos de mujer de esa misma época. Un zapato de piel del 3,600-3,500 a.C. Piezas muy hermosas de las distintas etapas de la Edad de Bronce. Sobre todo de la media (2,400-1,500 a.C.) y la baja (1,500-800 a.C.).      
    Un vaso ritual formidable (2,200-2,100 a.C.). Hermosos animales pequeños (venados, vacas, toros…) (1,200-900 a.C.). Unos falos en piedra (1,000-900 a.C.) Un extraordinario torso de mujer (1,000-900 a.C.). Arcos grandes y pesados (1,500-1,400 a.C.). Unas dagas muy impresionantes (1,500-1,300 a.C.).   
    De la necrópolis de Lchashen dos carretas, para llevar a los muertos, impresionantes, nunca había visto algo así. Están  completas (1,500-1,400 a.C.) Guerreros armados con todo su equipo (escudos, lanzas, cascos, mallas…) (1,000-900 a.C.) 

    Urartu: reino de Van

    El primer rey Urartu es Arameh (860-840 a.C.) y su sucesor Sarduri I (840-832 a.C.). Domina la región y establece su capital política en Tushpa, a orillas del lago Van. Ciudades imporantes son Arzashkun y Sagunia. Luego se extiende hacia el Alto Éufrates y hacia la cuenca del lago Urmia. La infuencia de asiria se evidencia en la arquitectura y forma de organizar el Estado.   
    Urartu aprovecha la relativa debilidad de Asiria y extiende su hegemonía a todas las tierras altas de Armenia entre el 830 y el 740 a.C. Con Ishpuini (832-810 a.C.) y Menua (810-786 a.C.) se realizan construcciones propiamente urarteas, a pesar de que todavía está presente el eco de la influencia asiria. En el reinado de Menua hay una intensa actividad arquitectónica, para amurallar las ciudades y construir fortalezas. Se realizan importantes obras hidráulicas.
    El reino se expande sobre Alzi y Malatya y consolida su poder en la cuenca del lago Urmia y el alto río Zab. Y también avanza hacia las tierras más allá del Cáucaso, que hasta ese momento no habían conocido ninguna forma de organización estatal. Además, al norte del monte Ararat, empieza la colonización urartea del valle del Araxes y de la cuenca del lago Sevan.
    En el reinado de Argishti I (786-764 a.C.) es cuando la expansión de Urartu llega a su punto culminante. Se conocen al detalle sus expediciones militares gracias a sus anales. La misma política de Argishti es seguida por Sarduri II (764-734 a.C.). Él se atreve a enfrentarse a los intereses asirios y  derrota y somete a los reinos neohititas de Malatya y Kummukh. Establece una alianza antiasiria con los reinos de Arpad y Gurgum. Urartu se constituye como un imperio.
    El sucesor de Sarduri II es Rusa I (734-714 a.C.) reformador religioso y hábil gobernante que realiza alianzas más amplias contra Asiria. Lo suceden Argishti II y Rusa II (714-640 a.C.) quienes consolidan las fronteras del reino. Los historiadores consideran probable existiera un acuerdo entre Asiria y Uratu, para no entrar en conflicto el uno con el otro. Entre los dos reinos hay un estatus de igualdad.
    En 610 a.C. Asiria cae bajo el golpe de caldeos y medos. En 608 a.C. Nabopolassar ataca Urartu, pero no la destruye. A finales del siglo VII e inicios del siglo VI a.C. Uratu sigue en pié. En 590 a.C. cae a manos de pueblos iranios. La caída del reino de Urartu beneficia a los medos que desde 610 a.C., año de la caída de Asiria, pasa a controlar la Alta Mesopotamia y el norte de los Montes Zagros. Finalmente, una vez que se une el reino de Media, Urartu se convierte en una satrapía más del Imperio de los aqueménidas, ya con el nombre de Armenia.
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    En la exposición pude ver: Un estupendo fresco del dios Khaldi (800 a.C.) con unos leones en azules y ocres. Tablas de piedra con escritura cuneiforme del 680-645 a.C. (Karmir Blour). Frescos de la ciudadela de Teishebaini. El casco en broce del rey Argishti I (786-764 a.C.)
    Una inscripción del rey Sardumis II en escritura cuneiforme (764-735 a.C.) Piezas de oro y plata con inscripciones cuneiforme. Vidrios de un azul muy bello (700-600 a.C.) Grandes tinajas de agua de barro y bronce.

    Comentario
    La vista al museo fue una gran experiencia. Amplió mis conocimientos y abrió mi campo de interés. La museografía está bien puesta y es didáctica. Las cédulas informativas son buenas. El acervo es impresionante. La región de Armenia forma parte de la cuna de la civilización en el espacio extendido de Irak-Irán. Lo que vi me emociona y conmueve. Me invita a ser mejor.
    03 DE AGOSTO DE 2019
    Galería Nacional de Armenia
    Yerevan, Armenia

     
    Historia
    En 1919 la Unión Soviética se anexa Armenia y se funda la República Socialista de Armenia. En 1921 las autoridades del nuevo gobierno crean el Museo de Arte. En 1923 el museo pide la colaboración de los artistas franceses-armenios que responden con generosidad, para 1935 había ya 40 grandes obras de estos pintores. En 1925 en el catálogo se registran 400 obras de artistas armenios, rusos y europeos que se exhiben en seis salas. Desde su nacimiento el museo promovió las donaciones de artistas armenios y rusos y también de benefactores y de artistas.
    En 1947 el Museo de Arte cambia el nombre a Galería Estatal de Armenia. En 1978 el museo, ante el crecimiento de la colección, amplía sus instalaciones y abre nuevas secciones. En 1991, cuando Armenia recupera su independencia, el nombre del museo cambia a Galería Nacional de Armenia.
     
    Edificio
    Está en la Plaza de la República. En 1921 se termina la construcción. Es un diseño del arquitecto Alexander Tamanian. En 1950 se añade el edificio que aloja al Museo Nacional de Historia Armenia. Forman un mismo conjunto. El juego interior de las escaleras es muy bueno.
     
    Colección
    En 1921, por decisión de las autoridades soviéticas, la colección de pinturas del Instituto Lazarev, con sede en Moscú, pasan a ser parte del museo. Así inicia la colección con obras rusas y también de pintores europeos. Es una de las colecciones de arte, en particular de pintura, más importantes de lo que fue la Unión de Repúblicas Soviéticas (URSS).
    La colección se exhibe en cinco pisos: En el piso tres, arte antiguo y medieval de Armenia; piso cuatro, arte armenio del siglo XX; piso cinco, arte armenio del siglo XIX y principios del XX; piso seis, arte ruso; piso siete, arte de Egipto, Grecia, Italia y Flandes. Arte de España, Alemania, Suiza, Bélgica y Austria. Arte de Francia y Holanda.
     
    Visita
    De los pintores europeos me llamó la atención: Un estupendo cuadro de Sandro Boticelli (1445-1510) (La Natudal); Madre y niños de G.Arofalo (1481-1559). Los italianos están bien representados. Una muy buena Madona con niño de Rubens (1557-1640); un fantástico Descendimiento de Jesús, que se atribuye al círculo de Anthony Van Dyk (1595-1641); Reynldo y Armida de Fragonard (1732-1806); Cabeza de muchacho de Gustav Coubert (1819-1877). Muy buenas piezas de Gustav Gallé (1846-1904) y paisajes de Rockwell Kent (1882-1971).
    De los pintores rusos me llamaron la atención la colección de iconos (XVII-XVIII) y las obras de: Ivan Argunov (1729-1802); Vasily Tropinin (1776-1851); Konstantin Makovsky (1839-1915): Valentin Serov (1865-1911); Vasily Polenov (1844-1927); Mikhail Lorionov (1881-1964); Pavel Kuznetsov (1878-1968); Chagal (1887-1985); Kandinsky (1866-1944); Robert Falk (1886-1958); Pyork Konchlouvsky (1876-1956); Issak Levitan (1860-1900). Buenas piezas de porcelana rusa.
    De los autores armenios me llamaron la atención: Hakob Hounatanian (1806-1881) (retratos muy ingenuos); Stepanos Nersissian (1815-1884) (retratos más elaborados); Hovhannes Aivazovsky (1817-1900); Edgar Chine (1874-1947); Arshak Fetvadjian (1857-1947); Gevorg Basinjaghisan (1863-1940) (impresionista); Stepan Agahajanyan (1863-1940); Eghishe Tadevosyan (1870-1936) (impresionista, muy buenos paisajes); Panos Terlemezyan (1865-1941) (impresionista); Hakob Kojoyan (1883-1959); Vartan Mahomian (1869-1937); Yerrand Kotchar (1899-1979); Gorgi Yakwlov (1884-1928); Martinos Saryan (1880-1972), Flores para los guerreros de la gran guerra patriótica (1945) y retratos importantes); Eduard Isabekyan (1914); Vardeges Sureniantes (1860-1921).
     
    Comentario
    Es un verdadero descubrimiento. No tenía idea de esta muy importante colección que estaba consierada como la tercera más importante en el ámbito de los países socialistas. Me impresionó mucho las salas de artistas rusos y armenios. No los conocía. Es un mundo inmenso por descubrir. Los autores que anoto tenían obras que me dijeron mucho. Voy a hacer un esfuerzo por conocer más sobre ellos. (Me hice del catálogo)
    27 DE JULIO DE 2019
    Museo Matenadaran
    Yerevan, Armenia

    Edificio
    El arquitecto Mark Grigoryanlo lo construye en 1957. Está en la parte alta de la ciudad. El diseño del edificio se propone que se vuelva un sitio emblemático. En el primer nivel de la parte exterior está la figura del monje Mesrop Mashtots quien crea el alfabeto armenio en 405. Es obra del escultor Ghikas Chubaryan. El arranque de las escaleras y el vestíbulo, con los murales, está bien logrado. Cada sala del museo está inspirada en la estructura y los techos de un monasterio.

    Historia de la colección
    La colección inicia al principio del siglo V formada por el propio Mashtots en la matenadarán, que en armenio antiguo significa biblioteca,del monasterio de Echmiadzin. Con el tiempo la colección crece y es a partir del siglo XV que recibe un gran impulso. En el siglo XVIII los ataques a la ciudad dañan la biblioteca que fue saqueada por última vez en 1804.
    En 1828, con la integración de Armenia oriental al Imperio ruso, retoma su desarrollo. En 1840, se publica un primer catálogo, prologado por Marie-Félicité Brosset, que contabiliza 312 manuscritos; el segundo catálogo de 1863 registra  2,340.
    En 1915, como consecuencia del genocidio armenio, el Matenadarán recibió numerosos manuscritos procedentes de Armenia occidental (en particular de Vaspurakan), pero también de Tabriz en Persia. Para proteger sus colecciones se decide llevarla a Moscú, pero después regresa a su sitio original.
    Después de la Revolución, en 1920, las autoridades rusas nacionalizan todos los bienes de la Iglesia Armenia entre ellos esta biblioteca. El Estado soviético incrementa la colección con manuscritos procedentes de Moscú (Instituto Lázarev de lenguas orientales) y de Tiflis. En 1939 las colecciones fueron transferidas de Echmiadzín a Yereván. En 1959, la institución hasta entonces conocida como el Matenadarán se convierte en el Instituto de Manuscritos Antiguo.
    Colección
    En el mundo hay 30,000 manuscritos armenios y aquí se encuentran 14,000. El  fondo cuenta con 3,000 manuscritos en otras lenguas. Y en su archivo hay 300,000 documentos. Desde el siglo V, después de la creación de la escritura armenia, en los monasterios se traducen y copian los textos de la antigüedad. Existen obras de la Grecia antigua que se han conservado solo en la versión armenia. La colección reúne textos del siglo IX al XIX. Son diez siglos. Hoy el museo es centro de investigación, rescate y conservación de manuscritos armenios y de otras lenguas.

