Museos y Expos. 2019
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  • 16 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    Está frente a la Plaza de Trafalgar y es de estilo neoclásico. Diseño del arquitecto William Wilkins y construido entre 1832 y 1828. En su momento fue muy criticado. En 1860 se da la primera alteración importante cuando se añade la galería diseñada por sir James Pennethorne. El arquitecto Barry Edward Middleton hace importantes transformaciones al edificio entre 1872 y 1876. Entre ellas la cúpula. En 1884-1887, el arquitecto sir John Taylor diseña la escalera del Hall.
    Historia
    La apertura de la Galería Nacional es relativamente tardía. La colección real de Baviera (ahora en la Alte Pinakothek, Münich) se abrió al público en 1779; la de los Medici en Florencia en 1789 y el Museo del Louvre en 1793. Son colecciones construidas por los reyes o nobles que se nacionalizan en el siglo XVIII. En Inglaterra la corona sigue conservando su colección. La Galería nace en 1824 con la compra de 34 cuadros de la colección de John Julius Angerstein. A partir de entonces se compran colecciones al gusto del director en turno. En 1845 se incorpora el legado de pintura británica de Robert Vernon.
    A principios del siglo XX ingresan donaciones de familias aristócratas. La incorporación del arte impresionista hacia 1906 fue difícil porque se enfrentó al rechazo de ciertas autoridades. En la Segunda Guerra Mundial la colección se protegió en unas canteras de pizarra en Manod, en el norte de Gales. Las pinturas volvieron a la plaza de Trafalgar en 1945.
    Colección
    Está formada por más de 2,300 pinturas y esculturas de mediados del siglo XIII hasta 1900. Dos tercios del acervo son donaciones privadas. De acuerdo a especialistas la colección resulta pequeña en comparación con otras galerías nacionales europeas. Están, con todo, representadas todas las épocas de la pintura de Occidente con obras realmente importantes.
     
    Visita
    - Pintura de 1250-1500
    Esta parte de la colección se aloja de las salas 51 a la 66 y están en el Ala Sainsbury, pero se entra por el edificio principal. La pintura de los siglos XIII y XVI, muchas obras de autores anónimos, tiene como tema fundamental el religioso. Muchas de las obras están cubiertas con pan de oro. A partir del siglo XV, a más de los temas religiosos, se introducen la mitología y los retratos.
    Hay obras de primer nivel, algunas emblemáticas, de Duccio, Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca, Leonrado de Vinci y Rafael. Es notable la presencia de los renacentistas italianos. Entre algunas de las obras notables están La Virgen de las Rocas, de Leonardo da Vinci (1492-1508); El bautismo de Cristo (1450) y Natividad ( 1460-75), de Piero della Francesca; Venus y Marte, de Boticelli.
    - Pintura de 1500-1600
    Están las obras de los maestros del renacimiento italiano del quintocento y también de los Países Bajos. A la par de la temática religiosa está la de la mitología. Se dialoga con Grecia y Roma a la que se pretende superar. Hay obras fundamentales de Miguel Ángel, Bronzino, Tiziano, Mabuse, Carreggio y Brueghel. Entre las obras emblemáticas están Alegoría del triunfo de Venus, de Bronzino (1540-1550) y El sastre, de Giovanni Battista Moroni (1570-1575).
    - Pintura de 1600-1700
    Los artistas de esta época tienen estilos muy personales y definidos. Queda claro de quién es cada obra. En Italia y España el tema religioso es tratado de manera original y novedosa, para llamar la atención. Los pintores de los Países Bajos se especializan en las naturalezas muertas, los paisajes y escenas de la vida cotidiana (reuniones, comidas…).
    Hay obras importantes de Caravaggio, Rubens, Poussin, Van Dyk, Velázquez, Murillo, Rembrandt, Cupy y Vermeer. El fondo holandés es muy bueno y es notable el conjunto de obras de Rembrandt. De los españoles hay una obra reducida, pero de gran calidad. Hay piezas fundamentales desde Bartolomé Bermejo hasta Goya. Sobresale la Venus del espejo(1648), de Diego Velázquez. Hay críticos que la califican como la joya más importante del museo. De él también es Cristo en casa de Marta y María (1618-1620) y Santa Margarita (1631-1640) de Francisco de Zurbarán.
     
