Cine y Teatro 1969 - 2019
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  • 11 DE JULIO DE 2019
    Bruma (México-Alemania, 2017) del director Max Zunino cuanta la historia de Martina (Sofía Espinosa) una joven de la clase media mexicana insatisfecha con la vida que lleva. No termina de saber lo que quiere. En esa condición se entera que tiene un embarazo de dos meses. De un día para otro decide irse a Berlín, para buscar a su padre que no conoce. En su búsqueda se encuentra con Ángel (Dieter Rita Scholl), que por ocho años fue pareja de su padre. Él le dice que ya está muerto.
    De su viaje no avisa a su madre y tampoco a su novio Agustín (César Ramos), el padre del hijo que espera, que también sin avisar un día aparece en Berlín. Se reencuentran, pero solo días después ella asume que no es la relación que quiere. Antes de que Agustín regrese a México le dice que no va a tener al niño.
    Ángel al enterarse de que Martina va a ser madre le dice que su padre vive y le da el teléfono, para contactarlo. El encuentro con él no le significa nada. En Berlín descubre otro tipo de vida y termina por saber cómo quiere enfrentarse a ella. Decide quedarse en la ciudad, comenzar un trabajo y tener a su hijo. En Ángel encuentra al padre y también a la madre que nunca tuvo y él, de manera inesperada, se hace de una hija.
    Bruma, la segunda película de Max Zunino (Los bañistas), es una reflexión sobre los roles impuestos por la sociedad, a mujeres y a hombres, y sobre la búsqueda de lo que se quiere ser y también de cómo se quiere enfrentar la vida. Es una reflexión sobre la libertad interior, que se conquista, y sobre las decisiones que se tiene que tomar si uno quiere vivir fuera de las convenciones sociales.
    Martina, una refrescante actuación de Sofía Espinosa, encuentra en Ángel, una buena actuación de Dieter Rita Scholl, a un hombre que ha vivido de acuerdo a lo que piensa y fuera de todos los estereotipos sociales. Ella ve en él a un ser humano que no tiene miedo a vivir como quiere. Eso tal vez esperaba encontrar en su padre alemán.
    La película ofrece una mirada distinta del Mitt (centro) de Berlín. Hay un retrato de la ciudad que revela cariño y respeto por esa ciudad. La cinta está hablada en español, inglés y alemán. Me resulta interesante y novedoso que el guion sea obra conjunta del director y la actriz.
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    Bruma
    Título original: Bruma
    Producción: México-Alemania, 2017
    Dirección: Max Zunino
    Guion: Max Zunino y Sofía Espinoza
    Música: Jeanne Dureault y Sebastián Zunino
    Fotografía: Christian Trieloff
    Con: Sofía Espinosa, César Ramos, Claudette Mallé, Juan Carlos Colombo, Esther María Pietsch, Harry Baer, Anne Werner, Patrick Fernández, Bartholomew Sammut, Caroline Erikson, Peter Weiss, Alaciel Molas, Christian Wagner, Jessy Moravec
    04 DE JULIO DE 2019
    Trotsky (Rusia, 2017) es una serie de ocho capítulos producida por el Canal 1 de la televisión rusa, que se estrenó en 2017 con un enorme éxito de audiencia en ese país. Konstantin Ernst, el director del canal, ante las críticas responde que no se quería hacer una biografía o un documental sobre la vida de Trostsky, sino una serie con elementos reales y ficticios de su vida con el propósito de hablar sobre la Revolución de 1917.
    El elenco está compuesto por actores y actrices muy reconocidos en Rusia como Konstantin Khabenesky (León Trotsky), Olga Sutulova (Natalia Sedeova, la esposa de Trotsky), Yevgeny Stychkin (Valdimir Lenin), Orkhan Abulov (José Stalin), Maksim Matveyev (Frank Jackson un periodista estadounidense que es quien asesina a Trotsky y ocupa el papel de Ramón Mercader), Aleksander Bergman (Diego Rivera) y Viktoria Poltorak (Frida Kahlo).
    En Rusia la serie ganó muchos de los premios que otorga la Asociación de Productores de Cine y Televisión: Mejor Sonido, Mejor Dirección Artística, Mejor Maquillaje, Mejor Fotografía, Mejores Efectos Especiales, Mejor Actriz (Olga Sutulova), Mejor Actor (Konstantin Khabensky) y Mejor Serie de Televisión. Es notable la fotografía de Sergei Trofimov y Nikolai Bogachov.
    La serie deja mal parados a Lenin, a Stalin y a Trotsky, que son los líderes históricos de la Revolución de Octubre. A Lenin se le caracteriza como oportunista, maniobrero y calculador; a Stalin como ignorante y bárbaro y a Trotsky como arrogante, soberbio y sanguinario. A finales de 2018, Netflix compró los derechos a la televisión rusa, para ponerla en su plataforma.
    La serie es una superproducción de la televisión pública rusa. Se toman hechos reales de la vida de Trotsky y otros que se inventan, para construir un personaje muy atractivo que muestra a un hombre inteligente, lúcido, osado y un gran orador, pero también a un sujeto perverso y capaz de cualquier cosa para conseguir lo que quiere.
    La ambientación de la época, los escenarios, el vestuario, la fotografía, la actuación y la dirección de la serie son muy buenos. La televisión rusa quería hacer algo espectacular y lo logra. La trama, entre la realidad y la ficción, está muy bien armada y mantiene siempre la atención de los televidentes. La construcción dramática es muy buena.
    La serie plantea dos preguntas centrales: ¿Por qué dar este trato a los líderes de la Revolución de Octubre? ¿Por qué de manera particular dar ese trato a Trotsky?  Pienso que la respuesta va en línea de lo que quiere el régimen del presidente Vladimir Putin. Es una relectura de la Revolución y de sus héroes que no lo son tanto o simplemente no lo son.
    Me quedo con la idea de que el actual régimen político en Rusia trata de desacreditar a la Revolución y a sus líderes. No solo se quiere hacer un corte radical con el pasado, sino que se pretende eliminarlo del imaginario de los rusos de hoy. Eso abre espacio a la construcción de una nueva epopeya y narrativa, la que conduce Putin.
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    Título original: Trotsky
    Producción: Rusia, 2017
    Dirección: Aleksander Kott y Konstantin Statskiy
    Guión: Oleg Malovichko, Rusian Galeev y Pavel Teterksky
    Música: Ryan Otter
    Fotografía: Sergei Trofimov y Nikolai Bogachov
    Con: Konstantin Khabenskiy, Mikhail Porechenkov, Maksim Matveyev, Yevgeni Stychkin, Orkhan Abulov, Sergey Bezrukov
    27 DE JUNIO DE 2019
    A 25 años del asesinato de Luis Donaldo Colosio (Jorge A. Jiménez), Netflix (2019) lanza una serie de ocho capítulos que pretende responder a preguntas de lo que sucedió el 23 de marzo de 1994 y sobre quienes fueron los responsables. En esta versión el desarrollo de la trama no se centra en el candidato asesinado sino en su esposa Diana Laura Riojas (Isle Salas) y el jefe de la policía de Tijuana, José Federico Benítez (Alberto Guerra). El enfoque es distinto y resulta original.
    La serie empieza por el asesinato de Colosio en manos de Mario Aburto Martínez (Jorge Antonio Guerrero), que es la versión oficial, para después, en los siguientes siete capítulos, tratar de responder a dos preguntas centrales: ¿Quién lo mató? ¿Quién lo mandó matar? Y está también presente la tragedia de Diana Laura y su lucha contra el cáncer.
    Los guionistas tienen acceso a los expedientes desclasificados el año pasado que plantean nuevas dudas en versión de quienes ya se han acercado a ellos. En la serie están todos los hombres que, de una u otra manera, tuvieron que ver con los hechos: Carlos Salinas de Gortari (Ari Brikman), Raúl Salinas de Gortari (Martín Altomaro), Manuel Camacho Solis (Enrique Arreola), José María Córdoba Montoya (Pedro de Tavira), Ernesto Zedillo Ponce de León (Herán del Riego),  Manlio Fabio Beltrones (Juan Carlos Medellín), Líebano Sáenz (Everardo Arzate), José Francisco Ruiz Massieu (Omar Medina) y Miguel Montes (Marco Treviño) entre otros.