    Visita
    El original más antiguo que se conserva es un texto conocido como el Evangelio de Lázaro, de 887, escrito en pergamino. Al siglo V, cuando empieza la traducción y copia de manuscritos de la antigüedad en los monasterios, se le conoce como la “Edad de Oro” de las traducciones. Del siglo V al X los textos se escribieron sobre pergamino y a partir de entonces en papel. El pergamino era muy costoso, se requería la piel de muchos corderos, y por eso había la costumbre de que cada 500 años se borraban los textos, para volver a escribir sobre esos libros. En la exposición se muestran algunos ejemplos.
    Los copistas y miniaturistas eran distintas personas. El copista Hovhannos Mahgasarents, del siglo XV, empezó a trabajar a los 14 años y a lo largo de toda su vida logró copiar 132 libros. El número da una idea del esfuerzo que implicaba la producción de los textos. De manera particular me impresionaron: Una traducción y copia del siglo XII de la Geometría de Euclides, del siglo III; El Evangelio de Echmiadzin de 989 con una portada en marfil, formidable, del siglo VI; Un Evangelio de 1649; Las Homilías de Mush; Libro de oraciones de 1200. En 1512 se imprime en Venecia el primer libro en armenio y hasta 1772 en la propia Armenia.
    Comentario
    Una joven guía en español nos acompañó en el recorrido. Lo hizo muy bien. Los manuscritos muestran el alto desarrollo de las ciencias (matemáticas, botánica, medicina, astronomía…), la filosofía, la teología, el derecho y las artes que alcanzó en los monasterios armenios. Las miniaturas de los libros tienen un dibujo preciso con colores intensos y definidos. Es una museografía didáctica, ya rebasada, que muestra muy poco de lo que tiene la colección. Me hubiera gustado ver muchos más manuscritos. No vimos nada de los trabajos de Molmik. La guía comentó que hay donaciones constantes de manuscritos al museo. (Me hice del libro sobre la colección del museo)
    20 DE JULIO DE 2019
    Memorial y Museo del Genocidio Armenio
    Yerevan, Armenia
     

    El conjunto    
    Se integra con el monumento de la llama votiva en memoria de los muertos y el edificio del museo. Los dos forman un todo. Está sobre una colina. Al fondo el Ararat nevado que ahora se ve completo. Desde aquí se contempla una buena parte de la ciudad. El emplazamiento recuerda al de los monasterios. En 1965 se incia la construcción, para conmemorar el 50 aniversario del genocidio. La obra se termina en 1967. El diseño es de los arquitectos Kalashian y Mkrtchian. El museo se añade en 1995, para conmemorar el 80 aniversario de la masacre. El poyecto es de los mismos arquitectos.
     
    El memorial

    La explanada con sus tres elementos: Una gran pared de basalto al lado izquierdo con los nombres de los lugares donde fueron masacrados los armenios; una aguja en mármol negro que se lanza a las alturas y la estructura que cobija la llama votiva. Ahora que lo visito una familia guarda silencio. La gente lleva flores que ponen a un lado de la llama que arde permanentemente.
     
    El museo
    Está bajo la plaza. Antes de entrar a las salas un homenaje al noruego Fridtjof Nansen, premio Nobel, que trabajó para salvar a los armenios. El genocidio inicia el 24 de abril de 1915 y se extiende hasta 1917. La exposición inicia a mano derecha.

    La primera sala ofrece información objetiva de la matanza de las regiones donde vivían los armenios en Turquía. Los datos: El número de los asentamientos en la región; el número de las escuelas destruidas; el número de las iglesias destruidas; el número de los asesinados. Se camina en un semicírculo. En las vitrinas fotografías y textos (cartas, periódicos, reportes…) que documentan los hechos. En la última sala unas pequeñas cajas de cristal con tierra de las regiones donde ocurrió el genocidio y la lista final de los muertos: 670,000 armenios.
     
    Comentario
    Todo está hecho, para recordar a los muertos y que el genocidio nunca se olvide. Ahora, una joven mujer toma fotos de un sitio particular en el mapa donde se señalan los pueblos masacrados. Es posible que ahí fueron asesinados algunos de sus parientes. Me impacta. Las personas recorren el museo en silencio. Lo hacen también con mucho respeto. Es la tragedia colectiva. Más de alguno de los que ahora visitan el museo debe haber perdido a un antepasado. ¿Por qué ocurre el genocidio? ¿Por qué Turquía lo niega? ¿Por la irracionalidad de los seres humanos? ¿Por qué asesinamos? Sybille siempre ha estado interesada en el genocidio de los armenios. Ella me lo ha hecho presente.
    13 DE JULIO DE 2019

    El museo está dedicado a Anastasas Mikoyan (1895-1978) y Artem Mikoyan (1905-1970) que nacieron en esta población. El primero fue un político muy relevante del aparato soviético y el segundo un ingeniero militar muy reconocido. Anastasas formó parte del Politburo del Partido Comunista de la Unión Socialistas Soviética (PCUS) de 1939 a 1966. Fue quien más permaneció en el cargo. Fue ministro de Relaciones Exteriores de la URSS y le tocó participar en buena parte de los más importantes acontecimientos del siglo XX en defensa de los intereses de su país.
    En 1962 interviene en la crisis de los misiles en Cuba (hablaba español) y también en la caída de Nikita Khrushchev en 1964. Artem es el creador, junto con Mikhail Gurevich, del MiG soviético, que toma su nombre de los apellidos de sus creadores. En 1939, Artem fue nombrado jefe de la oficina de diseño aeronáutica de la URSS. El primer vuelo del MiG se realiza en 1947.

    El museo alberga objetos que estuvieron en la casa paterna. Sus padres eran campesinos analfabetos. Hay fotos de su infancia. En el segundo piso hay objetos personales de los hermanos Mikoyan, fotografías que dan cuenta de las relaciones de Anastasas con los dirigentes soviéticos y con los mandatarios del mundo. Se exponen también algunos de sus libros.
    De Artem se muestran fotos de sus diseños y en la parte exterior un MiG de la serie 21. La responsable del museo es una familiar de estos personajes y fue ella la que nos abrió y dio explicaciones. Ella hablaba en armenio y Artak, nuestro guía, nos traducía al alemán y Sybille al español. 


     
    Comentario
    La plaza exterior con la escultura de Artem y el cobertizo del avión es un estupendo ejemplo de la arquitectura de la época socialista. El museo, que es muy sencillo, tiene muchos objetos que permiten recordar eventos de la historia de Armenia y del siglo XX en el mundo. Fue una visita muy interesante y productiva. Desde niño ubico muy bien la figura de Anastasas Mikoyan que alguna vez estuvo en México.
    05 DE JULIO DE 2019

    Edificio
    El Baluarte de la Soledad es una construcción militar de fines del siglo XVII, se encuentra frente al mar, y era parte del sistema de defensa de la muralla de la villa de San Francisco de Campeche.
    La planta es de forma pentagonal irregular y cuenta con dos niveles. La planta baja se conforma de seis habitaciones abovedadas. Estas áreas sirvieron de habitaciones del personal de guardia y de bodega para el almacenamiento de armas y pólvora.
    A la planta alta se accede por una rampa de mampostería que descansa en su lado mayor sobre tres arcos. Esta área conocida como terraplén, está rodeada de almenas y troneras, y en sus vértices se hallan garitones. La gola del baluarte se cierra con la prolongación de la muralla que venía del baluarte de Santiago.
    Historia del museo
    En la Revolución el baluarte fue ocupado por las tropas de la federación. Y después como bodegas del gobierno del estado. A partir de 1929 se utilizó como vivienda de familias de integrantes del Ejército. En 1937, los gobiernos federal y estatal iniciaron los trabajos de rescate y restauración del inmueble que se encontraba muy deteriorado. Deciden conservarlo como monumento histórico.
    En 1958 el edificio se restaura y consolida, para instalar el Museo Arqueológico de Campeche con piezas expuestas en el extemplo de San José. En ese mismo año aquí se ubican las oficinas del Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), que permanecieron hasta 1995 cuando se trasladan a la casa del Teniente del Rey. En 1975 parte de su colección arqueológica se traslada al Fuerte de San Miguel. El espacio cambia su nombre al de Museo de Historia Colonial.
    Nuevamente el museo sufre un cambio en 1985 cuando las piezas que aquí se exhibían se llevan a un nuevo museo. Aquí solo quedan los monolitos de la cultura maya y se cambia el nombre a Museo de las Estelas. En el año 2005 otra vez se interviene el espacio. Se instala la colección que ahora se expone y cambia el nombre a Museo de Arquitectura Maya Baluarte de la Soledad.
     
    Colección   
    Estilos de la arquitectura maya en Campeche 
    Estilo Petén:
    Tiempo: Preclásico Tardío al Clásico Temprano (250 a.C. al 600 d.C.)
    Zona: Norte de Guatemala y toda la Península de Yucatán 
    Sitio en Campeche: Calakmul, Edzná y Oxpemul
     
    Estilo Río Bec:
    Tiempo: Clásico Tardío (600 al 800 d.C.)
    Zona: Sur de Campeche y Quintana Roo 
    Sitio en Campeche: Río Bec, Becán, Okolhuitz, Chicanná, Hormiguero y Xpuhil
     
    Estilo Chenes:
    Tiempo: Clásico Tardío (600 al 800 d.C.)
    Zona: Centro y noreste de Campeche, sur y este de Yucatán y sur de Quintana Roo.  
    Sitio en Campeche: Santa Rosa Xtampak, Tabasqueño, Dzibinocac, Hochob y Dzibiltún.
     
    Estilo Puuc:
    Tiempo: Clásico Tardío (600 al 800 d.C.) y Clásico Terminal (800 al 1000 d.C.)
    Zona: Norte de Campeche, centro y sur de Yucatán. 
    Sitio en Campeche: Xcalumkin, Kanki y Chunhuhub.
     
    Salas:
     
    Sala 1: Arquitectura de Campeche
    + Columna y capitel, Xcochá (600-900)
    + Estela 3 y 6, Itzimté (600-900)
    + Estela 12, Itzimté (869)
    + Dos columnas (¿)

    En el primer plano las dos columnas. A la derecha columna y capitel y a la izquierda y al fondo dos de las estelas.  
    + Esquina de edificio (mascarón), Miramar (600-900) Dios Itzamnaaj.   


    + Estela 1, Dzibilnocac (731) Señor de Uko’m.

    + Pilastra de palacio, Xcochá (749)
    + Cornisa, Xcalmukin (600-900)
     
    Sala 2: Puuc
    El esplendor del estilo es en el siglo IX.
    + Escultura, Chnhuhub (600-900)
    + Dintel central, Xculoc (600-900)
    + Estela 7, Itzimté (750)
    + Columna, Bakná (600-900)
    + Estela 19, Edzná (600-900)
    + Columnas edificio norte, Xcalumkin (600-900)
     
    + Marco arquitectónico, Xcalmukin (600-900) 
     
    + Esculturas (3), Xculoc (600-900)
     
    Sala 3: Chenes
    + Columnas, Santa Rosa Xtampak (600-900)
    + Tapas de bóveda (2), Dzibilnocac y Santa Rosa Xtampak
     
    + Estela 7, Dzibilnocac (600-900).
    + Banca de piedra, Río Bec (600-900) Al interior de los edificios. 
     
    Sala 4: Máscaras de Calakmul
    Es la máscara en jade que se encontró en la Tumba 1 de la Estructura VII en Calakmul. Es del 600-750. Está también el atuendo mortuorio y la ofrenda. Las orejeras son una flor de cuatro pétalos. Impacta.
     
     
    Comentario
    La última vez que estuve aquí todavía era el Museo de las Estelas. El de ahora es muy distinto. Es formidable. La calidad de las piezas es enorme. La museografía es muy buena y también lo son las fichas técnicas en español e inglés. A pesar de ser pequeño en sus dimensiones es un gran, gran museo.
    Se pueden ver columnas, jambas, dinteles, estelas, esculturas, tapas de bóveda y bancas de los distintos estilos arquitectónicos mayas. Todas las piezas son de un enorme valor. Me impactaron en especial la máscara y el ajuar funerario de la Tumba 1 de la Estructura VII en Calakmul. El mascarón de Miramar. Todas las estelas y columnas. Me quedo con muchas ganas de visitar los sitios que no conozco y de donde provienen algunas de las piezas. Con Sybille lo voy a hacer.
    28 DE JUNIO DE 2019
    Edificio

    Se construye para reforzar la defensa de la villa de San Francisco de Campeche. En 1799 se inician las obras de acuerdo al proyecto del Ing. Agustín Crame. Terminado la traza original ésta es modificada por Juan José de León, quien en 1801 incluye dos pequeños baluartes que sobresalen en el lado de tierra con el fin de proteger la puerta.
    La planta es cuadrangular y está rodeada de un foso donde se aprecian dos puentes: el durmiente, construido de mampostería; y el levadizo, de madera. Del lado de tierra hay dos pequeños baluartes que custodian la puerta. En un mismo nivel está el alojamineto para los oficiales y la tropa, los almacenes de víveres, el de pertrechos y la cocina. Todos estos espacios en torno al patio central.
    El pasillo de acceso es de forma ondulada, sistema defensivo que evita el acceso franco de los posibles invasores y también de los proyectiles. La entrada es de cantera y tiene forma rectangular, rematada por un triángulo. En la parte superior tiene explanadas y parapetos, así como tres garitas que servían de albergue a los vigías, dos por el lado de tierra y uno por el lado de mar.