    - Pintura de 1700-1900
    Es común que los pintores de este período trabajen grandes formatos. Entre otros muchos hay obras de Canaletto, Goya, Turner, Constable, Ingres, Carot, Hogarth, Gainsborough, Reynolds. Entre algunas obras relevantes están La vendedora de camarones, de William Hogarth (1740-1750) y La carreta del mercado, de Thomas Gainsborough (1786). También Lluvia, vapor y velocidad; El gran ferrocarril del Oeste, (1844); El Temerario remolcado a dique seco (1838), de J. M. W. Turner.
    Están todos los impresionistas y escuelas y artistas que los siguieron hasta el inicio del siglo XX. Entre ellos Degas, Cézanne, Monet, Van Gogh, Renoir, Gauguin. Es muy conocido Los girasoles (1888), de Van Gogh.
    Comentario
    Esta es la tercera vez que visito el museo. Es posible que comparada a otras galerías nacionales (El Prado, El Louvre, El Hermitage…) la colección, que es de creación tardía con relación a las mencionadas, puede resultar pequeña. A pesar de esto sí están representadas todas las etapas de la pintura de Occidente y con la obra de los grandes exponentes.
    La galería me gusta mucho. En la vista de 2014 disfruté de manera muy especial la vista al Ala Sainsbury, salas de la 51 a la 66, donde se expone la pintura europea del siglo XIII al XVI. Siempre me provoca una reacción emocional muy fuerte ver la obra de Ucello, Lippi, Mantegna, Botilleli, Bellini, van Eyk, Memling, Piero della Francesca y Leonrado de Vinci. Están también las obras de autores anónimos que son extraordinarias.
    09 DE FEBRERO DE 2019

    Edificio
    El arquitecto Robert Smirke diseñó la sede del museo que es de estilo neoclásico. La obra inicia en 1852 y termina en 1857. El frontón es del escultor británico Richard Westmacott. La sala que alberga la colección del Partenón es diseño del arquitecto John Rusell Pope. En 1940 fue dañada por una bomba. En 1962 se reabrió al público. En 2000 se inauguró la última ampliación, el Gran Atrio de la Reina Isabel II, en el centro del museo, diseñado por el arquitecto Norman Foster. El espacio aloja la sala de lectura, que formaba parte de la Biblioteca Británica.
    Historia
    El origen del museo son 80,000 artículos de la colección de Sir Hans Sloane, médico y naturalista, quien la vendió simbólicamente al gobierno en 1753. Incluía 40,000 libros, 7,000 manuscritos, antigüedades de Egipto, Grecia, Roma, Oriente Medio y Extremo, América, cuadros de Durero y su colección de ciencias naturales y medicina. Luego se adquirió la biblioteca de Sir Robert Cotton y la del anticuario Robert Harley.
    La primera sede fue la casa Montagu, del siglo XVI y se inauguró el 15 de enero de 1759. En 1782 aumentó la colección de antigüedades, con la compra de las piezas griegas y romanas del Sir William Hamilton, embajador británico en Nápoles. En 1801, con la derrota de Francia en la batalla del Nilo, el museo adquirió gran cantidad de antigüedades egipcias y la piedra de Rosetta. En 1805 se añaden las esculturas griegas de la colección Townely y en 1816 los Mármoles de Elgin, más conocidos como los Mármoles del Partenón, donados por el conde de Elgin. En 1823, el rey Jorge IV dona parte de la biblioteca de su padre, la Biblioteca del Rey, lo que hizo necesario trasladar la colección a una nueva sede. La antigua fue demolida en 1845. (En la actualidad el acervo consta de siete millones de objetos)

    Visita
    El sentido del recorrido:
    La Sala de Egipto con los sarcófagos y las momias. A la entrada la piedra Rosetta.
    La Sala Asiria. Dos leones con caras humanas, entrada de un palacio, del 860 a.C. Son espectaculares y se encuentran en muy buen estado de conservación. Estelas de esa misma época. Los paneles del palacio de Nínive con escenas de cacería de leones y los cazadores en carros tirados por caballos del 645 a.C. Entrada de leones con caras humanas del palacio de Sargon del 721 a.C. Paneles del palacio de Nimbrud.