    En el desarrollo de la trama en ningún caso se culpa a nadie en lo particular, pero se plantean dudas razonables, a partir de datos objetivos, sobre cuál pudo ser el papel del presidente Salinas, Beltrones, Camacho, Córdoba Montoya y Zedillo. Siempre vistos desde la óptica de Diana Laura que duda de las versiones oficiales y de las conclusiones del fiscal que ella misma eligió, para aclarar lo que había sucedido.
    La dirección de Hiromi Kamata y Natalia Beristáin es buena y también el trabajo de todos los actores, en especial el de Ilse Salas en el papel de Diana Laura. A amigos periodistas extranjeros que vieron la serie les pareció muy interesante e incluso apasionante. Pienso que está bien construida y teje una historia que resulta interesante y tiene un ritmo que la hace entretenida.
    Es muy difícil aportar algo nuevo a la historia del asesinato de Colosio a 25 años de haber ocurrido, de un archivo de más de 10 mil fojas que tiene el caso, de cuatro fiscales especiales que se hicieron cargo de la investigación, de la duda de la sociedad sobre lo que desde un principio planteó el gobierno y de las muy distintas versiones que existen sobre los sucesos que van desde la existencia de varios Aburtos y dos distintos asesinos.
    Una buena parte de los personajes que han sido relacionados con el caso siguen con vida. Los creadores y responsables de la serie mantienen la versión de los hechos en un espacio donde se plantean dudas e hipótesis, pero no se va más allá. Cada uno de los televidentes mexicanos tiene una versión de los hechos y en su gran mayoría no acepta la que desde un principio dio el gobierno del presidente Salinas.
    En crímenes como los de Colosio siempre queda la pregunta si es posible llegar a saber lo que realmente sucedió. La serie cuestiona la versión oficial y abre el espacio de la duda, pero no se compromete con una versión nueva y distinta. Se mantiene en el margen de lo prudente y políticamente correcto.
    La serie de Netflix cumple con creces su propósito de ofrecer un producto bien hecho, interesante y que entretenga a audiencias muy grandes y en muy distintos países. No se le puede pedir más. Es un trabajo profesional serio. Su propósito no es ofrecer una nueva versión del asesinato, pero sí plantear dudas razonables que hacen de la serie un producto que vale y se vende.
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    Historia de un crimen: Colosio
    Título original: Crime Diaries: The Candidate
    Producción: Netflix, 2019
    Dirección: Hiromi Kamata y Natalia Beristáin
    Guión: Andrés Burgos; Alejandro Gerber Bicecci; Itzel Lara y Rodrigo Santos
    Música: Pascual Reyes
    Fotografía: Alberto Anaya Adalid
    Con: Ilse Salas, Jorge A Jiménez, Alberto Guerra, Gustavo Sánchez Parra, Jorge Antonio Guerrero, Martín Altomaro, Lisa Owen, Ari Brickman, Hernán del Riego, Enrique Arreola y muchos más.
    20 DE JUNIO DE 2019
    En la noche más obscura (Estados Unidos, 2012) la directora Kathryn Biegeolw ofrece una visión de cómo por diez años los servicios secretos de Estados Unidos trabajaron para dar con el paradero de Osama Bin Laden, líder de Al Qaeda y autor intelectual del atentado contra las Torres Gemelas de Nueva York el 11 de septiembre de 2001.
    La investigación ubica que es en Abbottabad, un lugar de Pakistán, donde él y su familia viven. A partir de esa información se prepara el operativo para liquidar a Bin Laden. El hecho ocurre a las 0:30 del 2 de mayo del 2011, cuando un grupo de fuerzas especiales de la Marina de Estados Unidos, llamado “Los canarios”, transportados en helicópteros desde una base en Afganistán, asaltan con precisión de relojería la casa donde vive Bin Laden y lo matan.
    La película muestra, con mucho detalle, la manera que los servicios secretos estadounidenses fueron construyendo el caso, sin nunca abandonarlo, a partir de dar con informantes claves y luego cruzar los datos que habían obtenido. Se ve también el uso de la tortura por parte del gobierno de Estados Unidos como una práctica aceptada, para extraer la información.
    La manera de construir y tratar la historia es la misma que la directora utilizó en The Hurt Locker con la que ganó el Oscar 2012 como mejor película. En esa cuenta la vida de soldados que desactivan minas en la guerra de Irak. Su estilo es el de contar de manera veraz los hechos sin pronunciarse sobre ellos. Implica una gran investigación sobre lo que realmente sucedió. En un cine “realista” que se acerca al “documental”, sin serlo, y combina una parte ficticia, pero que encaja muy bien con la historia “verdadera”, para hacer un todo que resulte interesante y atractivo para el público.
    La directora no se pronuncia sobre la tortura o la violación a la soberanía del territorio de Pakistán por los marines de Estados Unidos. Los sucesos los construye de manera rigurosa y deja la valoración de los mismos a quienes ven la película. Están ahí todos los elementos y los mismos ofrecen la posibilidad de múltiples lecturas. ¿La directora evade la responsabilidad de ofrecer su punto de vista? Pienso que no y la manera misma de enfrentar el tema ofrece su propia valoración de los hechos.
    Los personajes más claros y presentes en la película son los del agente Dan (Jason Clarke), que representa la manera tradicional del trabajo de las instituciones de seguridad de Estados Unidos. Él es un hombre “duro” que trabaja a partir de la tortura con los métodos más violentos e inhumanos. Lo hace convencido de que así sirve a su país. El otro es la joven agente de la CIA (Jessica Chastain), personaje ficticio, que privilegia el trabajo de “inteligencia”. Y es ella, precisamente, la que logra “amarrar” todos los datos.
    Las dos primeras horas de la película dan cuenta del trabajo de investigación que a lo largo de diez años permitió dar con el paradero de Bin Laden y los últimos treinta minutos, todo ocurre en la obscuridad, es el asalto a la casa y la ejecución del líder de Al Qaeda. El manejo de la cámara y las luces en esta parte de la película resultan fundamentales, para crear la “sensación” de que uno está ahí dentro siendo partícipe de cómo ocurren las cosas.
    La película me parece que está muy bien construida en lo argumental, en esto cuenta el guión, y también muy bien logrado el “tono” que le imprime la directora, que es el de un “documental”, pero donde también hay concesiones ficticias que ayudan a “amarrar” la historia. Es algo así, para llamarla de alguna manera, como una novela histórica. Pienso que la manera como organiza la información y la trata muestra su postura ante esos hechos. La película me pareció muy interesante. Es buen cine.
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    La noche más obscura
    Título original: Zero dark thirty
    Producción: Estados Unidos, 2012.
    Director: Kathryn Biegeolw
    Guión: Mark Boal
    Con: Chris Pratt, Kyle Chandler, Jessica Chastain, Jennifer Ehle, Joel Edgerton, Nash Edgerton, Frank Grillo, Harold Perrineau Jr., Mark Duplass, Jason Clarke, Mark Strong, Edgar Ramirez.
    13 DE JUNIO DE 2019
    Radu Mih?ileanu, director francés de origen rumano, en La Fuente de las mujeres (Bélgica-Francia-Italia, 2011) cuenta una historia que ocurre en un pequeño pueblo, en algún lugar entre el norte de África y Oriente Medio (está filmada en Marruecos).
    Aquí, la tradición exige que sean las mujeres, no los hombres, las que vayan a buscar el agua a la fuente que nace en lo alto de una montaña. Siempre ha sido así. Son los “usos y costumbres” de la comunidad. El trabajo es muy pesado.
    Un día, Leila, una joven casada, propone al resto de mujeres una huelga de sexo hasta que los hombres colaboren en el traslado del agua hasta la aldea. A esta historia, que es la central, se añade la de ella, que no pudo casarse con quien quería porque no es de su nivel social.