    En 1771 el entonces brigadier de los reales ejércitos Antonio Oliver, comunica al rey de España que la plaza de Campeche era indefendible, y que era necesario cambiar la estrategia defensiva de la ciudad. Era necesario asegurar a la población con obras exteriores situadas en las zonas de mayor peligro, creando así baterías para agrupar cañones. En 1776 informa al ministro de Indias, don José de Galves, que había mandado construir “una batería provisional a un cuarto de legua de la plaza, guarnecida por doce cañones de 24”.
    En 1801, al concluirse los trabajos, que le dan su aspecto definitivo, se realiza una ceremonia de entrega, en la que se coloca un escudo de armas en el tímpano del frontón de la portada, mismo que fue destruido después de la independencia, probablemente en 1822.
    Por años el edificio permaneció abandonado. A finales de los años cincuenta del siglo XX se utiliza como unidad habitacional para 50 familias del ejército federal, después quedó en el abandono durante más de 10 años.
    Historia del museo
    En 1963 el edificio se rehabilitó, para instalar el Museo de Armas y Marinería. En 1978 la colección fue sustituida y se inaugura el Museo de Arqueología Maya. En 1999 se interviene el inmueble y de su mobiliario museográfico y se enriquece su colección con piezas procedentes de las diversas zonas arqueológicas del estado. En ese entonces se reinaugura como Museo de Arqueología Maya, Fuerte de San Miguel.
    Colección
    Se organiza en diez salas:
    1. Introducción

    Los primeros asentamientso del área maya son del 10,000 a.C.
    Período Preclásico del 1250 a.C. al 250 d.C. 
    Período Clásico del 250 d.C. al 1000 d.C.

    * Clásico Temprano del 250 d.C. al 600 d.C.
    * Clásico Tardio del 600 d.C al 900 d.C.
    *Clásico Terminal del 900 d.C. al 1000 d.C.
    2. El entorno natural
    El área maya tiene 136,000 kilómetros cuadrdos. Hay piezas hermosas de Jaina. Son animales de épocas distintas.
    3. De la aldea a la ciudad
    Los estilos arquitectónicos. Hay seis estelas.
    4. El ciclo de la vida
    Las etapas de la vida. Piezas de Jaina.
    5. Trascender la muerte
    Tres máscaras de Calakmul. El estilo de cada una de ellas es diferente. Son del 600-900 d.C. El material jade, coral y jadeita.

    6. Escritura y conocimientos
    Pocas piezas
    7. Estructura social
    Muy buenas piezas de Jaina.
    8. La élite
    Cerámica de Jaina. La estela nueve de Calakmul muy bien conservada. Se pueden ver registros epigráficos de fechas, nombres e imágenes de uno de sus gobernantes y sus esposas.
    9.El Orden del Universo
    Estaba cerrada
    10. Guerra y Territorio
    Estaba cerrada
     
    Comentario
     
    El edificio es un buen ejemplo de la arquitectura militar del final del periodo colonial. Hay piezas muy buenas. En esta visita me impresionaron algunas de las pequeñas esculturas de Jaina, las tres máscaras de Calakmul y también la estela nueve del mismo lugar. De la pasada visita me quedé con la idea de que el museo tenía más piezas y que era más grande. Conservaba una imagen equivocada. El museo es bueno, pero más modesto de lo que tenía en la mente.
    Visitas
    2000, 2007, 2018.
    15 DE JUNIO DE 2019

    Edificio
    En 1998 el arquitecto Carlos Lozano y el arqueólogo Juan Yadeun Angulo se dieron a la tarea de construir el museo. El diseño del edificio es atractivo. El edificio se inserta en una estructura prehispánica.
    Antecedentes   
    En 1985 se construyeron dos bodegas, para albergar las piezas que se habían encontrado. Una cerca del Juego de pelota y la otra donde ahora está el museo.   
    Exhibición  
    Tiene dos salas. En la A se encuentran esculturas que dan cuenta del poderío militar que ejercía Toniná sobre otras regiones (Palenque, Yaxchilan y Bonampak). Se expone las fechas de las  capturas de guerreros de alto grado militar y también los rituales de la decapitación.  En la sala B o de los “Trece Gobernantes” se da cuenta de las dinastías que gobernaron la ciudad. Se muestra también el intercambio mercantil con otras regiones. 

    Comentario 
    La sala A, la que pudimos ver, muestra piezas de enorme valor. Hay una idea museográfica distinta e interesante. En particular llama la atención relieves en piedra de gran belleza y textos grabados en piedra.

    Solo una sala está abierta. La otra permanece cerrada. La explicación que nos dio el encargando de la que se puede visitar es que los responsables de cuidar las otras dos se jubilaron y el INAH, por escasez de recursos, no ha contratado a quienes los remplacen. En caso de ser cierta la versión, que ya antes nos lo había dicho el guía, es lamentable lo que sucede. (Visita en octubre de 2018)
    08 DE JUNIO DE 2019

    El edificio 
    En 1962, el arquitecto egipcio Mahmud El Hakim diseñó el edificio, pero se construyó diez después, entre 1972 y 1975. La forma es rectangulatr y tiene dos pisos. Está frente al río Nilo. El museo se inauguró en 1975. En 2004 se amplió el edificio. En el Egipto Antiguo, la actual ciudad de Luxor fue conocida como Tebas. 
    La colección

    Las piezas que se exhiben en el museo se han encontrado de templos de Tebas y en su necrópolis. Hay obras de enorme calidad. La mayoría pertenece al Reino Medio y Reino Nuevo. De la colección se destacan las estatuas de los faraones: Tutmosis III; Amenhotep III; Akhenatón (Amenhotep IV) y  Tutankamon.
    Se exhibe una parte del ajuar funerario del faraón Tutankamon, encontrado en su tumba en el Valle de los Reyes y la diosa vaca que se encontró en la tumba. Y también una colección de 26 estatuas del Imperio Nuevo descubiertas en las cercanías del templo de Luxor. Está la estatua que representa al dios cocodrilo Sobek y el faraón de la XVIII dinastía Amenhotep III. Una de las piezas más notables es la reconstrucción de una de las murallas del templo de Karnak construido por Akhenatón de la Dinastía XVIII. Es una pared hecha de 283 ladrillos de arena pintada.
    La visita

    Las obras que más me gustaron:

    Escultura en madera de Tutenkamon que viene de su tumba (1347-1336 a.C.)
    Cabeza de vaca de madera dorada que viene de la tumba de Tutenkamon.








    La reconstrucción de la pared del Palacio de Akhenaton. Fue destruido en su totalidad y los bloques de la misma, que son pequeños, fueron utilizados en otras construcciones como ladrillos. El trabajo arqueológico ha hecho posible recuperar algunas de las piezas y reconstruir la pared. Es formidable.
    Comentario
    Es un edifico moderno y la museografía, que es buena, permite que las piezas luzcan mucho. Todo es con luz artificial. Hay piezas de una enorme calidad que se ubican entre las más bellas expresiones del arte egipcio de la antigüedad.
    01 DE JUNIO DE 2019

    Historia
    En 1835 se crea el Servicio de Antigüedades de Egipto para proteger los tesoros y monumentos del país. Así, el gobierno egipcio empieza a crear la colección de arte del antiguo Egipcio. Al inicio se guardó en un pequeño edificio del parque Esbekiah y más tarde se traslada a la Ciudadela de Saladino. En 1855, el gobernador de Egipto, Abbas Pachá, regaló esta colección al emperador austríaco Maximiliano en visita al país.
    En 1858 el francés Auguste Mariette-Bey (1821-1881), en ese entonces director del Servicio de Antigüedades, abre el nuevo museo en el barrio de Bulaq, a orillas del Nilo. En una gran inundación el edificio queda inservible. El gobierno decide construir un gran museo, y mientras la colección se guarda en el palacio de Ismail Pachá, en Guiza. En 1850, Mariette-Bey llega a Egipto como funcionario de El Louvre. En 1900 se inaugura el nuevo museo.
    A partir de 1922 el museo experimentó un crecimiento espectacular cuando a sus fondos se incorporó el tesoro de la tumba de Tutankamón con más de tres mil quinientos objetos. Desde 1858 hasta 1952, la dirección del museo la ocupó un francés. Los egipcios se hacen cargo de la dirección a partir de ese año.
    Edificio
    Está en el centro de la ciudad, en la plaza Tahrir. Es un diseño del arquitecto francés Marcel Dourgnon en estilo neoclásico. Se construyó de 1900 a 1902. En este año se inaugura y abre al público.  
    Colección
    El museo tiene la mayor colección del mundo en objetos del Antiguo Egipto. Son más de 136,000. Se clasifican de acuerdo a las diferentes épocas de la historia egipcia: Imperio Antiguo, Imperio Medio, Imperio Nuevo, Tercer Período Intermedio, Tardío, Helenístico y Romano. Hay todavía muchas piezas sin clasificar.
    Visita
    (Notas de la vista) 
    Primer piso
    a) Salas del tesoro de la Tumba de Tutenkamon  
    Algunos datos históricos
    Akhenatón (Amenofis IV / 1363-1346 a.C.) es conocido como el “faraón hereje”. Una vez que sube al poder propone un nuevo culto: El del sol (Aton). Al parecer es una propuesta religiosa de carácter monoteísta. El faraón impone y exige el seguimiento del nuevo culto. Se cierran los templos dedicados a los otros dioses.
    Él, que toma su nombre en honor de Aton, decide trasladar la capital a un sitio donde antes no existía nada. Funda, en el centro de Egipto, la ciudad de Tel-Al-Marna que será el asiento de su gobierno. Su mujer es la muy famosa y bella Nefertitis.
    La imposición del nuevo culto provocan malestar entre el pueblo y también en los círculos gobernantes, de manera particular entre la jerarquía religiosa. Tebas, la capital anterior, sigue siendo un importante centro de poder. En ella viven los sacerdotes del culto a Amon (Figura humana con cabeza de león).
    El faraón Akhenatón propuso también una nueva filosofía centrada en el amor. Es el primer faraón que en público expresa actitudes amorosas hacia su familia. Sostienen también que cada quien es libre de hacer lo que uno considere pertinente de acuerdo a sus propios valores. En la parte final de su gobierno, que fue de 18 años, el faraón trató de llegar a un acuerdo con los sacerdotes de Amon.  
    Quien sucede a Akhenatón es Tutenkamon, faraón que no tiene ninguna importancia política. Se le nombra cuando solo tiene nueve años. Regresa la capital a Tebas y se dan los pasos necesarios, para restablecer las viejas costumbres y cultos. El proyecto renovador de Akhenatón desaparece.
    A la muerte de Tutenkamon su mujer, Anjesenamon, su hermana,  pide al rey de los Hititas un hijo para casarse y poder así tener así un heredero. El rey acepta y lo envía, pero en el camino es asesinado. Ella también desaparece. Existen diversas interpretaciones sobre la muerte del joven faraón y de su esposa.
    A Tutenkamon lo sucede Ay, abuelo materno de Anjesenamon. El nuevo faraón restablece de manera definitiva las anteriores tradiciones y cultos. Desaparece el culto a Amon y los nombres de Akhenatón y Tutenkamon desaparecen de la lista de los faraones.
    Las salas de los tesoros
    En 1917 se encuentran los primeros signos de la posible existencia de la tumba de Tutenkamon en el Valle de los Reyes. A partir de esa fecha el arqueólogo inglés Howard Carter, financiado por Lord  Carnarvon, trabaja en el sitio hasta su descubrimiento en 1922. Existe un decreto del gobierno que impide la salida de cualquiera de las piezas encontradas en esta tumba.
    Los faraones al asumir su cargo iniciaban la construcción de su tumba. El gobierno de Tutenkamon no fue relevante. Inició a gobernar de muy pequeño y su gestión fue de pocos años. Siempre tuvo a un tutor. Esto solo para hacer anotar que si en esta tumba había tal cantidad y calidad de piezas hay que imaginar lo que había en las tumbas de los grandes faraones.
    Una práctica sistemática en el Antiguo Egipto fue que, solo algunos años después del entierro, la tumba de los faraones eran violadas y saqueadas. La de Tutenkamon es la única que se ha encontrado sin antes haber sido violada. Con anterioridad sólo dos salas habían sido descubiertas y saqueadas.
          
    Las salas de los tesoros ocupan prácticamente una ala del edificio. El conjunto se puede dividir en tres partes: a) cajas que cubren el sarcófago; b) el sarcófago y las joyas que cubren al faraón; c) todas las otras piezas.

    Cajas que cubren el sarcófago

    Son cuatro. Una cubre a la otra. Están adornadas con dibujos y escritura. Hay una caja con cuatro jarras de alabastro que contiene las vísceras. 