    La Sala de Grecia con el templo de Nereid del siglo V a.C.
    La Sala del Partenón con los frisos de ese edificio y partes del frontispicio en los extremos. Los paneles están muy maltratados. Tenía la imagen de que estaban mejor conservados. Están lejos de la calidad escultórica y grado de conservación del templo de Zeus de Pérgamo en el Museo Pérgamo de Berlín.
    La Sala de Atenas y Lycia donde está la tumba del rey de Xanthos del 48 a.C. Muchas piezas de cerámica griega pintadas en negro. La salas de Micenas, Minoans y Creta. Figuras humanas de Cyclados del 2700 a.C.
    Las salas de China y Asia. Esculturas de la India.
    La Sala de México que no conocía. Se instaló en la presidencia del presidente Salinas con aportaciones de empresas mexicanas. Está bien montada. Destacan las piezas aztecas de turquesa todas fechadas entre 1400 y 1521. La serpiente emplumada de dos cabezas, la máscara de Tezcatlipoca, que es muy dramática, y otra máscara. Las estelas de Yaxchilán de 725 a.C. Hay piezas de la cultura olmeca, maya y  totonaca.
    La Sala Enlightment que reproduce como se  expuso la colección cuando se fundó el museo en 1753. Es muy interesante la mezcla de los libros y las piezas que el museo recibía en donación, de las exploraciones que se organizaban con su apoyo y de la compra.
    Las salas de Sudán, Egipto y Namibia. Interesante las piezas que documentan el cristianismo en Nubia.
    La Sala de Anatolia y Urartu. Se exhiben piezas que van del 2000 al 300 a.C.
    La Sala de Mesopotamia con piezas del 1500 al 530 a.C. Muchas tabletas de escritura cuneiforme. La Sala de Babilonia con piezas del 2000 al 1600 a.C. La sala de las momias y sarcófagos egipcios. La tumba-capilla de Nebamum con frescos del 1350 a.C.
    La Sala de Grecia en Italia con piezas del 750 al 250 a.C. Cerámica negra. La Sala de Chipre (Cyprus) con piezas del 10,000 a.C. Al 58 d.C. La Sala Etrusca con objetos del 800 al100 a.C. La Sala de Roma y el Imperio Romano con piezas del 300 a.C. al 300 d.C. Buenos retratos. La Sala de la Vida de Roma y Grecia. Objetos de la vida cotidiana. Una pequeña sala sobre el zoroastroismo en Persia (Irán). Las salas de relojes y monedas con objetos de muy distintas épocas. La Sala de Europa. Solo pude ver una parte porque la otra estaba cerrada.

    Comentario
    La primera visita al museo la hice en 1974 ó 1975. En ese tiempo estaba en París en un curso del Inodep y vine a Londres. La segunda vez estuve en 1993 en un viaje con Sybille por Inglaterra y Escocia. Ahora, en 2014 es la tercera vez que lo recorro. Han pasado 21 años de la última vez que estuve aquí. La colección, que es extraordinaria, me pareció menos impresionante que en las otras ocasiones. En estos años he visto otros muchos museos y estado en los sitios de los que se exhiben piezas como Persépolis y Pérgamo. Y también he visitado museos, entre otros, el Nacional de Siria, de Líbano y de Jordania con piezas extraordinarias. Siempre es una gran experiencia visitar el museo y uno se queda con la sensación de que se necesitan semanas, para verlo con cuidado.
    02 DE FEBRERO DE 2019