    Él aparece en el pueblo y se encuentra con ella. Le propone que se vaya con él. La película da cuenta de las raciones de cada una de las mujeres, de las relaciones entre ellas y de éstas con su pareja y entorno familiar.
    La trama de la película recuerda la “solución” de las mujeres de Lisistra de Aristófanes. Leí una crítica que decía que la protesta orquestada por las mujeres de la comunidad era una construcción ideal del director.
    Y que en las actuales condiciones de las realidades geográficas y sociales a las que se refiere la película hace imposible llevarla a cabo. No estoy de acuerdo con esa visión. La película me gustó.
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    La fuente de las mujeres
    Título original: La source des femmes
    Producción: Bélica-Francia-Italia, 2011
    Director: Radu Mih?ileanu
    Guión: Alain-Michel Blanc y Radu Mih?ileanu
    Con: Leïla Bekhti, Hasfsia Herzi, Biyouna, Sabrina Ouazani
    06 DE JUNIO DE 2019
    En 1921, el extraordinario director alemán Fritz Lang (1890-1976) filma Der müde Tod que en español lleva el título de Las tres luces. En ella unos novios (él, Walter Janssen y ella, Lil Dogover) viajan en un carruaje de pasajeros al que sube un personaje extraño (Bernhard Goezke). Los tres se hospedan en el mismo hotel.
    Al final del día los notables del pueblo se reúnen a tomar una copa. La pareja se acomoda en una mesa y en ella también se sienta el personaje extraño. Ella va a la cocina y cuando regresa a la mesa ya no está su novio ni el personaje. Pregunta a los notables y le dicen que se han ido. Lo busca por todos lados y termina por darse cuenta que ha muerto.
    El personaje, que es la muerte, le dice que está cansado de cumplir esa función, pero que él no ordena las muertes, que esa es una decisión de Dios. Él solo las ejecuta. Ella le suplica que le devuelva la vida a su novio. La muerte le dice que no es posible. La novia insiste y ésta decide, entonces, ponerle una prueba.
    Le muestra tres velas (vidas) a punto de extinguirse. Si logra cambiar el curso de la historia y salva alguna de esas vidas, en recompensa, obtiene que su novio vuelva a vivir. Las historias tienen lugar en Bagdad, en Venecia y en China. Ella fracasa y muere. En ese momento se encuentra con su amado.
    Esta histórica película muda se perdió en la II Guerra Mundial. Se pudo reconstruir a partir de elementos conservados en cinco cinematecas del mundo. El expresionismo alemán en todas sus posibilidades. La figura del personaje de la muerte es dramático y expresionista. El contraste del blanco y el negro acentúa las expresiones de los personajes y también del entorno. Me gustó. La combinación de imágenes y sonido está muy bien lograda.
    En 1970, Lang en una entrevista dijo sobre la película que “Douglas Fairbanks, el viejo, la compró por 8,000.00 dólares y copió todo, pero naturalmente cincuenta mil veces mejor, en El ladrón de Bagdad. Él tenía departamentos de trucos. Tenían dinero. Nosotros teníamos que hacer todos los trucos por nosotros mismos en la cámara, en el plató y nada en el laboratorio”.
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    En 2016 vi esta película muda en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris en el marco de la XV Semana del Cine Alemán en México, que es la reseña más grande en el mundo fuera de Alemania. Ese día musicalizó la película en vivo el grupo Cinema Domingo Orchestra. Fue una hora y media de música continua muy rica y diversa en sus tonalidades. El grupo sonó muy bien. El bajo tocó de manera ininterrumpida.
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    Las tres luces
    Título original: Der müde Tod
    Producción: Alemania, 1921
    Dirección: Fritz Lang
    Guión: Fritz Lang y Thea von Harbou
    Fotografía: Bruno Mondi, Erich Nitzschmann, Herman Saalfrank, Bruno Timm, Fritz Arno Wagner.
    Música: Giuseppe Becce
    Con: Erich Nitzschmann, Herrmann Saalfrank, Bruno Timm, Fritz Arno Wagner, Lil Dagover, Walter Janssen, Bernhard Goetzke, Rudolf Klein-Rogge, Hans Sternberg, Erich Pabst …
    30 DE MAYO DE 2019
    En 118 días (Estados Unidos, 2014) el director estadounidense Jon Stewart ofrece una historia inspirada en hechos reales a partir de un guión, de él mismo, que se basa en el libro Then They Came for Me: A Family’s Story of Love, Captivity, and Survival escrito por Maziar Bahari y Aimee Molloy.
    El periodista iraní Maziar Bahari (Gael García Bernal), que vive en Londres y es corresponsal de Newsweek, es apresado por las autoridades de Irán en 2009. Esto debido a un artículo sobre las elecciones, que molesta a las autoridades iraníes.
    Lo acusan de ser espía y de trabajar para la CIA. Su madre vive en Teherán y años atrás su padre y su hermana fueron arrestados y murieron en la cárcel acusados de ser comunistas por los islamistas que se adueñan de la revolución.
    En los 118 días que Bahari pasa en la cárcel dialoga con su padre y hermana que ya están muertos. Su esposa en Londres inicia una campaña internacional, para lograr que las autoridades iraníes liberen a su marido.
    La secretaria de Estado, Hillary Clinton, manifiesta su preocupación sobre el juicio que se sigue al periodista. Finalmente, las autoridades lo dejan en libertad.
    El periodista escribe su experiencia en la cárcel que es el libro que da pie al guión. El director se entrevistó con Bahari y decide llevar la historia al cine.
    La película descansa sobre la actuación de Gael García Bernal. La película cumple, pero no va más allá. Le falta fuerza en todo (guión, actuación, dirección). La historia daba para más. Se filmó en Jordania.
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    118 días
    Título original: Rosewater
    Producción: Estados Unidos, 2014
    Dirección: Jon Stewart
    Guión: Jon Stewart, en base al libro Then They Came for Me: A Family’s Story of Love, Captivity, and Survival, de Maziar Bahari y Aimee Molloy.
    Fotografía: Bobby Bukowski
    Música: Howard Shore
    Con: Gael García Bernal (Maziar Bahari), Shohreh Aghdashloo (Moloojoon), Kim Bodnia (Rosewater), Jason Jones, Dimitri Leonidas (Davood), Haluk Bilginer, Claire Foy.
    23 DE MAYO DE 2019
    Remember (Canadá, 2015) del director de origen armenio Atom Egoyan, cuenta la historia de Zev (Christopher Plummer) que vive en un asilo. Es un sobreviviente Auschwitz y ahora tiene principios de Alzheimer. A la muerte de su esposa Ruth se ha comprometido que va a matar al nazi que exterminó a su familia.
    Un anciano, también judío, le recuerda de su promesa. Le escribe todas las instrucciones de lo que debe de hacer, para encontrar a Rudy, el asesino, que vive como ellos en Estados Unidos. En su búsqueda se encuentra con personas del mismo nombre, pero que no son el criminal. En su recorrido se mantiene en contacto con su compañero del asilo.
    Un día, por fin, se encuentra con el verdadero Rudy. Saca la pistola para matarlo. Se desencadenan una serie de acontecimientos que descubren la realidad. A quien va a matar sí es un nazi de Auschwitz, que marcó su brazo con un número como judío, para salvarse, pero que no es Rudy sino un compañero de éste.
    El verdadero Rudy es el mismo Zev. El Alzheimer le ha hecho perder la memoria y se cree el papel que ha representado toda su vida. El compañero de Zev en el asilo, éste sí judío, se vale de la pérdida de la memoria de éste para vengar a sus familiares asesinados. Zev, el verdadero Rudy, toma conciencia momentánea de la realidad y mata a su compañero en Auschwitz y luego se suicida.
    La crítica reconoce la actuación de Plummer. Y es dura contra la película. Se argumenta que la historia no es verosímil y que banaliza al Holocausto. A mí me pareció interesante. Hay situaciones que son poco creíbles, pero que no invalidan el conjunto. La escena final es totalmente inesperada. No hay ningún elemento de la película que conduzca a ella. En distintos festivales estuvo nominada a muchos premios.