    El sarcófago y las joyas que cubren al faraón

    El sarcófago es de oro con incrustaciones de piedras preciosas. Dentro de él la momia cubierta de joyas. Aquí se puede ver la máscara de oro también con incrustaciones de piedras y otras muchas joyas (pulseras, brazaletes, collares, sandalias…)
     

    Todas las otras piezas

    Son muchas y muy diversas piezas. En las tumbas se colocaban todas las cosas que el faraón iba a necesitar en su otra vida. Hay, pues, una gran cantidad de objetos: muebles, cajas, jarras, juegos y armas. En pequeñas esculturas están también representadas todas las personas que el faraón necesitaba: ayudantes, sirvientes…
    Estos objetos dan idea de la vida y la producción artística en época del faraón. Es notable el trono de oro cubierto de piedras, la cama de chapa de oro y algunos muebles. Se pueden decir muchas cosas del tesoro de la tumba de Tutenkamon, pero la sintetizo en una palabra; sobrecogedor. Lo que podemos ver es la expresión acabada de la cosmovisión de una cultura en torno a la vida, pero también a la muerte. Los expertos consideran que el arte de este período, que tienen expresiones formidables, era de menor calidad que al de otras épocas. ¿Cómo serían las otras tumbas? ¿De qué dimensión los tesoros?     
    b) Salas del Imperio Antiguo 
    Primeras salas
    Se pueden ver altos y bajos relieves. La gran mayoría de una delicadeza y finura impresionante. Algunos tienen todavía el color intenso y vivo que se utilizaba para cubrir los relieves. La gran mayoría son expresiones de la IV y V dinastía (2630-2460 a.C.) Me llama la atención unos relieves en madera de la V dinastía.
    Hay esculturas-retratos, también de la IV y V dinastía, que son muy impresionantes. Siguen los cánones del arte egipcio tanto en el tratamiento de la forma como en el uso del color. Me sorprende una máscara funeraria de la IV dinastía, más por el desarrollo de la técnica que por su valor plástico.   
    Sala 32
    Hay piezas extraordinarias. Anoto las siguientes:

    Pepi I e hijo (su sucesor). VI dinastía. Es la figura conservada en cobre más antigua. Es impresionante.
    Amanuense sentado con rollo de papiro entre las manos. V dinastía. Madera cubierta con pintura.
    Familia del enano Seneb. V dinastía. Piedra calcaria pintada.



    Rahotep y su mujer Nofret. V dinastía. Piedra calcaria pintada. La conservación es total: colores fuertes y firmes. Los rostros son retratos. Impresionante.
    Patos pintados sobre yeso. IV dinastía. Dibujos de gran realismo.

    Sala 42
    Hay esculturas-retrato impresionantes, que emocionan. Obras de la IV a la VI dinastía que vienen sobre todo de Sakkara y Giza. Los materiales: Madrea, granito y diversas piedras. De ellas anoto las siguientes:
     

    Faraón Kefrén. IV dinastía. Piedra (dionita). Es negra con vetas blancas y grises.
    Ka-aper. V dinastía. Madera. Los ojos de cristal de roca y alabastro. Emocionante. 
    Amanuense con rollo de papiro. V dinastía. Emocionante.

    Sala 43
    Dedicada al período arcaico de la I y II dinastía. Me impresionaron: 


    Paleta del faraón Narmer. I dinastía (3000 a.C.)
    Jarras de alabastro. II dinastía.
    Jarra de piedra con agarraderas de oro. Estupenda.
    Joyería original.  

    Sala 46
    De esta sala me impresionó:

    Escultura del faraón Zosser. III dinastía (Sakkara)

    Sala 47
    De esa sala me impresionó:

    Figuras de amanuenses. Estupendas.
    Sarcófago de la IV dinastía.
    Escultura del sacerdote Ka-Em-Qed. V dinastía. Estupenda.
    Esculturas-retratos de la IV a la VI dinastía. Hermosas.
    Cabeza de Userkaf. V dinastía.

     

    Grupo del faraón Micerinos y su esposa Athor. IV dinastía. Piedra caliza. Impresionante.

     

    Pepy I, dinastía VI. Primera escultura en metal que se conoce. 

     

    Alcalde de pueblo, V dinastía

    Sala 48

    Se exponen esculturas de gran formato.

    c) Salas del Imperio Medio y Nuevo 
    Sala 3
    Está dedicada al tiempo del gobierno Akhenatón.

    Pinturas y azulejos muy buenos (Margaritas…)
    Una impresionante escultura de Akhenatón muy realista en piedra pintada. Es de 30 centímetros. La corona es de un azul intenso. 
    Esculturas de gran formato de Akhenatón. En torno a los dos metros. Algunas son sólo la cabeza y en otros se conserva la cabeza y el torso. La figura es realista, pero estilizadas con labios gruesos y cabezas alargadas características del período de Tel-Al-Marna.





    Una estupenda cabeza de Nefertiti. La escultura es un trabajo de enorme belleza, delicadeza y al mismo tiempo fuerza. Se trata de un retrato en todo el sentido de la palabra.

     

    Estupendas esculturas con las cabezas de los hijos de Akhenatón. (Compramos una réplica en bronce).

     
    Sala 13

    Piezas de gran formato muy golpeadas y fragmentadas.

    Salas 18, 23,28,33 y 38
    Son las salas centrales del gran hall del primer piso.

    Grandes esculturas y sarcófagos de las dinastías XII a la XXII.
    Particularmente interesante es un piso pintado con el tema de unos patos. El piso viene del palacio del faraón Akhenatón (1363-1346 a.C.) de la XVIII dinastía en Tel-Al-Marna.

     
     

    Bella e impresionante escultura en gran formato del faraón Amenofis III y su esposa Tyi de la XVIII dinastía.

    d) Salas del Imperio Nuevo
    Dinastías XVIII a XX.
    Salas 6,7,8,9 y 10.

    Grandes esculturas, sarcófagos y fragmentos de paredes.

    Sala 12

    Una magnífica escultura de Tutmosis III, de la XVIII dinastía, en mármol blanco de unos 30 centímetros. Es de 1450 a.C.
    Interesantes representaciones diversas de Tutmosis III.

     
     
    Salas 14,15,20 y 25

    Grandes esculturas.
    Fragmentos de pared.
    Sarcófagos.
    Piezas pequeñas en piedras duras.

    Salas 24 a 30

    Piezas pequeñas de esculturas medianas en piedras duras.
    Muchas figuras “en cuclillas” con los vestidos grabados con escritura.

    e) Salas del Imperio Medio 
    Sala 11 a 16  

    Esculturas y esfinges con caras de faraones del Imperio Medio.

    Salas 21 y 26

    Grandes esculturas y estelas funerarias.

    Sala 22

    Ejemplares de esculturas en madera de las dinastías X a la XII.
    Magnifica escultura en piedra del joven Mernerê, de la VI dinastía.
    Estatua del faraón Senusret I de la XII dinastía. Su conservación es total.
    Tumba de Har-Hotpe que está llena de dibujos geométricos y de escritura.
    Estupendas escultura pequeñas en piedras duras: Granito, basalto, serpentina…

     
    f) Salas del período Greco-romano (300 a.C. a 200 d.C.)
    Salas 34

    Se puede distinguir con mucha claridad las que reflejan la continuidad de la tradición faraónica, las que integran elementos de las dos culturas y las que son estrictamente greco-romanas.

    Sala 40

    Hay bronces del período. 

    g) Salas de Nubia(Período Bizantino)
    Salas 44 y 45

    Tesoros de la tumba de Balana.

    h) Salas del período ptoloméico
    Salas 49 y 50

    Grandes esculturas.
    Sarcófagos.
    Esculturas de clara influencia helénica.

    Segundo piso
     
    Sala 2

    Sarcófagos y tesoros de la familia Tanis. Dinastía XX y XXI (1090-950 a.C)
    Joyas y tapa de oro del sarcófago de Psusennes I de la XX dinastía.
    Máscara de oro de Amenemope de la XXI dinastía.

     

    Máscara de oro, vasos de oro y plata de Sheshonq de la XXII dinastía.
    Muebles, silla gestatoria en madera y oro de Hetep-Heres, madre de Keops.

    Sala 12

    Elementos funerarios de tumbas reales.

    Sala 13

    Estupenda máscara de oro de la princesa Thuyu de la XVIII dinastía (1370 a.C.) Es la abuela de Akhenaton.
    Impresionantes carrozas forradas con placa de oro, para ser tiradas por caballos.
    Ricos sarcófagos.
    Camas. 

    Sala 14

    Sarcófagos y esculturas de la época greco-romana.
    Retratos pintados sobre madera y lámina para ponerlos sobre la cara de las momias en el período romano.

    Sala 17

    Sarcófagos de madera y algunos elementos del entierro de: Maherpra de la XVIII dinastía y de Sennutem de la XX dinastía.

    Sala 19

    Una gran cantidad de figuras pequeñas, las más en bronce, representando a los diversos dioses. Son de distintas dinastías.

    Sala 22

    Diversos elementos relacionados con los entierros. Período del Nuevo Imperio.

    Salas 24-29

    Papiros.

    Sala 27

    Maquetas con diversos procesos productivos.
    Vasos cenobiales. (Imperio Medio)

    Sala 32

    Maquetas en madera con representación de la vida cotidiana. Son impresionantes por lo que revelan de la vida diaria. (Imperio Antiguo). 

    Sala 34

    Instrumentos de trabajo y armas de distintas épocas.

    Salas 39-44

    Piezas de la época romana: bronces, mosaicos, estupendos vidrios…

    Sala 41,36, 37

    Maquetas de la XII dinastía (Soldados sudaneses y egipcios)

    Sala 42 (Período arcaico: Dinastías I y II)

    Piezas de la vida cotidiana: platos, jarras, vasos, filtros de agua. Están fabricados en todo tipo de materiales: bronce, cobre, barro, alabastro, vidrio, marfil…

    Salas 46 y 47

    Sarcófagos de distintas dinastías.

    Sala 48

    Bronces.

    Sala 49

    Piezas de diversa índole y de períodos distintos

    Sala 50

    Muebles.

    Salas 53 y 55

    Cerámica y joyería (Período predinástico)

    Sala 53 b

    Animales momificados.

    Sala 54

    Vidrios de diversas épocas (De los tiempos de los faraones a Roma)
    Herramientas (De los tiempos de los faraones a Roma)

    Sala 56

    Sarcófagos en madera de un entierro de sacerdotes en el Valle de los Reyes. Se encontraron 153 de ellas. Hay dobles y triples. (Una parte se expone aquí y la otra en diversos museos del mundo.)

    Sala 57

    Papiros

    Comentario

    Es impresionante. El impacto es enorme. La sensación que produce estar en presencia de cinco mil años de historia y de arte de una de las más grandes civilizaciones de la humanidad es única y muy poderosa. En mi libreta anotaba y anotaba. Todo me parecía valioso e interesante. Anotar lo que veía era mi manera de aprenderlo y hacerlo mío.
    La museografía no es buena. Las piezas están colocadas una tras otra. A veces parece que se está en una bodega. En 1902 cuando se inauguró la colección era de 12,000 piezas y ahora de 130,000. La calidad de las piezas resuelve todo. Cada pieza me abría a nuevas inquietudes y preguntas. Antes de iniciar el viaje a Egipto estuve leyendo libros de historia del arte. Tenía idea de lo que iba a ver.
    25 DE MAYO DE 2019

    Historia
    En 1858 se establece el Museo Egipcio, pero es hasta 1880 que se hace la propuesta de crear el Museo de Arte Árabe. En 1881 Julius Franz, académico austríaco y director del departamento técnico en el Minsiterio del Patrimonio, propuso que una mezquita que estaba en ruinas, adyacente a la puerta Bab al-Futuh, fuera el sitio provisional para el museo. La colección inicial consistió en 111 piezas arquitectónicas tomadas de otros monumentos.
    Luego se aprobó la creación del Comité de Antigüedades Árabes, cuyas tareas incluían administrar el Museo Árabe y proveerlo con objetos y también preservar los monumentos islámicos. Las galerías pronto se llenaron. En 1884, se construye una estructura en el patio, para albergar 900 objetos.
    En 1887 Max Hertz, de origen austriaco, remplaza a Julius Franz. Él propone que el museo se llame Galería de Antigüedades Árabes. Para 1895, la colección tenía 1,641 piezas y el edificio era insuficiente, para alojarlas. Es cuando Hertz solicita a las autoridades la construcción de un museo más grande que se empezó a edificar en 1899 y es la sede actual. El proyecto era mostrar 3,154 objetos al público.
    En 1952, el nombre del museo se cambió a Museo de Arte Islámico, para reconocer la contribución de los musulmanes que no eran árabes. En 2014 el museo sufrio un atentado yihadista. Se dañaron 179 piezas y solo 10 no puediron ser restaruradas por ser de cristal y céramica. Se cierra y en 2017 reabre.
    Edificio

    En 1899, se empezó a construir el edificio actual, en la plaza Bab El Khalk, y se termina en 1902. Es diseño del arquitecto italiano Alfonso Manescalo que elige el estilo neo-mameluco. Los mamelucos son la casta de esclavos que gobernó Egipto del siglo XIII al siglo XVI. En su origen en el segundo piso se estableció la Biblioteca Nacional. Ahora los dos pisos los ocupa el museo.
    Colección

    Es la colección más grande e importante del arte islámico en el mundo. Tiene 100,000 piezas que van de los siglos VII al XIX. En las XXV galerías se exhiben piezas de madera, cristal, metal, cerámica, manuscritos y ropa que provienen de todo el mundo islámico. Los objetos expuestos son 4,400 todos de gran valor entre ellos una espada que perteneció al profeta Mahoma.
    Visita
    (Notas de la vista)
    Salas I y II

    Se exponen las nuevas adquisiciones. Cuando la visité había una exposición temporal sobre Medicina y Farmacéutica del Islam con textos de medicina de los siglos IX y X; instrumentos quirúrgicos de los siglos IX y X y un texto de veterinaria del siglo XIII.