    Historia
    En 2001, el danés Peder Kolind llega a Granada procedente de Costa Rica donde temporalmente residía y decide vivir en esta ciudad. Desde su llegada inicia una serie de obras sociales de beneficio, sobre todo, a la niñez. El museo es uno de esos proyetos sociales. Se inauguró en diciembre de 2005. Él muere en 2015. Uno de sus hijos se encarga de que las obras continuen.   
    Prehistoria en Nicaragua
    (Datos expuestos en el museo)
    15 millones de años antes del presente
    Creación del Istmo Centroamericano
    15 mil años antes del presente
    Llegada de los primeros seres humanos a las Américas
    2000-500 a.C.
    Primeros asentamientos en Nicaragua
    500 a.C. – 300 d.C.
    Auge de la complejidad social
    300 – 800 d.C.
    Cultura Chibcha
    800-1250 d.C.
    Cultura Chorotega
    1250-1525 d.C.
    Cultura Nicarao  
     
    Cerámica de Nicaragua por períodos
    (Datos expuestos en el museo)
    Orosi
    2000-500 a.C.
    Tempisque
    800 a.C. – 300 d.C.
    Bagaces
    3000-800 d.C.
    Sapoá
    800-1350 d.C.
    Ometepe
    1350-1550 d.C. 
     
    Colección 

    Es una colección arqueológica de las diversas culturas de Nicaragua. Está bien montada. Hay información general que permite darse una idea de lo que se muestra, pero falta para ubicar cada pieza en el marco de la cultura a la que pertenece y también al periodo en el que fueron elaboradas.



    Comentario
    Es un museo pequeño, pero con una colección importante. Hay piezas muy hermosas y también valiosas. El patio de la casona, en el centro de Granda, es muy bello. Es un buen ejemplo de la arquitectura propia de la ciudad. Faltan fichas técnicas, para cada pieza.    
     
    25 DE ENERO DE 2019
    Episodios Colección Pirovano II

    Exposición:
    En 1980-1981, la Colección Pirovano, del Dr. Ignacio Pirovano, fue donada por su hermana Josefina Pirovano de Mihura. Ahora, de ella se presenta la obra de los escultores Enio Iommi (1926-2013) y Sesostris Vitullo (1899-1953). La curaduría es de María Amalia García. Son obras de los años 50. En visión de la curadora "la exposición pone en tensión las investigaciones en torno al arte abstracto realizadas por Iommi y las búsquedas sobre los imaginarios primitivos del arte moderno desarrolladas por Vitullo. Ambas vertientes plásticas permiten abordar los diversos intereses del coleccionista Ignacio Pirovano a la vez que estudiar las derivas de la escultura a lo largo del siglo XX".
    Recorrido:
    Son ocho esculturas en una pequeña sala. Las de Vitullo son tótems de madera con claras reminiscencias de la escultura elaboradas por los pueblos originarios de América. No sé si tiene de referencia alguna cultura en lo particular. Las de Iommi son esculturas abstractas o concretas trabajadas con diversos materiales.

    Comentario:
    No conocía la obra de estos escultores argentinos. Las esculturas de Vitullo, que vivió en Francia desde la década de los veinte, se propone vincular el lenguaje moderno con las formas propias de las culturas precolombinas. Las esculturas de Iommi son una expresión acabada del arte concreto. Explora las posibilidades plásticas de los materiales con los que trabaja. Los dos son claramente modernos, pero parten de concepciones distintas lo que lleva a una forma muy diferente de enfrentar la escultura.
     
    19 DE ENERO DE 2019
    Excéntricos y superilustrados

    Exposición:
    Son obras de la colección del museo que escapan a las formas establecidas del arte y la intelectualidad de su tiempo. Son artistas alejados de las tendencias y reticentes a sumarse a las vanguardias de moda. Con su obra abren nuevas vías conceptuales que se traducen en trabajos multidisciplinarios. Los curadores, Javier Villa, Sofía Dourron y Laura Hakel, plantean que así como Xul Sola, en los años veinte, era incomprendido por sus contemporáneos cuando oscilaba entre la intelectualidad orgánica y la tradicional, entre la pintura, la escritura y el esoterismo, hay otros artistas que después han transitado por caminos similares.