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    Remember
    Título original: Remember
    Producción: Canadá, 2015
     Dirección: Atom Egoyan
    Guión: Benjamín August
    Fotografía: Paul Sarossy
    Música: Mychael Danna
    Con: Christopher Plummer, Dean Norris, Martín Landau, Henry Czerny, Bruno Ganz ….
    16 DE MAYO DE 2019
    El director alemán David Wendt crea la película Él ha vuelto (Alemania, 2015). Él también hace el guion con base a una novela de Timur Vermes que tuvo mucho éxito.
    En 2014, Adolf Hitler (Oscar Masucci) se despierta en Berlín. No se acuerda de lo que sucedió en la guerra. Él, sin casa y recursos, comienza a conocer la Alemania del siglo XXI y a interpretar, desde su perspectiva nazi, lo que ocurre en el país.
    Todos piensan que se trata solo de un imitador. En la televisión se convierte en un personaje y tiene un gran éxito. Hay sectores de la población que se identifican con él y lo que piensa. El nazismo está latente en la sociedad.
    Es una película de humor negro que plantea en formato de falso documental, a la manera de Borat, qué pasaría si hoy Hitler volviera a Alemania. En momentos la sátira es muy efectiva, pero en otros no.
    Hay una clara crítica a la sociedad y sus impulsos conservadores, a los medios dispuestos a poner en pantalla cualquier cosa, incluso a Hitler, si con ello elevan las audiencias.
    La película me produjo sentimientos encontrados. Se puede ver en Netflix. La vi en la Cineteca. En 2015, tuvo cinco nominaciones en el Premio de Cine Alemán, que incluye mejor película y dirección.
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    Él ha vuelto 
    Título original: Er ist wieder da
    Producción: Alemania, 2015
    Dirección: David Wendt
    Guion: David Wendt, con base en una novela de Timur Vermes
    Fotografía: Hanno Lentz
    Música: Enis Rotthoff
    Con: Oliver Masucci, Faban Busch, Christoph María Herbst, Katja Riemann, Franzika Wulf, Lars Rudolph, Michael Kessler.
    09 DE MAYO DE 2019
    La gran apuesta (Estados Unidos, 2015) es una película del director estadounidense Adam McKay que, junto con Chales Randolph, construyen el guion a partir del libro escrito por el periodista económico Michael Lewis, La gran apuesta: Dentro de la máquina del Juicio Final.
    El texto narra como a principios de 2008 cuatro financieros, que no se mueven en las alturas de Wall Street predicen, cada uno por su cuenta, antes que nadie, que el sistema financiero norteamericano va a reventar a partir del problema que se crea con las hipotecas.
    Los cuatro financieros son Michael Burry (Christian Bale), que es el único que en la película conserva su nombre real; Mark Baum, que se basa en la historia de Steve Eisman (Steve Carell); Jared Vennett, que en la vida real es Greg Lippmann (Ryan Gosling) y Ben Rickert, que se llama Ben Hockett (Brad Pitt).
    La película reconstruye cómo y porqué se produjo la caída del mercado hipotecario estadounidense. Los bancos propiciaron la crisis. Al inicio de la película hay una cita de Mark Twain: “Lo que nos crea problemas no es lo que no sabemos, es lo que sabemos con certeza y no es así”. Que sintetiza la tesis del argumento. El exceso de confianza y la arrogancia, de todos los que piensan que saben lo que hacen, es lo que conduce al colapso hipotecario y financiero.
    Los cuatro financieros marginales al gran sistema financiero tienen motivaciones diferentes. Unos quieren golpear al sistema y otros aprovecharse de él. Los cuatro, aunque en un momento están a punto de perderlo todo, terminan por enriquecerse producto de la situación que habían predicho. Para uno de ellos hacerse del dinero es contradictorio con su visión del sistema, pero termina por ceder.
    La película aborda un tema complejo de gran importancia y lo hace muy bien. Es una aguda crítica al sistema financiero de Estados Unidos y al gobierno que permitió las cosas sucedieran. A pesar de la agilidad de la película y del esfuerzo de simplificar la problemática financiera hay momentos que no terminé de entender todas las explicaciones.
    Las actuaciones son buenas y el juego de imágenes la hace muy atractiva. La cámara juega con libertad y se mueve de un lado a otro. El inserto en pantalla de frases y textos funciona muy bien. En 2016, la película fue nominada a cinco premios Oscar, por mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor guion adaptado y mejor montaje.
     
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    La gran apuesta
    Título original: The big short
    Producción: Estados Unidos, 2015.
    Dirección: Adam McKay
    Guion: Adam McKay y Charles Randolph, sobre un libro de Michael Lewis.
    Fotografía: Barry Ackroyd
    Música: Nicholas Britell
    Con: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, John Magaro, Finn Wittrock, Brad Pitt.
    02 DE MAYO DE 2019
    La novela Still Alice (2007) de la neurocientífica Lisa Genova es la base del guión de Siempre Alice (Estados Unidos, 2014) de los directores Wash Westmoreland y Richard Glatzer.
    Glatzer padece la enfermedad neurodegenerativa conocida como ALS (Esclerosis Lateral Amiotrófica) que lo obligó a ver el estreno de su película desde una silla de ruedas.
    En la película Alice Howland (Julianne Moore) es una profesora de lingüística en la Universidad de Columbia. Tiene 50 años y descubre, con dolor y angustia, que tiene principios de Alzheimer.
    Está en el mejor momento de su carrera y vive feliz con su esposo John (Adam Baldwin), que también es científico y sus hijas Lidia (Kristen Stewart) y Anna (Kate Bosworth), y su hijo Tom (Hunter Parrish).
    La vida que lleva se ve rota, de pronto, por una enfermedad que no tiene remedio. Ella decide con plena conciencia hacer frente a su situación. Cada integrante de la familia asume esta realidad de manera distinta.
    Cada uno en la vida de todos los días convive con esa situación. Lidia, la hija menor, la que vive lejos y pelea con su madre, es al final quien deja su trabajo y se hace cargo de ella.
    La traducción literal sería “todavía Alicia”. Pienso que es un título más exacto. Mientras veía la película no pude dejar de pensar en mi mamá, que se llama Alicia, mi relación con ella y con su Alzheimer.
    Los directores tratan el tema con discreción y nunca caen en el melodrama. Describen lo que ocurre con Alice y su familia.
    La película gira en torno a la actuación de Julianne Moore. Su rostro “narra” la progresión del mal y proyecta todo tipo de sentimientos: sorpresa, preocupación, dolor, angustia, desesperación, tristeza y también el vacío.
    Me gustó mucho la actuación de Kristen Stewart, que hace el papel de Lidia la hija, le dé una gran profundidad a su personaje.
    En 2014, Moore gana el Oscar como mejor actriz y el mismo premio en los Globos de Oro y los BAFTA. Y otros muchos premios y reconocimientos por su actuación.
     
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    Siempre Alice
    Título original: Still Alice
    Producción: Estado Unidos, 2014
    Director: Wash Westmoreland y Richard Glatzer
    Guión: Wash Westmoreland y Richard Glatzer en base a la novela Still Alice(2007), de la neurocientífica Lisa Genova.
    Fotografía: Denis Lenoir
    Música: Ilan Eshkeri
    Con: Julianne Moore, Adam Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth y Hunter Parrish.
    25 DE ABRIL DE 2019
    En 2014, Alfonso Cuarón ganó el Óscar como mejor director por Gravity(Estados Unidos, 2013) y por la misma película ganaron sus Óscar Emmanuel Lubezki, como mejor fotografía; Steve Price como mejor banda sonora; Glenn Freemantle como mejor edición de sonido; Cuarón como mejor montaje, y también el equipo responsable de la mezcla de sonido y el equipo responsable de los efectos visuales.
    En la película dos astronautas, en una misión espacial de rutina, sufren un grave accidente y quedan flotando en el espacio. Uno es el veterano Matt Kowalsky (George Clooney) y la otra Ryan Stone (Sandra Bullock), brillante ingeniera que participa en su primera misión espacial. Mientras están en una actividad fuera de la nave una racha de basura espacial, que se desplaza a gran velocidad, golpea la estructura y la daña. Pierden contacto con el puesto de control en la tierra y solos deben agenciárselas, para regresar.