    Sala III

     Primeras épocas del Islam. Los Abbaside y los Tulunide. Obras del siglo IX. 

     Sala IV

    Época Fatimide. Grandes paneles de madera que son las únicas piezas conservadas del ala occidental del Palacio de Al Kahira. Un techo estupendo del siglo XV.


    Sala V

    Época Ayubide. Un sarcófago de madera de Al Hussein y candelabros de latón finamente martilleado.
    Época Memeluca. Muy buenas ventanas de los siglos XIV y XV. Una magnífica fuente. El mausoleo del sultán Al Mansur Qalawon. Colección de lámparas de mezquitas en esmalte. Marquetería de madera y de mármol.

    Salas VI y VII

    Madera (ventanas, puertas, celosías…) Estupendas celosías de los siglos XIII al XV.

    Sala VIII

    Marfiles de los siglos XII al XV.
    Madrea. El trabajo en madera del Islam es todo un capítulo de la historia del arte en el mundo. Las incrustaciones de marfil son estupendas.

    Salas IX y X

    Maderas y metales de los siglos XII y XIII.

    Sala XI

    Inicia aquí una colección de lámparas de techo que es muy valiosa.
    Bronces de los siglos XIV y XV. Muy interesantes y hermosos instrumentos de navegación.

    Sala XII

    Armas: Sables, dagas, rifles…
    Mallas y escudos de los siglos XV al XVII.

    Salas XIII y XIV

    Empieza aquí la colección de cerámica. Hay de todas las épocas. La colección es muy importante. Hay épocas con una clara influencia china.
    Una puerta de madera y plata muy buena.
    Bronces.
    Mosaicos estupendos de los siglos XVI y XVII. De lo mejor del museo. El mosaico del arte árabe es único.   
    En esta sala empieza la colección de alfombras y continúa en las siguientes. Están todos los estilos y épocas.


    Salas XV a XVII

    Continúa la cerámica
    Mosaicos y alfombras. (En la sala XVI hay algunos espectaculares) 

    Sala XVIII

    Lápidas funerarias.

    Sala XIX

    Manuscritos del Corán. De origen Persa y Turco de los siglos IX al XIX.

    Sala XX

    Cerámica de los siglos XVI al XIX.
    Alfombras de los siglos XVII y XVIII.
    Diseños orientales de Bohemia (Cristal) 
    Plata de los siglos XVII y XIX.

    Sala XXI

    Una importante colección de lámparas de aceite que provienen de mezquitas. Son obras de los siglos XIV y XV.
    Vidrios de los siglos VII al XI. Hay piezas extraordinarias. (Recuerdan el vidrio de los romanos).
    Un reloj de arena del siglo XVI de una hora.
    Una formidable alfombra de hilos de plata y oro del siglo XVI y estilo Isfahan.

    Sala XXII
    (Es una de las mejores)

    Arte Persa de los siglos IX al XIX.
    Cerámica de enorme belleza. Piezas muy bellas en azul a la manera de la porcelana china.
    Bronces del siglo XII.
    Alfombras de los siglos XVII y XIX.

    Sala XXIII

    Dedicada a exposiciones temporales. Vimos diversas manifestaciones del arte islámico: tapetes, bronces, unos estupendos platos con pintura dorada de los siglos IX y XI

    Sala de textiles
    (Segundo piso)

    Muestra de textiles y alfombras de los siglos VIII al XIX. Hay trabajos de enorme delicadeza y compleja belleza.

    Salas nuevas

    Se abrieron en la reinauguración de 2017. Una está dedicada a las monedas, otra a las armas y una más a los manuscritos.

    Comentario
    La colección es impresionante. Se propone descartar la importancia del desarrollo y grandeza del Islam. La colección se divide en dos grandes áreas: De un lado están los objetos que se relacionan con la vida cotidiana con utensilios, muebles, joyas, cerámica, textiles y otros muchos objetos y de otro lado el mundo de las ciencias como la medicina, la ingeniería y la astronomía. Se exhiben astrolabios, brújulas, globos terráqueos y manuscritos relacionados con estas disciplinas. Es un gran museo.
    18 DE MAYO DE 2019

    La historia
    En 1904, Gayer-Anderson médico militar inglés se incorporó al Ejército británico. En 1907 fue transferido a Egipto. En 1919, deja el Ejército para ocupar cargos administrativos en el gobierno. En 1924 se retira, pero se queda a vivir en Egipto. Dedica su tiempo a los estudios orientales, pero en especial a la cultura islámica.
    En 1930 compra dos casas, que empieza a restaurar y son el origen del museo. Vivió en ellas entre 1935 y 1942 con un permiso especial del gobierno egipcio. En 1942 tuvo que regresar a Inglaterra. Las heredó, con todos sus bienes, al gobierno egipcio. Murió en su país en 1945.
     
    El edificio

    Son dos casas contiguas a la Mezquita Ibn-Touloum construídas en 879 en el barrio de Sayyida Zeinab. Cuando se edificaron era habitual que las viviendas situadas alrededor de las mezquitas se levantaran partiendo de uno de sus muros y de este modo quedaban unidas en un todo arquitectónico.
    La primera casa la construye Abdel-Qader al-Haddad en 1540 pero más tarde se conoce como Beit Amna bint Salim? por su último propietario. La segunda, la más grande, la construye Hajj Mohammad ibn al-Hajj Salem ibn Galman al-Gazzar en 1631. Esta fue después comprada por una musulmana de Creta y la casa se le empezó a llamar Beit al-Kritliyya (Casa de la Mujer Cretense), que es como ahora se conoce el conjunto. ?Están unidas por un puente a la altura del tercer nivel.
    En las casas hay celosías de madera de gran belleza, que también se encuentran en la terraza. La estructura interna es un laberinto con cuartos y amplios salones que se que se conectan por estrechos pasillos y escaleras. Hay una hermosa logia y diferentes terrazas con vistas a la mezquita y a la ciudad. Los pisos son de estilo otomano de mármol y mosaico.

     
    La colección
    La colección son el conjunto de objetos reunidos por Gayer-Anderson. La gran mayoría piezas de los siglos XVIII y XIX, que provienen de diversos países orientales. Todas de la cultura islámica. Hay alfombras, muebles, textiles, cerámica, elementos arquitectónicos, cuadros y muchos otros objetos.
    Es notable el salón Damasco con paredes y techos cubiertos de paneles de madera decorados que vienen de una casa del siglo XVII ubicada en Damasco. Y también el salón Persa. Está el Harem y una estrecha galería para mujeres de la que se podía ver lo que pasaba en el Salón de Celebraciones sin que se les pudiera ver.

     
    Comentario
    Lo más valioso es la arquitectura de las casas y la atmósfera que se respira en ellas como lugar de vivienda. Gayer-Anderson a lo largo de los años logró formar una gran colección. Son elementos arquitectónicos y piezas que le gustaron y por eso se hizo de ellas. Era un estudioso y un gran admirador del arte islámico. 
    12 DE MAYO DE 2019

    - Los coptos
    Hoy los coptos son uno de los grupos etnorreligiosos más importantes de Egipto y es la mayor comunidad cristiana en el Medio Oriente y la minoría religiosa más grande de la región. En la actualidad representan entre el 10% y el 15% de la población egipcia.
    El nombre copto viene del Aigyptios, que significa egipcio, sincopado después en kuptios por los propios coptos, palabra que después pasó al árabe. En el árabe clásico fue utilizada para referirse a los egipcios en general, pero después solo para referirse a los cristianos de Egipto.
    En el último periodo del Antiguo Egipto se hablaba el copto y se siguió hablando hasta la conquista árabe en el siglo VII. A partir de ese momento la lengua empieza a declinar y es sustituida paulatinamente por el árabe. En el siglo XVII desaparece como lengua hablada. Se sigue utilizando en la liturgia de las Iglesias Coptas. El alfabeto deriva principalmente del griego y de algunos signos demóticos.
    Según la tradición la conversión de los egipcios al cristianismo ocurre en el siglo I a partir de la predicación de san Marcos, autor del Segundo Evangelio. En 451, surge la Iglesia copta al separarse de la Iglesia primtiva por no estar de acuerdo con decisiones del Concilio de Calcedonia. En 457, el patriarca de Alejandría, Timoteo Eluro, excomulgó al Papa León I y al resto de los patriarcasy el papa a él.
     
    La Iglesia copta sostiene que ha conservado la doctrina cristiana en su forma más antigua y pura, sin cambios, conforme a lo predicado por los apósteles. La cabeza de la Iglesia copta se asume como el heredero del patriarcado de Alejandría, de la iglesia primitiva.  
    En lo fundamental hay dos iglesias coptas: 
    • Iglesia ortodoxa copta que es la mayoritaria. Su cabeza reside en El Cairo. Es el líder de unos 10 ó 12 millones de coptos "monofisitas" egipcios. Está en comunión con las iglesias coptas de Etiopía y Eritrea.
    • Iglesia católica copta, que es la minoritaria. Se asume como el patriarca de Alejandría de los Coptos. Es el líder de unos 175,000 católicos de rito alejandrino (copto-católicos). Está en comunión con el papa de Roma.
     
    - La historia
    En 1910, Marcus Simaika funda el museo, para albergar las antigüedades coptas. La institución se propuso recolectar piezas del arte copto y estudiar la historia del cristianismo en Egipto. En ese momento en la ciudad ya existían el Museo de El Cairo y el Museo de Arte Islámico de El Cairo. En Alejandría el Museo Grecorromano.
    En 1931, el se convirte en un museo estatal bajo la jurisdicción del Departamento de Antigüedades. En 1939 la colección de antigüedades cristianas ubicadas en el Museo de El Cairo se trasladan aquí y en 1947 las que estaban en el Museo Islámico.
     
    - El edificio
    El primer edificio se construye en 1910. Se encuentra en el Barrio Copto detrás de los muros de la antigua fortaleza romana de Babilonia. En 1947 se añade una nueva ala en el estilo del edificio que ya existía. En 1984 se renueva todo el museo. El presidente Mubarak presidió la cermonia de reapertura del sitio. La construcción es muy buena. 
     
    En el museo hay techos, ventanas y puertas de antiguas casas o conventos coptos que se han integrado en la estructura de la actual construcción. Todas las salas están bellamente decoradas con biombos y fuentes. Especial mención merecen los techos. Los de la sala 29 son formidables. 
     
    - La colección
    Es la colección más importante de arte copto en el mundo. El acervo es de más de 16,000 piezas que van del siglo III al siglo XIX. De estas se pueden ver 1,200. Se exhiben elementos arquitectónicos, muebles, puertas, esculturas, textiles, vestimentas religiosas, manuscritos, objetos de marfil, vidrio, cerámica, maderas, hueso y metales. Hay también frescos, íconos, pinturas y objetos de joyería.

    Aquí están los manuscritos de Nag Hammadi y las pinturas de la necropolis de El Fayum que se encontraron, con otros objetos, en las excavaciones realizadas en Nubia entre los años de 1950 y 1960.
     
    - La visita
    (Notas del recorrido)
    Sala I 
    • Período pre-copto. Gran influencia greco-romana. Temas profanos. Todavía no está claramente presente la temática religiosa del cristianismo. Las obras son de los siglos III al V d.C.

     
    Sala II
    • Nichos y lápidas funerarias. Los elementos cristianos se multiplican. 
    • Hay un hermoso fresco.
     
    Sala III
    • Un estupendo fresco del siglo VI. Tienen una gran frescura.
    • Unos labrados en piedra muy hermosos de los siglos IV y V. (Me recordaron a trabajos célticos)
     

    Salas IV y V
    • Piezas con un gran sabor popular. Una filigrana en piedra muy rica y bella. No es muy fina.
     
    Salas VI y VII
    • Elementos del Monasterio de san Jeremías en Saqqara. Las columnas es lo que más me gustó.
     
    Sala IX
    • Un fresco de Adán y Eva.
     
    Salas X a XII
    • Manuscritos en papiro y pergamino. Me gustó uno del siglo VI. Hay también textiles de los siglos III al XIX. 
     
    Sala XIII
    • Marfiles de los siglos II al VIII. 
    • Hay también íconos de los siglos XVII y XVIII.
     