    Se exhiben obras de Alberto Greco, Alejandra Urresti, Benito Laren, Dana Ferrari, Delia Cancela, Edgardo Antonio Vigo, Fabio Kacero, Federico Manuel Peralta Ramos, Fernanda Laguna, Isaac Díaz, Jorge Bonino, Jorge de Luján Gutiérrez, Juane Odriozola, Laura Códega, León Ferrari, Liliana Maresca, Luis Pazos, Lux Lindner, Marcelo Galindo, Mariano Blatt, Martín Legón, Pablo Suárez, Ricardo Carreira, Sergio De Loof, Xul Solar y Zoe Di Rienzo.
    Recorrido:
    Los autores que más me llamaron la atención son: Zoedi Rienzo, El coso (2016), nueve fotografías; Delia Cancela, Chicas (1967), 16 dibujos sobre papel con marcador y tinta.
    Comentario:
    De manera racional entiendo bien la concepción que anima a estos artistas y también comprendo su ruptura, pero sus obras no me entusiasman y tampoco me provocan emoción. Me acerco a ellas desde la razón, desde el esfuerzo de comprender su aporte. La curaduría plantan que “la exposición intenta ensayar un relato sobre la heterodoxia artística argentina” y añaden que estos artistas se apoyan “en la escritura y el dibujo como herramientas para encontrar pensamientos nuevos; en la fotografía y el video como elemento para registrar simples gestos performáticos alrededor de sus vidas e ideas; y en la construcción de objetos absurdos o disfuncionales para escapar y romper con lo cotidiano.Estos artistas son excéntricos respecto a las tendencias de sus contemporáneos, y superilustrados al transitar un afuera de los filosos márgenes de la intelectualidad académica”. 
    12 DE ENERO DE 2019
    Debates en el centro: Abstracción y figuración en la Colección del Museo de Arte Moderno 1950-1970

    Exposición:
    En visión del curador de la exposición, Marcelo E. Pacheco, "la dualidad y la confrontación entre la abstracción y la figuración fueron componentes centrales de la escena artística cosmopolita de la primera mitad del siglo XX. Con la irrupción del arte contemporáneo, gradualmente a partir de los años 50, la batalla, e incluso la diferencia dejaron de despertar interés. Pero las preguntas se mantienen vigentes. La representación o ausencia de representación en el arte es un dilema que, después de un siglo, sigue provocando al público".

    La exposición recorre el informalismo, la nueva figuración, el realismo social, la abstracción lírica y geométrica, el pop, el arte ingenuo, el minimalismo y el arte óptico. Se presentan obras de Juan Del Prete, Josefina Miguens (Robirosa), Luis Seoane, Julio Barragán, Luis Centurión, Juan Grela, Ricardo Garabito, Nicolás García Uriburu, Noemí Gerstein, Carlos Silva, Víctor Magariños D., Miguel Ocampo, Enio Iommi y Grupo Espartaco. La muestra, dice el curador, incluye también a artistas poco conocidos u olvidados como Ricardo Carreira, Carlota Reyna, Juan Eichler, José De Monte, Juan Carlos Castagnino y Julián Althabe.
    Recorrido:
    Los autores que más llamaron la atención fueron: Juan del Prete (1897-1987) Es figura clave y pionera. Dos cuadros con el mismo título Abastracción abstracta, me gustaron mucho (1955); Luis Centurión (Uruguay, 1922-1985); Noemí Gerstein (1908-1996), La familia (1960), bronce; Luis Barragán (1914-2001); Juan Carlos Castagnino (1908-1972), calcografías en blanco y negro (1965-1969); Ricardo Carreira (1942-1993), Sin título (1963), óleo pequeño sobre papel; Luis Seoane (1910-1979); Juan Grela (1914-1993); Carlos Silva (1930-1987), Vivaldi (1964), óleo.
    Comentario:
    La exposición me permitió tener una panorámica general y al mismo tiempo amplia de la producción de los grande artistas argentinos entre 1950 1970. Se exhiben obras calves expresión de los distintos movimientos. Son 20 años de una etapa fundamental del arte moderno argentino. La gocé y aprendí mucho. Fue una gran oportunidad.
    1/1