    En el esfuerzo de enfrentar su situación Matt cae al vacío y corta la cuerda que lo une a Ryan, para salvar la vida de ésta. Ahora, ella sola debe ingeniárselas con los elementos a su alcance para regresar a la tierra. Lucha, pero se cansa. Llega el momento que se rinde, pero Matt se le aparece en una visión y la anima, para seguir intentando el regreso, que al fin logra.
    Entre los críticos hay consenso de que visualmente la película es espectacular y también se reconoce el trabajo técnico con muchas innovaciones. Algún crítico plantea que con esta película Cuarón ha llegado a la “perfección del entretenimiento audiovisual”, que consigue la total inmersión del espectador en el espacio, arrancándolo de la butaca y poniéndolo en órbita alrededor de nuestro planeta. Algunos críticos especializados señalan que la película se la juega todo por la carta del “impacto visual”, pero que no tiene más.
    En la película de Cuarón otros críticos especializados reconocen otras muchas virtudes. El guión estuvo nominado al Óscar. Algún crítico plantea que existen “películas que te entran por los ojos, otras por el cerebro y algunas que te tocan el corazón. Gravity es el perfecto ejemplo de que se pueden conseguir las tres cosas”.
    El manejo de Cuarón permite, dicen algunos críticos, que el espectador abandone la condición de quien ve, para pasar a ser parte de la película que sufre y se alegra de lo que sucede a la astronauta Ryan. Las imágenes de la fotografía de Lubezki son extraordinarias y perturbadoras.
    Hay consenso en que la música de Steven Price se integra de manera total a la película. Se reconoce también la labor de integración que el director, como gran concertador, hace de los elementos que constituyen la totalidad de la obra. Hay críticos que plantean estamos frente a una obra de arte y que la película está destinada a marcar una época y que pronto se convertirá en un clásico. Ya lo es.
    La película se puede ver en 3D y en versión normal. A mí me gustó y dijo mucho. Están los aspectos técnicos, que son notables, y la creación de imágenes únicas en el trabajo excepcional de Lubezki. Pero, más allá de eso, entendí que el tema central de Cuarón es mostrar que si uno se lo propone es posible siempre superar la mayor de las adversidades. La idea me pareció bien tratada. La narración es afectiva, pero no melodramática. Pienso que es una gran película y que Cuarón realiza un gran trabajo como director quien es el que articula todas las partes.
    Además de los Óscar la película ganó otros muchos premios entre ellos: Premios Globos de Oro 2014 a Alfonso Cuarón como mejor director; Premios BAFTA 2014 a Alfonso Cuarón como mejor director; a Steve Price como mejor banda sonora; al equipo de efectos especiales; al equipo de mezcla de sonido; a la mejor película británica (Cuarón vive y trabaja en Londres).
    ****
    Gravity
    Producción: Estados Unidos, 2013
    Director: Alfonso Cuarón
    Guión: Alfonso y Jonás Cuarón
    Fotografía: Emmanuel Lubezki
    Música: Steven Price
    Con: George Clooney, Sandra Bullock
    11 DE ABRIL DE 2019
    El pescador y su mujer (Alemania, 2005) es una película de la directora alemana Doris Dörrie, que también escribe el guión tomando como inspiración un cuento de los hermanos Grimm que tiene el mismo nombre.
    Dos amigos que se dedican al negocio de los peces raros, viajan por Japón en busca de ejemplares, para vender a coleccionistas alemanes.
    Ahí ellos se encuentran con Ida, una joven alemana (Alexandra Maria Lara) que viaja de mochilera. Ella y Otto, uno de los amigos (Christian Ulmen), se enamoran y deciden, de improviso, casarse.
    Él en Alemania lleva una vida sencilla y no tiene grandes aspiraciones. Ella, en cambio, sueña con ser una gran diseñadora y ser reconocida, por su trabajo.
    La relación marcha bien. Tienen un hijo y él se hace cargo de la casa y la crianza del niño mientras ella se dedica al diseño de vestidos. Ida triunfa en lo que se ha propuesto.
    En la vida de todos los días chocan dos concepciones de la vida y de cómo ser felices. La relación entra en crisis y se separan.
    Después de un tiempo Otto busca a Ida, para proponerle iniciar de nuevo. Ella acepta y reinician su relación en la idea de la vida que tiene Otto.
    A la manera de un coro griego, una pareja de pescados en una pecera, que antes fueron personas, comentan las peripecias de la relación de Ida y Otto.
    La película es una crítica divertida de la relación de pareja, de la sociedad de consumo, de la mujer que triunfa, pero asume las actitudes de los hombres.
    La crítica ante la película reaccionó de manera dividida, para algunos es un trabajo burdo y simple, pero para otros es un trabajo fresco y original.
    A mí la primera parte me pareció divertida y novedosa en la manera de enfrentar la historia, pero luego la película cae en lugares comunes.
    ***
    El pescador y su mujer
    Título original: Der fischer und seine frau
    Producción: Alemania, 2005
    Director: Doris Dörrie
    Guión: Doris Dörrie, en base al cuento del mismo nombre de los hermanos Grimm
    Fotografía: Raines Klausmann
    Con: Alexandra Maria Lara, Christian Ulmen, Simon Verhoeven, Young-Shin Kim, Eva Cgristian, Valentin Platareanu, Ulrike Kriener, Lena März
    28 DE MARZO DE 2019
    El código enigma (Gran Bretaña, 2014) del director Morten Tyldum es un aborde a la vida del matemático británico Alan Turing (Benedict Cumberbatch) quien dirige al equipo británico que descifra los códigos secretos nazis durante la II Guerra Mundial (1939-1945).
    Su descubrimiento fue determinante en el resultado de la guerra. En 1952, Turing, que era homosexual, tiene una relación que descubren las autoridades. Es juzgado judicialmente por ese hecho y le dan la opción de ir a la cárcel o la castración química. Opta por esta posibilidad y dos años después se suicida.
    Es una película hecha para que resulte interesante a los grandes públicos. La estructura es convencional y esquemática donde unos hacen el papel de buenos y otros de malos. En ese marco la película se propone hacer un reconocimiento a Turing, al que se idealiza, y también denunciar a la Gran Bretaña conservadora y homofóbica de los años cincuenta.
    El guión de Graham Moore, sobre un libro de Andrew Hodges, es muy importante en el desarrollo de la película. El acontecimiento y al personaje los desconocía. Me resultó algo nuevo e interesante. La historia que cuenta la película no sé que tan apegada esté a lo que realmente sucedió. Me plantea inquietudes y muchas preguntas.
    En 2014 fue nominada a ocho premios Oscar, a cinco Globos de Oro y a nueve Premios BAFTA. No ganó ninguno. En el Festival de Toronto se hace acreedora al premio a la mejor película.
    ***
    El código enigma
    Título original: The imitation games
    Producción: Gran Bretaña, 2014
    Director: Morten Tyldum
    Guión: Graham Moore, sobre un libro de Andrew Hodges
    Fotografía: Óscar Faura
    Música: Alexander Desplat
    Con: Benedict Cumberbatch, Keira Knightley, Mark Strong, Charles Dance, Matthew Goode, Matthew Beard, Allen Leech, Tuppence Middleton, Rory Kinnear, Tom Goodman-Hill, Hannah Flynn, Steven Waddington, Alex Lawther, Jack Bannon, James Northcote, Ancuta Breaban, Victoria Wicks.
    21 DE MARZO DE 2019
    En La Vida de Adèle (Francia, 2013) del director franco-tunecino Abdellatif Kechiche narra de forma admirable diez años en la vida de Adèle (Adèle Exarchopoulos), de los 15 a los 25. Es un aborde intimista, que penetra en los sentimientos más profundos del ser humano. El relato se adentra en la complejidad de las emociones más íntimas. De manera creíble nos presenta lo que sienten sus personajes: el amor, la soledad, la alegría, la amistad y el dolor. La narración visual y verbal es precisa y directa.