    Sala XIV a XVI
    • Trabajos en metal (oro, plata, bronce) de los siglos III al XIX.
     
    Salas XXII y XXIII
    • Frescos. 
     
    Salas XXV a XXVIII
    • Trabajo en madera. Hay trabajos desde el siglo V. (Ver las ventanas en el exterior del edificio y los techos en el interior).
     
    Sala XXIX
    • Estupendo techo en tres parte. 
    • Cerámica de los siglos III al XIX.
     
    Sala XXX
    • Vidrio.
     
    - Comentario 

    El museo me gustó mucho. El arte copto tiene una gran cercanía o semejanza con el arte románico. Es austero y en su sencillez de gran belleza. Me identifico con él.
    En el arte copto se da también la mezcla de elementos propios del arte egipcio, griego, romano y también islámico. Es una síntesis que logra piezas de extraordinaria belleza.
    Es el museo de arte copto más grande en el mundo. Y destaca por el número y la calidad de las piezas. Al recorrer el museo se tiene una panorámica de todas las manifestaciones del arte copto en el ámbito de Egipto.
    04 DE MAYO DE 2019

    Edificio
    El edificio fue construido en 1864 y es la casa familiar donde nació Diego Rivera (1886-1957). Tiene tres niveles. Hay un patio central y pasillos en los tres pisos. Después funcionó como casa de huéspedes y escuela de diseño. El gobierno la recuperó y se inauguró como museo en 1975. En 1990 el arquitecto Francisco Javier Padilla Guerrero tuvo a su cargo la remodelación.   
     
    Colección  
    El museo aloja la colección de Marte R. Gómez con más de 100 obras de Rivera. Incluye bocetos, ilustraciones, proyectos, pinturas y grabados. Son obras que van de la infancia como “Cabeza clásica”, hasta algunas de sus últimos trabajos realizados un año antes de su muerte en 1956, como “Paloma de la paz” y “Madame Libet”.

    La obra se expone en seis salas: Mascarilla, Óleos, Cubismo, Desnudos y Dibujos, Popol Vuh y del Patio. Hay cuadros de Angelina Beloff, que fue pareja de Rivera, y de Marevna Vorobe-Stebelska, que fue su amante. Las dos rusas.


    Comentario
    Hemos estado en dos o tres ocasiones, pero antes de que se contruyera el edificio anexo. Para nosotros fue algo nuevo. Esta vez llamaron mi atención la obras de Beloff y Marevna.
     
    13 DE ABRIL DE 2019

    El proyecto
    El museo es producto de la asociación de Javier de Jesús Hernández, Capelo, y del fundidor y escultor Alejandro Velasco Mancera, actual cabeza de la Fundición Artística Velasco fundada por su padre en 1946. El museo rota las piezas que tiene. En 2012 se abrió al público.

    Colección
    El acervo permanente del museo está conformado por una colección de esculturas en bronce de Leonora Carrington, José Luis Cuevas y Sergio Hernández. Además cuenta con obras de Jazzamoart, Vladimir Cora, Rodolfo Morales, John Nevin, Eiki Ito, Capelo y Américo Hernández.


    Comentario

    Es la primera vez que estoy en este museo. Hay obras muy buenas en bronce de Carrington y Cuevas y en céramica de Capleo. En la tienda del museo compramos una pieza diseñada por él.
    05 DE ABRIL DE 2019

    - Historia
    La Hacienda de Guadalupe se construye en el siglo XVII, para beneficiar la plata. En el siglo XVIII tuvo su auge. Se cierra durante la guerra de Independencia. Está a la orilla del arroyo Pastita y en el barrio del mismo nombre. Se conserva el casco, un tramo del acueducto y la torre de la noria.
    En 1963 Olga Costa y José Chávez Morado compran la torre de la noria, para ahí instalar su casa. En 1990 los artistas deciden donarla, para que se convierta en museo. Las obras de adecuación tardan tres años.

    En ese tiempo la pareja se traslada a una construcción frente a la torre que fue el taller del maestro. El museo se inaugura en 1993. Costa muere en junio de ese mismo año. Su pareja la sobrevive 12 años.

    - Edificio

    La torre de la noria que es toda de piedra, fue intervenida a partir de un diseño de Chávez Morado. Se construyó un entrepiso que dividió el espacio en planta alta y baja. Se añadieron habitaciones y baños.  
    El jardín es parte central de la casa. En él hay piezas prehispánicas en piedra de diversas culturas. Aquí, en dos grandes macetones, esa era su voluntad, reposan las cenizas de la pareja.

    - Colección

    En lo que fue la sala-comedor, en la planta baja, se encuentra la colección permanente de antigüedades que incluye muebles y objetos de cerámica, vidrio, retablos, bordados, máscaras, esculturas, ex votos del siglo XIX y principios del XX y piezas prehispánicas.
    Hay un busto en bronce elaborado por Francisco Zúñiga y muebles diseñados por Chávez Morado. En el muro cercano a la chimenea se exhiben un grupo de platos del siglo XIX de la colección del artista Roberto Montenegro, que adquirió el Instituto Estatal de Cultura.  

    En la planta alta, donde estuvieron las recámaras, está la colección Mano a Mano con 34 obras de Acosta y Chávez Morado que eran parte de su colección personal. El título fue elegido por ellos. Entre ellas destacan Resurrección que Acosta pinta en un momento de graves problemas de salud que logra superar.

    Están también algunos de su paisajes, el tema de la mujer y las tradiciones populares. Follajes azules es una obra con la técnica del puntillismo. De Chávez Morado hay un Autorretrato y obras de carácter social y escenas populares. Entre ellas La tuerta, Personajes de la pasión, El Triunfo de la Muerte y Réquiem para un obrero.

    - Comentario
    Es la segunda vez que Sybille y yo estamos en esta casa-museo. Nos gusta mucho. Es un espacio muy acogedor tanto en el interior como en el jardín. Transmite tranquilidad. Uno se quisiera quedar ahí. Los objetos de la planta baja hablan de los gustos de la pareja. La casa-museo está muy bien conservada.      
    Dejé mis datos y se comunicó conmigo una hija de Tomás Chávez Morado, hermano de José y también artista. Él sobre todo escultor. Estamos en contacto. Nos hicimos del catálogo del museo y quien estaba a cargo del mismo nos regaló un catálogo de la reciente exposición de los hermanos Chávez Morado en California.
    Tenemos un original de Olga Costa, que se asemeja mucho al cuadro del bosque. Es en papel y está pintado con lápices de colores. Jorge Durand nos dijo que se vendía en una galería de Guadalajara y él lo compró, para nosotros.
    30 DE MARZO DE 2019

    Historia
    El edificio se levantó en el terreno que ocupaba la casa paterna del Marqués de San Clemente, don Francisco Matías de Busto y Moya Jerez y Monroy, quien nunca quiso hacer modificaciones al edificio. Años después, en 1747, don Antonio de Obregón y Alcocer, primer conde de Valenciana, la compró para él y su esposa doña María Guadalupe de la Barrera y Torrescano.
    La construcción de la actual Casa Conde de Rul se atribuye a los arquitectos Esteban González y José del Mazo y Avilés, que también participaron en la edificación de la Alhóndiga de Granaditas. En fechas más recientes hay quienes aseguran que el diseño es del arquitecto celayense Francisco Eduardo Tresguerras. En 1802, el edificio se terminó de construir. Se le considera como uno de los mejores ejemplos del neoclásico en México. El museo se inauguró en marzo de 2018.  
    Edificio

    El estilo es neoclásico y la piedra utilizada es cantera rosa. La portada es muy elegante. Tiene dos niveles y un frontispoicio triangular. La fachada en la parte baja tiene la puerta al centro y cuatro ventanas. Dos a cada lado de la misma. En la parte alta cinco ventanas. En la parte superior de la que está en medio tiene una adorno en piedra de forma cirular y las otras cuatro en forma triangular. Están en medio de dobles columnas adosadas.
    El patio central está enmarcado por corredores, alto y bajo, con columnas dóricas y ventanas con un adorno triangular en la parte superior. En la parte del techo unos macetones de la misma cantera rosa con la que está hecha todo el edificio. Al segundo piso se asciende por una amplia escalera de cantera que tiene un pasamanos de piedra labrada.

    Salas
    Cuenta con 10 salas:
    Las primeras cinco están en la planta baja y son la: Francisco Eduardo Tres guerras; Galería; Hacienda; Bohemia y Noble. En las dos primeras salas se exhibe la exposición José María Velasco y sus contemporáneos, colectiva de pintores del siglo XIX.
    En este mismo nivel, en las salas Hacienda y Bohemia, se muestran paisajes en gran formato, óleos y tintas, realizadas por el mexiquense Luis Nishizawa, que adoptó como tema los paisajes guanajuatenses. En el marco del centenario del nacimiento del pintor sus hijos Luis y Gabriel Nishizawa Flores, prestaron la obra para su exhibición.
    Las otras cinco están en la planta alta y son la: Rul, Real, Carlos III, Capilla y Comedor. En este espacio se encuentran dos muestras, una sobre la historia del paisaje mexicano titulada: “Alrededor del Paisaje”, que tiene obras del siglo XIX y XX de artistas como: Pelegrín Clavé, José María Velasco, Dr. Atl, Diego Rivera, Luis Nishizawa, Olga Costa, José Chávez Morado, Luis García Guerrero, Feliciano Peña y Jesús Gallardo y Javier Hernández, Capelo.

    Obra del Dr Atl
    En las otras salas están la expoisción: “Feliciano Peña. Constancia y Dedicación”. Son 23 obras realizadas entre 1950 y 1975 por este artista guanajuatense. El tema son paisajes y las técnicas diversas. Pertenecen a la colección de la Universidad De La Salle Bajío (ULSAB). De la misma colección hay también obras de Hermenegildo Bustos.

    Comentario
    El edificio es de una gran belleza y también elegancia. Es una expresión, de las mejores, del neoclásico que se hizo en México al inicio del siglo XIX. El diseño arquitectónico es de una enorme calidad. La restauración del edificio es buena. Es un acierto destinar el edificio a museo. Así se va a conservar y evitar posibles daños a su diseño original.
    El museo se inaugura con un conjunto de exposiciones que entiendo estarán por un tiempo, pero después van a cambiar. No nace con un acervo propio sino que es un lugar, para exponer los que pertenecen a otras instituciones. Las salas están bien y la museografía es buena.
    23 DE MARZO DE 2019
    Historia:
    El emperador Claudio conquista lo que ahora es la Gran Bretaña en 43 d.C. La fundación de Londinium, el actual Londres, se da en el 47 d.C.
    El anfiteatro es una construcción del siglo I d.C. Se utilizó, como en todas las ciudades romanas, para espectáculos entre los que se encontraba la lucha de gladiadores, la lucha de animales y recreación de batallas. Se mantuvo en actividad hasta el siglo IV. En el mundo se conservan 230 anfiteatros romanos y de ellos 20 están en Inglaterra.
    Trabajo arqueológico:
    Se realizaron entre 1992 y 1997 y luego entre 1997 y 2000. En 1410 se construyó el edificio de la galería y la plaza que destruyó y cubrió el Anfiteatro.
    Edificio:
    Fue una estructura sencilla, ahora sólo se ven vestigios, de planta elíptica. Podía alojar a 7,000 espectadores. Tenía tres pisos de gradas. Bajo la arena estaban el foso de los animales.
    Visita:
    Los vestigios están en la parte baja de la Galería de Arte Guildhall. Es el acceso de la entrada Este del Anfiteatro.