    Adèle a sus 15 años vive como todas sus compañeras del colegio. En ese mundo tiene su primera relación sexual con un compañero de la escuela. A pesar de eso empieza a dudar de sus preferencias sexuales. En un bar de lesbianas conoce a Emma (Léa Seydoux) que estudia arte en la universidad. Adèle se enamora de ella y se ve obligada a enfrentar los convencionalismos propios de su entorno social.
    La dos deciden vivir una relación de pareja, pasan los años y Emma se convierte en una pintora y Adèle estudia para educadora y trabaja en un kínder. Ella juega el papel de ama de casa mientras que Emma es la artista y empresaria que empieza a destacar. En ocasiones Emma le dice a Adèle que estudie otra cosa, para que se realice, pero ella le asegura que está contenta con su trabajo. Son dos mundos distintos que conviven. Adèle se siente sola en la casa, mientras que Emma está llena de compromisos y actividades.
    Adèle busca resolver su soledad en una relación heterosexual, que no tiene mayor importancia. Emma se da cuenta y rompe con Adèle, que queda destrozada. Ama a Emma y no quiere que la relación termine. En realidad la relación ya está agotada. Cada quien camina por rutas diferentes. La pintora establece una nueva relación de pareja con una amiga con la que antes había vivido y alcanza el éxito profesional. Adèle sigue con su trabajo de maestra y no establece una nueva relación. Continúa fijada en su relación con Emma. A los años se encuentran. Adèle quiere volver, pero Emma le dice que no es posible.
    En la película juega un papel central la relación sexual entre las dos protagonistas. Las escenas son largas y con sexo muy explícito. Algún crítico las califica de “perturbadoras”. Lo son. Entre los críticos hay acuerdo al señalar que estas escenas son las más explícitas que se hayan presentado en el cine. Uno plantea que “las actrices tienen que poseer una confianza ciega en su director, para que no las haya frenado el pudor”. La actuación de Adèle Exarchopoulos y Léa Seydoux es extraordinaria. Sin ella la película no sería lo que es. Exarchopoulos logra transmitir con los gestos de su cara y sus ojos los sentimientos más íntimos y sutiles.
    En 2014, obtuvo la Palma de Oro en el Festival de Cannes como mejor película.
     
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    La vida de Adèle
    Título original: La vie d’Adele
    Producción: Francia, 2013
    Director: Abdellatif Kechiche
    Guión: Abdellatif Kechiche y Ghalya Lacroix, con base a la novela visual de Julie Maroh
    Fotografía: Sofian El Fani
    Con: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim kechiouche, Mona Walravens
    14 DE MARZO DE 2019
    La mujer honorable (The honourable woman) (Reino Unido, 2014) es una serie de ocho capítulos de la BBC, dirigida por Hugo Blick, quien también escribe el guión, donde se narra la historia de Nessa Stein (Maggie Gyllenhaal) y su hermano Ephra Stein (Andrew Buchan), judíos ingleses, herederos de la industria de armas que fundó su padre, fiel aliado del Estado de Israel.
    Ellos transforman la empresa que ahora se dedica a las telecomunicaciones. Deciden, entonces, actuar como una instancia de encuentro entre israelitas y palestinos, para abonar a la reconciliación de ambas naciones.
    En un viaje a territorios palestinos Nessa es secuestrada, junto con Atika Halibi (Lubna Azabal), su guía y traductora. Ephra se ve obligado a negociar su liberación, sin que ésta lo sepa. Ella es violada en el cautiverio y obligada a tener al hijo. De regreso a la Gran Bretaña se dice que el niño es de Atika. Nessa se hace cargo de la dirección de la empresa y Ephra de la fundación familiar.
    Los hermanos Stein, como parte de su esfuerzo, instalan en los territorios palestinos una red de Internet y promueven la educación. Los servicios de inteligencia de Israel, Estados Unidos y Gran Bretaña dan seguimiento al proyecto y tratan de aprovecharse de él. Hugh Hayden-Hoyle (Stephen Rea) trabaja para la inteligencia británica y está al tanto de lo que hacen los otros servicios de inteligencia.
    El argumento y las escenas son fuertes y violentas. La estructura fragmentada de los capítulos contribuye a crear una atmósfera de misterio y desconfianza. La tensión es permanente y la duda siempre está sembrada. Se está a la espera del momento en que se pueda conocer la verdad. El humor cínico, muy inglés, está presente en todos los capítulos. La estructura de los mismos es compleja y alude de manera abierta al actual conflicto palestino-israelí, pero va más allá. Penetra en problemas presentes de la condición humana de hoy, de ayer y de siempre.
    La actuación de todos los protagonistas es buena. Es notable la de Maggie Gyllenhaal en el papel de Nessa. Ella es al mismo tiempo una mujer fuerte, poderosa, pero también débil e insegura. La de Stephen Rea, como el inspector Hugh, es extraordinaria. El personaje que más me gustó. Resulta entrañable. Es la versión del hombre bueno en la realidad compleja del mundo de hoy.
    La música de Martin Phipps colabora al ambiente de suspenso y misterio. La fotografía permite la filtración de la luz y la oscuridad como metáfora de la propia realidad. La serie me impactó. Es un gran ejemplo de la buena televisión. En 2015 obtuvo diversos premios como mejor miniserie, mejor actriz y mejor actor de miniseries.
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    La mujer honorable
    Título original: The honourable woman
    Producción: Reino Unido, 2014
    Director: Hugo Blick
    Guión: Hugo Blick
    Fotografía: Zac Nicholson y George Steel
    Música: Martin Phipps
    Con: Maggie Gyllenhaal, Stephen Rea, Lubna Azabal, Andrew Buchan, Kathrine Parkinsosn, Lindsay Duncan
    07 DE MARZO DE 2019
    En Ella (Estados Unidos, 2013) del director Spike Jonze, que también escribe el guión, Theodore (Joaquín Phoenix) se desempeña como redactor de cartas de una empresa que las ofrece a los clientes que se las solicitan. Escribe de todo, pero sobre todo de amor.
    Lleva una vida solitaria y rutinaria que todos los días lo conduce de la casa a la oficina y viceversa. Es aficionado a las nuevas tecnologías e instala en su computadora el nuevo sistema operativo inteligente Siri. Éste le ofrece la posibilidad de elegir con quien quiere platicar y opta por una mujer. Así aparece la voz sensual de Samantha (Scarlett Johansson), mujer virtual que le hace compañía.
    La inteligencia artificial del sistema funciona cada vez mejor, se “acerca” más a la persona que lo opera en la medida que se interactúe con él. El sistema se hace cada vez más “real” a partir de la cantidad de información que se le dé. Así, la sensual voz de la mujer del sistema puede cada vez hacer preguntas más íntimas y pertinentes. En ese ejercicio el hombre de carne y hueso y “esa” mujer se enamoran.
    ¿Ciencia ficción o una posibilidad que ofrece la nueva tecnología? Para Theodore la soledad, el estar en la casa solo con la compañía de la computadora, deja de ser un problema, para convertirse en una forma de estar y ser. A él se le presenta la disyuntiva entre la vida real y la virtual. Puede elegir. Es su decisión que necesariamente conlleva la “solución” de su soledad resuelta en el “diálogo” con Samantha.
    La soledad es el tema y el actor central de la película. Theodore la trata de resolver a través de las posibilidades que le brinda la tecnología, pero sólo es una apariencia. Él sigue solo. Es capaz de interactuar con la máquina, pero no con la gente de verdad. La tecnología no es capaz de resolver ese problema. La actuación de Phoenix es muy buena.
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    Ella    
    Título original: Her    
    Producción: Estado Unidos, 2013
    Director: Spike Jonze  
    Guión: Spike Jonze
    Fotografía: Hoyte Van Hoytema
    Música: Arcade Fire
    Con: Joaquín Phoenix, Amy Adams, Scarlett Johansson, Rooney Mara …
    28 DE FEBRERO DE 2019
    En Nebraska (Estados Unidos, 2013), la película dirigida por Alexander Payne, Woody (Bruce Dern) es un anciano que está seguro de haber ganado un millón de dólares. Es un truco común que utilizan algunas revistas, pero él está convencido, tienen el papel en la mano que le asegura es cierto.
    Un día Woody se escapa de la casa en busca del premio y sus hijos lo tienen que ir a buscar. Su hijo David (Will Forte) decide llevarlo a Lincoln, Nebraska, donde le imprime la revista, para que se enfrente a la realidad y ya no intente escapar.
    El viaje resulta una aventura. En el camino el carro se descompone y David decide ir al pueblo donde nacieron sus padres, donde todavía vive un hermano de Woody con su familia, para pasar el fin de semana y el lunes emprender el viaje otra vez.
    Kate (June Squibb), la mujer de Woody, y Ross (Bob Odenkirk), el otro hijo, aprovechan para viajar al pueblo y ahí reunirse con la familia a la que no han visto en años.
    Woody platica a sus parientes y viejos amigos que va a recoger el premio de un millón de dólares. David los trata de convencer que es una mentira, pero no le creen.
    El director cuenta la historia de manera directa y desencarnada a través de los hechos. En la pantalla aparecen personas de carne y hueso con virtudes y miserias.
    Es un retrato fiel de la vida cotidiana en una pequeña población agrícola en los Estados Unidos y el drama que esto supone en un mundo que ya cambió. Es vida destinada a acabarse.
    La historia y los personajes están bien caracterizados y son creíbles. Todo el elenco, en particular Dern y Squibb, están muy bien.
    Algunos críticos dicen que a sus 85 años Squibb hace el mejor papel de su carrera. La crítica es unánime en el elogio al trabajo de Dern.
    Lo que más me impresiona de la película es que nadie parece actor y más bien uno se queda con la idea de que se filma la historia de una familia con los personajes que la integran.
    En 2014 en el Festival de Cannes, Bruce Dern ganó el premio como mejor actor. La película fue nominada en muchos capítulos en todos los grandes festivales del mundo, pero no ganó.
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    Nebraska    
    Título original: Nebraska
    Producción: Estado Unidos, 2013
    Director: Alexander Payne
    Guión: Bob Nelson
    Fotografía: Phedon Papamichael
    Música: Mark Orton
    Con: Bruce Dern, Will Forte, June Squibb, Bob Odenkirk, Stacy Keach, Mary Louise Wilson, Missy Doty, Angela McEwean
    21 DE FEBRERO DE 2019
    Steven Spielberg dirige The Post (Estados Unidos, 2017), donde reconstruye la historia de la filtración de los documentos secretos en poder del Pentágono que daban cuenta de que la guerra de Vietnam estaba perdida y de las acciones del gobierno, para impedir que esos documentos salieran a la luz pública.
    Los documentos se producen en cuatro de las presidencias de Estados Unidos; son las décadas de 1960 y 1970, mientras ocurre la guerra contra los insurgentes vietnamitas. Daniel Ellsberg, un funcionario que tiene acceso a los documentos, decide sustraerlos y darlos a la prensa, para que toda la gente se entere de lo que está pasando en Vietnam.
    Spielberg trata al funcionario, que para el gobierno y los círculos más conservadores es un traidor, como un héroe. Un hombre responsable que se juega todo, para evitar que el gobierno siga mintiendo y continúe una guerra absurda que para entonces ya había provocado la muerte de más de dos millones de vietnamitas y 50 mil soldados estadounidenses.
    La otra parte de la historia, que es la central, es la lucha por la libertad de prensa que libran Kay Graham (Meryl Streep), la dueña del The Washington Post, y Ben Bradlee (Tom Hanks), su director. En un principio es The New York Times quien inicia la publicación de los documentos secretos y una orden judicial le impide que lo siga haciendo.
    El informante hace, entonces, llegar los documentos a The Washington Post. ¿Los deben publicar y hacer frente a toda la presión que pueda venir del gobierno? Bradlee, el director, está seguro que los documentos se deben publicar, pero Graham, la dueña, duda. Él con su equipo trabaja con los documentos para publicar, mientras ella discute con los accionistas y los abogados.
    Ella, una conservadora y cercana al grupo en el poder, contra todo lo que se podía esperar, decide que los documentos se publiquen. Antes se encuentra con el secretario de la Defensa, Robert McNamara (Bruce Greenwood), su amigo personal, para cuestionarlo por haber escondido la verdad sobre Vietnam y decirle que The Post va a publicar los documentos.
    Spielberg sobre este acontecimiento de la historia de los Estados Unidos hace una poderosa narración que va de la gran política, que implica la denuncia a los gobiernos de los Estados Unidos implicados en la guerra de Vietnam, al drama personal de los distintos actores implicados en este episodio. La película me resultó muy interesante.
    En 2017 fue elegida por el National Board of Review como la mejor película del año y nombrada por la revista Time y el American Film Institute como una de las diez mejores películas de 2017. ?En ese mismo año la película recibió muchos premios y nominaciones, entre ellas la de los Premios Globo de Oro y al Oscar en las categorías de mejor película y mejor actriz.
    ***
    En 1983, a Daniel Ellsberg, el funcionario que trabajaba en el Pentágono que filtra los documentos, lo entrevisté en Managua. La conversación giró en torno al apoyo que el gobierno de Estados Unidos daba al Ejército de El Salvador en la guerra contra la guerrilla del FMLN.
    ***
    La historia: El 13 de junio de 1971, The New York Times publica en primera página el artículo “Archivo de Vietnam: rastros del estudio del Pentágono”, firmado por Neil Sheehan, el autor. Se revelan los detalles de un exhaustivo informe sobre la intervención de Estados Unidos en la guerra de Vietnam que había solicitado Robert McNamara, que fue secretario de Defensa de los presidentes John F. Kennedy y Lyndon B. J. El reporte contenía 3,000 páginas de análisis y 4,000 de anexos. El texto dice, entre otras cosas, que a pesar de que se sabía que la victoria era imposible, los presidentes seguían enviando a soldados estadounidenses al campo de batalla.
    El 2 de marzo de 1971 los papeles llegan a manos de The New York Timesque le son entregados por Daniel Ellsberg, un analista militar civil descontento con la actitud del gobierno ante la guerra. El editor del periódico, Gerald Gold, reúne a varios periodistas en una habitación del Hotel Hilton en Nueva York, para leer el informe y redactar la nota con los datos de la filtración. Se sabe que son documentos secretos y hay una discusión entre los abogados y los editores. La decisión es publicar la nota que sacudió a todo el país. El fiscal general de los Estados Unidos, John N. Mitchell, expide un telegrama donde exige al periódico que suspenda la divulgación de los documentos, porque se está violando una ley sobre revelación de secretos del gobierno. El periódico deja de publicar las notas.
    El director de The Washington Post, Ben Bradlee, ve que ellos pueden continuar con la tarea de publicar la historia. Bradlee se enfrenta a un problema con la publicación. Por esos días, el diario comenzaba la venta de sus acciones en el mercado, por lo que un problema con el gobierno podría significar una caída en sus ventas y por ello debe obtener el permiso de la editora del Post, Katharine Graham, para publicar. Graham, quien asume la conducción del periódico a la muerte de su marido, Phil Graham, que se suicida. En 1972, ella ya tenía ocho años al frente de The Post. Después de la publicación la Suprema Corte emite una sentencia en el sentido de que los documentos pueden y deben ser publicados.