     
    Comentario:
    El sitio-museo está muy bien montado. La información que se ofrece es muy clara. No es algo que esperaba. Los vestigios son sólo eso, pero recuerdan la existencia de la ciudad romana. 
    16 DE MARZO DE 2019

    Edificio
    Las Cabinet War Rooms se instalaron en el sótano del edificio de la Tesorería del Gobierno, en el nuevo complejo de las Oficinas Públicas, en la zona de Westminster. Ahora, el edificio aloja al Ministerio de Hacienda del gobierno inglés.
    Historia
    Las Cabinet War Rooms empezaron a operar en agosto de 1939 y funcionaron hasta terminada la guerra en 1945. En mayo de 1940, cuando Wiston Churchill es nombrado primer ministro, decide que desde “esta habitación voy a dirigir la guerra". En el lapso de la misma aquí se celebraron 115 reuniones del gabinete. La última el 28 de marzo de 1945.
    Cuando se intensifican los bombardeos alemanes sobre Londres se refuerzan los techos del sótano con una estructura de cemento de 1.5 metros de espesor. Aunque en las instalaciones estaba un dormitorio, para Churchill éste en pocas ocasiones lo utilizó. Prefería dormir en la residencia del primer ministro en Downing Street 10 o en una de las habitaciones instaladas directamente encima de las Cabinet War Rooms.
    En 1984 las instalaciones se abren al público en un acto presidido por la primera ministra Margaret Thatcher a la que asisten la familia de Churchill y sobrevivientes del personal que trabajó en ellas durante la guerra. En 2005 se reabrieron después de una reconstrucción profunda y de añadirse el museo dedicado a Churchill.
    Exposición
    Hay dos áreas: la reconstrucción de los Cabinet War Rooms, el complejo subterráneo que albergó el centro de mando del gobierno británico en la Segunda Guerra Mundial, y el Museo de Churchill, dedicado a la vida de este personaje de la política inglesa y mundial.
    Cabinet War Rooms

    Se reconstruyen con fidelidad las habitaciones del cuarto de guerra que operó durante la Segunda Guerra Mundial y que coordinaba de manera directa el primer ministro Winston Churchill. Se puede ver la sala de los mapas, la sala de juntas, la sala de trasmisiones, la sala del teléfono trasatlántico, las oficinas de Churchill, sus habitaciones, las de su mujer y también la cocina y el comedor. Hay un área de dormitorios para el personal que estaba ahí las 24 horas del día y habitaciones para algunos altos mandos.
    Museo

    El museo, también en el sótano, está dedicado a las distintas etapas de la vida de Churchill. Se divide en cuatro secciones: Young Churchill (1874-1900); Maverik Politican (1900-1929); Wilderness Years (1929-1939); War leader (1940-1945); Cold War Statesman (1945-1965). Hay también una mesa grande, la que se ve en la foto, con la línea de su vida.
    Se exhiben objetos personales (vestimenta, libros…), documentos, ejemplares de los libros escritos por Churchill y también cuadros pintados por él. Hay una sección dedicada a cuando recibe el Premio Nobel de Literatura en 1953. Hay fotografías y videos. Se muestran algunos de los overoles que él diseñó para trabajar más cómodo.
    Comentario
    Las dos partes del museo son muy buenas. La reconstrucción de las instalaciones, con los objetos de época, da la sensación de estar en los años cuarenta. Está muy bien hecha. Es un museo que cuenta con muchos recursos interactivos y contiene algunas innovaciones museísticas que permiten adentrarse en la historia del personaje. Está muy bien puesto. Se requiere mucho tiempo para su visita.
    09 DE MARZO DE 2019

     
    Historia
     
    Está en la casa donde vivió el arquitecto sir John Soane (1769-1837) y es museo desde su muerte. Él a partir de 1806 empieza a dar clases en la Real Academia y decide organizar los objetos de su colección, para que sus alumnos pudieran acceder a ellos. Éstos los podían ver el día anterior y posterior a la clase.
     
    En 1827, John Britton publicó la primera descripción de la colección de Soane a la que se refiere como una "academia de arquitectura". En 1833, Soane negocia una Ley del Parlamento, para que a su muerte se conserve la casa y la colección, para el beneficio de los "aficionados y estudiantes de arquitectura, pintura y escultura". La Ley entró en vigor a su muerte y desde entonces quienes han estado al frente del museo han mantenido la casa "tan cerca cómo es posible" de la forma que la dejó Soane.
     
    Colección
     
    La colección tiene 30,000 dibujos de arquitectura, incluyendo obras de Soane, 7,000 libros y 700 piezas de antigüedades egipcias, griegas, romanas y de otras culturas. De las Egipcias y greco-egipcias (Potolmeos) se pueden ver bases de columnas, frisos, cornisas, capiteles, pilastras, paneles con relieves. Es semejante lo que se observa de las piezas griegas y romanas. En este caso se ven esculturas originales y copias. Hay catálogos de las diversas partes de la colección.
     
    Comentario
     
    El entorno donde se encuentra el museo es muy bonito. Al frente un parque y la zona de los edificios de los magistrados de ladrillo rojo. La casa es de arquitectura ecléctica. La gran mayoría de las piezas, colgadas en las paredes, son fragmentos de construcción de distintas épocas. Son muy buenos los cuadros de William Hogarth (1697-1764) que se encuentran en el salón de pinturas. El interior es abigarrado. Las piezas grandes son pocas. Es el espacio propio de una casa original, pero que no deja de ser tal. Me hice del catálogo del museo.
     
    02 DE MARZO DE 2019

    Edificio
    Está junto al río Támesis en el distrito de Southwrak. Es la antigua Central Eléctrica de Bankside, que fue diseñada por sir Giles Gikbert Scott. Se construyó en dos etapas entre 1947 y 1963. La central se cerró en 1981. En 1995, los arquitectos suizos Herzog & de Meuron ganan el concurso público, para intervenir el edifico. En 2009 se amplían las galerías al incorporar partes del edifico que no se integraron antes. Se hace con un proyecto del mismo despacho.
    Colección
    El museo abre en 2000. En la Tate Britain se quedan los artistas británicos de 1500 a la actualidad y en la nueva todas las obras de los artistas internacionales modernos y contemporáneos, después de 1900, que incluye también algunas obras de ingleses.    
    Leí que de la apertura en 2000 al 2006, la colección se ordenó en una estructura temática y no cronológica. En 2006 la obra se colgó poniendo énfasis en los momentos claves del arte del siglo XX. 
    Visita
    El ala del museo con el título de Energía y Procesos está dedicada a los artistas que trabajan en la década de 1960, que exploraron con materiales y formas derivadas de la naturaleza y la vida cotidiana. Utilizan materiales "pobres" (trapos, arcilla, papel, madera), para realizar sus obras. Es común que también aprovechen las energías latentes, como la gravedad o el magnetismo, para romper el espacio entre el espectador y la obra. Entre ellos está, de manera destacada, el grupo de artistas italianos asociados con el arte povera (el arte pobre). De ellos vi una muy buena exposición en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC) de la UNAM. Se exponen obras de artistas como Alighiero Boetti, Jannis Kounellis, Kasimir Malevich, Ana Mendieta, Mario Merz y Jenny Holzer.
    De las obras instaladas me impresionó el cuadro Shooting Imagen de Kiki de Saint Phalle (1930-2002). Es parte de una serie realizada en la década de 1960. El artista llena bolsas de plástico con pintura y las encierra dentro de capas de yeso. Los espectadores están invitados a “estallar” las bolsas frente al lienzo. La acción liberadora de la pintura y el gesto “violento” de quien impacta las bolsas frente a la tela son tan importantes como la misma obra. De ese ejercicio resulta este cuadro que es de 1961:

    Y también me llamó la atención la escultura minimalista Hammer de Richard Serra (1939). Son solo dos placas de acero en equilibrio. Se combina la sencillez total con la fuerza y tensión que produce la visual de las dos placas en contacto. Esta es la obra:
     
    Me impresionó también la obra del estadounidense Cy Twombly (1928-2011). Es la primera vez que la veo. Ahora hay una exposición retrospectiva de su obra, la primera que se realiza en Latinoamérica, en el Museo Jumex (julio 2014), que despúes ví. Me gustó la obra Trampa del italiano Pino Pascali (1935-1968). Es esta:  

    La Sala de Turbinas 
    Albergó los generadores de electricidad de la central, es de cinco plantas de altura y tiene 3,400 metros cuadrados de superficie. Se utiliza como sala de exposiciones temporales, para mostrar las grandes obras encargadas especialmente a artistas contemporáneos. Ahora estaba vacía. El espacio se veía imponente. Hice un recorrido rápido por las diversas salas.
    Comentario
    En 2014, es la primera vez que estoy aquí. En 1993, la última vez que estuve en Londres, no existía. La intervención que los arquitectos Herzog & de Meuron es muy buena y es ahora parte de su atractivo. El orden de la colección me pareció confuso. No visité las exposiciones temporales. En la actualidad es la galería de arte moderno más frecuentada del mundo con cerca de cinco millones de visitantes al año. Desde el ventanal de la cafetería se ve una buena parte de Londres. Me debo una visita larga y con mayor preparación. Algún día lo haré.
    22 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    La galería se sitúa en Millbank, en el lugar donde anteriormente se alzaba la prisión del mismo nombre. La parte frontal del edificio es un diseño de Sidney R. J. Smith de estilo neoclásico. Las esculturas de la fachada son obra de John Russell Pope.
    En 1987 se construyó la Galería Clore, diseñada por James Stirling, para albergar las obras de J.M.W. Turner. En 2012 se inició un importante trabajo de conservación. En 2013 el arquitecto Caruso St John diseña nueve galerías con pisos reforzados, para exhibir esculturas.
    Historia
    En 1897, el magnate azucarero sir Henry Tate, coleccionista de arte victoriano, se compromete a fundar una galería para alojar el arte británico. En la Galería Nacional ya no se podría exhibir más obras. Así nace la National Gallery of British Art (Galería Nacional de Arte Británico) que lleva ese nombre hasta 1932 cuando cambia a Tate Britain Gallery.
    Inicialmente el museo se restringió al arte británico de la época, concentrándose en los pintores de la Inglaterra victoriana, pero luego fue incorporando arte moderno europeo. En la década de 1930 sumó ejemplos de las vanguardias europeas, pero en la posguerra se replegó hacia un arte más conservador. Hasta 1954, el museo dependió de la National Gallery. Durante los años 1950 y 1960 recobró su interés por el arte moderno más audaz.
    El museo tenía graves problemas de espacio y estaba obligado a rotar periódicamente su colección permanente. En 2000 la colección se dividió. En este museo permanecieron los artistas británicos y los de otros países pasaron al nuevo museo de la Tate Modern en la antigua central eléctrica Bankside Power Station, en la orilla sur del Támesis.
    Colección
    Está compuesta por la obra de artistas británicos de 1500 a la fecha. El arte moderno británico puede encontrarse en las dos galerías. La colección está organizada de la siguiente manera:
    Arte británico de los siglos XVI y XVII: En este período dominan los retratos. El cuadro más antiguo del museo, A Man in a Black Cape, pintado por Jonh Bettes en 1545, revela la influencia de Hans Holbein, introductor del Renacimiento en Gran Bretaña. Hay obras de Nicholas Hilliard, de sir Anthony van Dyck, William Hobson, Francias Bralow y Jan Siberechts, que marca el nacimiento de la tradición paisajista inglesa.
    Arte británico del siglo XVIII: Entre otros autores están las obras de William Hogarth, el artista inglés más importante de la época. De finales de este siglo están obras de Joshua Reynolds y de Thomas Gainsborough. También de Richard Wilson y George Stubbs.
    Arte británico del siglo XIX: Están las obras de William Blake y Samuel Palmer. Del paisajista John Constable. Se pueden ver también trabajos de Crome, Cotamn, Bonington. Y también del grupo de los prerrafaelistas.
    Clore Gallery: Cuando J.M.W. Turner (1775-1851) legó sus obras a la nación, lo hizo con la condición de que se mantuvieran juntas. En 1910, se habilitó una serie de salas para sus óleos, pero sólo cuando se abrió la Clore Gallery, en 1987, el total del legado se pudo exhibir completo, incluidos miles de bocetos.
    Contemporános: Hay varias salas con obra de artistas ingleses como Henry Moore, David Hockney, Lucien Freud y Bárbar Hepworth.
    Visita

    En esta ocasión me impresionaron mucho las obras de Turner. La bruma en el paisaje. Los cielos nebulosos. Las imágenes difusas veladas por la neblina. El tratamiento que da al color siempre atemperado. Las figuras humanas se ven sólo en raras ocasiones. No había visto los cuadros con el aborde a grandes momentos históricos. Me gustaron las acuarelas. Muy interesantes sus libretas y sus notas a lápiz.

    Me impresionaron también los paisajes de John Constable (1776-1837). El museo atesora muchas de sus mejores obras.
    Me impactó la obra de William Blake (1757-1827). En 2012 me tocó ver una gran retrospectiva de él en el Museo de la Caixa en Madrid. Aquí pude acercarme a 45 de sus trabajos. La mayoría de ellos acuarelas en pequeño y mediano formato. Grabados, lápices y algunos óleos. Blake es un gran simbolista. Impresiona la calidad y fuerza de su dibujo. El tratamiento permanente del cuerpo humano.

    Me dijo mucho un importante grupo de estupendas esculturas de Henry Moore.

    Comentario
    El museo ofrece un recorrido amplio y detallado por la pintura y la escultura de un país a lo largo de cuatro siglos. Y en esa travesía, de los artistas de cada época, exhibe obras de extraordinaria calidad. Algunas de ellas referentes del arte de Occidente. Gocé mucho la visita fue una gran experiencia.
    16 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    Está frente a la Plaza de Trafalgar y es de estilo neoclásico. Diseño del arquitecto William Wilkins y construido entre 1832 y 1828. En su momento fue muy criticado. En 1860 se da la primera alteración importante cuando se añade la galería diseñada por sir James Pennethorne. El arquitecto Barry Edward Middleton hace importantes transformaciones al edificio entre 1872 y 1876. Entre ellas la cúpula. En 1884-1887, el arquitecto sir John Taylor diseña la escalera del Hall.
    Historia
    La apertura de la Galería Nacional es relativamente tardía. La colección real de Baviera (ahora en la Alte Pinakothek, Münich) se abrió al público en 1779; la de los Medici en Florencia en 1789 y el Museo del Louvre en 1793. Son colecciones construidas por los reyes o nobles que se nacionalizan en el siglo XVIII. En Inglaterra la corona sigue conservando su colección. La Galería nace en 1824 con la compra de 34 cuadros de la colección de John Julius Angerstein. A partir de entonces se compran colecciones al gusto del director en turno. En 1845 se incorpora el legado de pintura británica de Robert Vernon.
    A principios del siglo XX ingresan donaciones de familias aristócratas. La incorporación del arte impresionista hacia 1906 fue difícil porque se enfrentó al rechazo de ciertas autoridades. En la Segunda Guerra Mundial la colección se protegió en unas canteras de pizarra en Manod, en el norte de Gales. Las pinturas volvieron a la plaza de Trafalgar en 1945.
    Colección
    Está formada por más de 2,300 pinturas y esculturas de mediados del siglo XIII hasta 1900. Dos tercios del acervo son donaciones privadas. De acuerdo a especialistas la colección resulta pequeña en comparación con otras galerías nacionales europeas. Están, con todo, representadas todas las épocas de la pintura de Occidente con obras realmente importantes.
     
    Visita
    - Pintura de 1250-1500
    Esta parte de la colección se aloja de las salas 51 a la 66 y están en el Ala Sainsbury, pero se entra por el edificio principal. La pintura de los siglos XIII y XVI, muchas obras de autores anónimos, tiene como tema fundamental el religioso. Muchas de las obras están cubiertas con pan de oro. A partir del siglo XV, a más de los temas religiosos, se introducen la mitología y los retratos.
    Hay obras de primer nivel, algunas emblemáticas, de Duccio, Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca, Leonrado de Vinci y Rafael. Es notable la presencia de los renacentistas italianos. Entre algunas de las obras notables están La Virgen de las Rocas, de Leonardo da Vinci (1492-1508); El bautismo de Cristo (1450) y Natividad ( 1460-75), de Piero della Francesca; Venus y Marte, de Boticelli.
    - Pintura de 1500-1600
    Están las obras de los maestros del renacimiento italiano del quintocento y también de los Países Bajos. A la par de la temática religiosa está la de la mitología. Se dialoga con Grecia y Roma a la que se pretende superar. Hay obras fundamentales de Miguel Ángel, Bronzino, Tiziano, Mabuse, Carreggio y Brueghel. Entre las obras emblemáticas están Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino (1540-1550) y El sastre, de Giovanni Battista Moroni (1570-1575).
    - Pintura de 1600-1700
    Los artistas de esta época tienen estilos muy personales y definidos. Queda claro de quién es cada obra. En Italia y España el tema religioso es tratado de manera original y novedosa, para llamar la atención. Los pintores de los Países Bajos se especializan en las naturalezas muertas, los paisajes y escenas de la vida cotidiana (reuniones, comidas…).
    Hay obras importantes de Caravaggio, Rubens, Poussin, Van Dyk, Velázquez, Murillo, Rembrandt, Cupy y Vermeer. El fondo holandés es muy bueno y es notable el conjunto de obras de Rembrandt. De los españoles hay una obra reducida, pero de gran calidad. Hay piezas fundamentales desde Bartolomé Bermejo hasta Goya. Sobresale la Venus del espejo(1648), de Diego Velázquez. Hay críticos que la califican como la joya más importante del museo. De él también es Cristo en casa de Marta y María (1618-1620) y Santa Margarita (1631-1640) de Francisco de Zurbarán.
     
    - Pintura de 1700-1900
    Es común que los pintores de este período trabajen grandes formatos. Entre otros muchos hay obras de Canaletto, Goya, Turner, Constable, Ingres, Carot, Hogarth, Gainsborough, Reynolds. Entre algunas obras relevantes están La vendedora de camarones, de William Hogarth (1740-1750) y La carreta del mercado, de Thomas Gainsborough (1786). También Lluvia, vapor y velocidad; El gran ferrocarril del Oeste, (1844); El Temerario remolcado a dique seco (1838), de J. M. W. Turner.
    Están todos los impresionistas y escuelas y artistas que los siguieron hasta el inicio del siglo XX. Entre ellos Degas, Cézanne, Monet, Van Gogh, Renoir, Gauguin. Es muy conocido Los girasoles (1888), de Van Gogh.
    Comentario
    Esta es la tercera vez que visito el museo. Es posible que comparada a otras galerías nacionales (El Prado, El Louvre, El Hermitage…) la colección, que es de creación tardía con relación a las mencionadas, puede resultar pequeña. A pesar de esto sí están representadas todas las etapas de la pintura de Occidente y con la obra de los grandes exponentes.
    La galería me gusta mucho. En la vista de 2014 disfruté de manera muy especial la vista al Ala Sainsbury, salas de la 51 a la 66, donde se expone la pintura europea del siglo XIII al XVI. Siempre me provoca una reacción emocional muy fuerte ver la obra de Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca y Leonrado de Vinci. Están también las obras de autores anónimos que son extraordinarias.
    09 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    El arquitecto Robert Smirke diseñó la sede del museo que es de estilo neoclásico. La obra inicia en 1852 y termina en 1857. El frontón es del escultor británico Richard Westmacott. La sala que alberga la colección del Partenón es diseño del arquitecto John Rusell Pope. En 1940 fue dañada por una bomba. En 1962 se reabrió al público. En 2000 se inauguró la última ampliación, el Gran Atrio de la Reina Isabel II, en el centro del museo, diseñado por el arquitecto Norman Foster. El espacio aloja la sala de lectura, que formaba parte de la Biblioteca Británica.
    Historia
    El origen del museo son 80,000 artículos de la colección de Sir Hans Sloane, médico y naturalista, quien la vendió simbólicamente al gobierno en 1753. Incluía 40,000 libros, 7,000 manuscritos, antigüedades de Egipto, Grecia, Roma, Oriente Medio y Extremo, América, cuadros de Durero y su colección de ciencias naturales y medicina. Luego se adquirió la biblioteca de Sir Robert Cotton y la del anticuario Robert Harley.
    La primera sede fue la casa Montagu, del siglo XVI y se inauguró el 15 de enero de 1759. En 1782 aumentó la colección de antigüedades, con la compra de las piezas griegas y romanas del Sir William Hamilton, embajador británico en Nápoles. En 1801, con la derrota de Francia en la batalla del Nilo, el museo adquirió gran cantidad de antigüedades egipcias y la piedra de Rosetta. En 1805 se añaden las esculturas griegas de la colección Townely y en 1816 los Mármoles de Elgin, más conocidos como los Mármoles del Partenón, donados por el conde de Elgin. En 1823, el rey Jorge IV dona parte de la biblioteca de su padre, la Biblioteca del Rey, lo que hizo necesario trasladar la colección a una nueva sede. La antigua fue demolida en 1845. (En la actualidad el acervo consta de siete millones de objetos)

    Visita
    El sentido del recorrido:
    La Sala de Egipto con los sarcófagos y las momias. A la entrada la piedra Rosetta.
    La Sala Asiria. Dos leones con caras humanas, entrada de un palacio, del 860 a.C. Son espectaculares y se encuentran en muy buen estado de conservación. Estelas de esa misma época. Los paneles del palacio de Nínive con escenas de cacería de leones y los cazadores en carros tirados por caballos del 645 a.C. Entrada de leones con caras humanas del palacio de Sargon del 721 a.C. Paneles del palacio de Nimbrud.

    La Sala de Grecia con el templo de Nereid del siglo V a.C.
    La Sala del Partenón con los frisos de ese edificio y partes del frontispicio en los extremos. Los paneles están muy maltratados. Tenía la imagen de que estaban mejor conservados. Están lejos de la calidad escultórica y grado de conservación del templo de Zeus de Pérgamo en el Museo Pérgamo de Berlín.
    La Sala de Atenas y Lycia donde está la tumba del rey de Xanthos del 48 a.C. Muchas piezas de cerámica griega pintadas en negro. La salas de Micenas, Minoans y Creta. Figuras humanas de Cyclados del 2700 a.C.
    Las salas de China y Asia. Esculturas de la India.
    La Sala de México que no conocía. Se instaló en la presidencia del presidente Salinas con aportaciones de empresas mexicanas. Está bien montada. Destacan las piezas aztecas de turquesa todas fechadas entre 1400 y 1521. La serpiente emplumada de dos cabezas, la máscara de Tezcatlipoca, que es muy dramática, y otra máscara. Las estelas de Yaxchilán de 725 a.C. Hay piezas de la cultura olmeca, maya y  totonaca.
    La Sala Enlightment que reproduce como se  expuso la colección cuando se fundó el museo en 1753. Es muy interesante la mezcla de los libros y las piezas que el museo recibía en donación, de las exploraciones que se organizaban con su apoyo y de la compra.
    Las salas de Sudán, Egipto y Namibia. Interesante las piezas que documentan el cristianismo en Nubia.
    La Sala de Anatolia y Urartu. Se exhiben piezas que van del 2000 al 300 a.C.
    La Sala de Mesopotamia con piezas del 1500 al 530 a.C. Muchas tabletas de escritura cuneiforme. La Sala de Babilonia con piezas del 2000 al 1600 a.C. La sala de las momias y sarcófagos egipcios. La tumba-capilla de Nebamum con frescos del 1350 a.C.
    La Sala de Grecia en Italia con piezas del 750 al 250 a.C. Cerámica negra. La Sala de Chipre (Cyprus) con piezas del 10,000 a.C. Al 58 d.C. La Sala Etrusca con objetos del 800 al100 a.C. La Sala de Roma y el Imperio Romano con piezas del 300 a.C. al 300 d.C. Buenos retratos. La Sala de la Vida de Roma y Grecia. Objetos de la vida cotidiana. Una pequeña sala sobre el zoroastroismo en Persia (Irán). Las salas de relojes y monedas con objetos de muy distintas épocas. La Sala de Europa. Solo pude ver una parte porque la otra estaba cerrada.

    Comentario
    La primera visita al museo la hice en 1974 ó 1975. En ese tiempo estaba en París en un curso del Inodep y vine a Londres. La segunda vez estuve en 1993 en un viaje con Sybille por Inglaterra y Escocia. Ahora, en 2014 es la tercera vez que lo recorro. Han pasado 21 años de la última vez que estuve aquí. La colección, que es extraordinaria, me pareció menos impresionante que en las otras ocasiones. En estos años he visto otros muchos museos y estado en los sitios de los que se exhiben piezas como Persépolis y Pérgamo. Y también he visitado museos, entre otros, el Nacional de Siria, de Líbano y de Jordania con piezas extraordinarias. Siempre es una gran experiencia visitar el museo y uno se queda con la sensación de que se necesitan semanas, para verlo con cuidado.
    02 DE FEBRERO DE 2019

    Historia
    En 2001, el danés Peder Kolind llega a Granada procedente de Costa Rica donde temporalmente residía y decide vivir en esta ciudad. Desde su llegada inicia una serie de obras sociales de beneficio, sobre todo, a la niñez. El museo es uno de esos proyetos sociales. Se inauguró en diciembre de 2005. Él muere en 2015. Uno de sus hijos se encarga de que las obras continuen.   
    Prehistoria en Nicaragua
    (Datos expuestos en el museo)
    15 millones de años antes del presente
    Creación del Istmo Centroamericano
    15 mil años antes del presente
    Llegada de los primeros seres humanos a las Américas
    2000-500 a.C.
    Primeros asentamientos en Nicaragua
    500 a.C. – 300 d.C.
    Auge de la complejidad social
    300 – 800 d.C.
    Cultura Chibcha
    800-1250 d.C.
    Cultura Chorotega
    1250-1525 d.C.
    Cultura Nicarao  
     
    Cerámica de Nicaragua por períodos
    (Datos expuestos en el museo)
    Orosi
    2000-500 a.C.
    Tempisque
    800 a.C. – 300 d.C.
    Bagaces
    3000-800 d.C.
    Sapoá
    800-1350 d.C.
    Ometepe
    1350-1550 d.C. 
     
    Colección 

    Es una colección arqueológica de las diversas culturas de Nicaragua. Está bien montada. Hay información general que permite darse una idea de lo que se muestra, pero falta para ubicar cada pieza en el marco de la cultura a la que pertenece y también al periodo en el que fueron elaboradas.



    Comentario
    Es un museo pequeño, pero con una colección importante. Hay piezas muy hermosas y también valiosas. El patio de la casona, en el centro de Granda, es muy bello. Es un buen ejemplo de la arquitectura propia de la ciudad. Faltan fichas técnicas, para cada pieza.    
     
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