    ***
    The Post: los secretos del Pentágono
    Título Original: The Post
    Producción: Estados Unidos, 2017
    Director: Steven Spielberg
    Guión: Liz Hannah y Jesse Plemons
    Fotogarfía: Janusz Kaminski
    Música: John Williams
    Con: Meryl Streep, Tom Hanks, Sarah Paulson, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Bradley Whitford, Bruce Greenwood …
    Meryl Streep como Katharine Graham
    Tom Hanks como Ben Bradlee
    Sarah Paulson como Antoinette “Tony” Pinchot Bradlee
    Bob Odenkirk como Ben Bagdikian
    Tracy Letts como Fritz Beebe
    Bradley Whitford como Arthur Parsons
    Bruce Greenwood como Robert McNamara
    Carrie Coon como Meg Greenfield
    Matthew Rhys como Daniel Ellsberg
    Alison Brie como Lally Graham
    Jesse Plemons como Roger Clark
    David Cross como Howard Simons
    Zach Wood como Anthony Essaye
    Pat Healy como Phil Geyelin
    Michael Stuhlbarg como Abe Rosenthal
    Jessie Mueller como Judith Martin
    Stark Sands como Don Graham
    Neal Huff como Tommy Winship
    14 DE FEBRERO DE 2019
    La sal de la tierra (Brasil, Italia y Francia, 2014) es un documental sobre la vida y la obra del fotógrafo brasileño Sebastião Salgado. Su hijo Juliano y el cineasta alemán Wim Wenders comparten su mirada sobre éste artista.
    En los últimos 40 años Salgado ha viajado por los cinco continentes y ha sido testigo de grandes acontecimientos que han marcado la historia reciente: guerras, hambrunas y éxodos.
    Ha dado también cuenta de la situación en la que viven las poblaciones menos favorecidas en los territorios más pobres. Una década atrás, siempre con la misma calidad de su trabajo, cambió de tema y ahora viaja por el mundo en busca de territorios vírgenes, con grandiosos paisajes, en los que retrata la fauna y la flora.
    La película también aborda la historia personal y familiar. Su salida de Brasil, sus estudios de economía en Francia, su trabajo como funcionario internacional, para después dedicarse solo a la fotografía. El papel fundamental que ha jugado su compañera en el trabajo de fotógrafo. 
    El rescate y reforestación de la finca paterna, que es un modelo a nivel mundial. El hijo con síndrome de Down. Habla también de las relaciones que establece en sus viajes con las personas y comunidades con las que interactúa.
    La película se centra más en la obra y vida del artista, que en su vida más personal. Explica muy bien el proceso de creación y la concepción que Salgado tiene de la realidad y también de su trabajo. Es una obra muy bien hecha con poderosas imágenes. La narración visual y textual, esta última en voz de Salgado, fluyen.
    Mientras veía el documental me preguntaba: ¿Qué tanto es la obra de Wenders o de Ribeiro Salgado? ¿Es realmente de los dos? En todo caso Wenders, gran admirador de la obra de Salgado, le rinde homenaje.  
    En 2014 la película fue nominada al Oscar como mejor documental y en ese mismo año ganó el Premio César a mejor documental; en el Festival de Cannes, el Premio Especial del Jurado (“Un Certain Regard”), y en el Festival de San Sebastián el Premio del Público.
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    La sal de la tierra    
    Título original: The Salt of the Earth    
    Producción: Brasil, Italia y Francia, 2014 
    Director:  Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
    Guión: Wim Wenders y Juliano Ribeiro Salgado
    Fotografía: Hugo Barbier y Juliano Ribeiro Salgado
    Música: Laurent Petitgand
    07 DE FEBRERO DE 2019
    La película El club de los desahuciados (Estados Unidos, 2013), en inglés Dallas Buyers Club, del director Jean-Marc Vallée se basa en la historia real de Ron Woodroof (Matthew McConaughey).
    En 1985 a este electricista, que es drogadicto y le gusta apostar en el rodeo, le descubren que tiene SIDA. En el hospital de Dallas le pronostican 30 días de vida.
    Él no acepta lo que le dicen los médicos. No quiere morir y por su cuenta empieza a investigar sobre la enfermedad.
    En una clínica de México, dirigida por un médico estadounidense que ha sido suspendido, ve que la AZT (azidotimidina) no produce los efectos que se dicen.
    Él sigue investigando y se autoreceta y empieza a conseguir y vender antivirales, que no están aprobados en Estados Unidos.
    Ron con la ayuda de la doctora Eve Saks (Jennifer Garner) y el enfermo transgénero Rayon (Jared Leto) empiezan a atender a otros enfermos.
    Para eso fundan Dallas Buyers Club (El Club de los compradores de Dallas). Los pacientes mejoran, pero las autoridades, en acuerdo con los laboratorios, los hostigan por usar medicamentos que no están reconocidos.
    Ron, de los 30 días que le pronostican, logra vivir otros siete años y ayudar a otros muchos que estaban en su situación.
    Hoy, más de 30 años después, la situación de las personas con SIDA y los tratamientos son bien distintos a los que se describen en la historia.
    En la historia se da cuenta precisa de la situación de aquel momento, de los prejuicios sociales, de la actitud de los laboratorios, de las autoridades y de la situación de los enfermos.
    La película se basa en un artículo publicado en 1992 en el The Dallas Morning News. El director a partir de ese reportaje construye la historia de Ron y la creación en 1988 del Club.
    Las actuaciones de McConaughey y Leto son muy buenas. El primero representa muchos papeles en la evolución que tiene Ron, que va del drogadicto al líder de personas con SIDA que buscan curarse. El transgénero que hace Leto es un personaje complejo y creíble.
    En 2012 McConaughey gana el Oscar como mejor actor y Leto como mejor actor de reparto. Y también gana por mejor maquillaje. En los Globos de Oro y en los premios del Sindicato de Actores, McConaughey gana el premio como mejor actor y Leto, mejor actor de reparto.
     
    El club de los desahuciados    
    Título original: Dallas buyers club  
    Producción: Estados Unidos, 2013
    Director: Jean-Marc Vallée
    Guión: Craig Boreten, Melisa Wallack
    Camarógrafo: Yves Bélarger
    Con: Matthew McConaughey, Jennifer Garner, Jared Leto, Craig Borten, Steve Zahn …
    31 DE ENERO DE 2019
    La película Foxcatcher (Estados Unidos, 2014) se basa en una historia real. En ella el director Bonnett Miller se adentra en la personalidad del multimillonario estadounidense John du Pont (Steve Carell), que quiso ser luchador olímpico, pero su madre Jeane (Vanessa Redgrave), una gran aficionada a los caballos, se lo impidió.
    Ahora él quiere ser reconocido como un promotor de la lucha y también entrenador. Es un hombre acomplejado y dominado por su madre. En 1984, en los Juegos Olímpicos de Los Ángeles, los hermanos Schultz, Mark (Channing Tatum) y Dave (Mark Ruffalo), ganan medallas de oro en sus respectivas categorías.
    Para los Juegos Olímpicos de 1988 en Seúl, Korea, du Pont invita a Mark para que se entrene en las instalaciones que ha construido en su rancho ubicado en Pennsylvania.
    Después negocia con la Federación de Lucha Olímpica de Estados Unidos, para que el equipo que participa en Seúl se entrene en su propiedad. Dave se incorpora al equipo como entrenador y se traslada con su familia.
    En 1987, Mark, que entrena en el rancho, gana el campeonato mundial en su categoría, pero pierde en la olimpiada. Éste abandona el rancho, pero Dave se queda. Argumenta que cuando niños siempre estuvieron cambiando de ciudad y ahora quiere que sus hijos crezcan en un mismo sitio.
    Él continúa su trabajo de entrenador en el equipo de lucha que financia du Pont. Un día éste se aparece en la casa que Dave tiene asignada en el rancho y sin más le dispara. Su esposa Nancy (Sienna Miller) pide ayuda. La policía detiene a du Pont, que es encarcelado por asesinato.
    La película está muy bien construida y en ella se da cuenta de la locura de du Pont y de las relaciones enfermizas que establece con todos, para el caso en particular con los hermanos Schultz.
    El director con mucho cuidado va tejiendo la trama en la que se va develando la personalidad de du Pont, pero también la de Mark, que se deja influenciar por éste y para poder liberarse rompe con él.
    Dave es una persona libre que no se deja influir por du Pont, aunque hace lo que éste le pide. Uno se queda con la idea de que du Pont lo mata porque nunca logra someterlo.
    Es una película densa, que ofrece un análisis psicológico sobre la locura. La actuación de Steve Carell, que caracteriza a John du Pont, es muy buena. En 2014, en el Festival de Cannes Miller obtuvo el premio a Mejor director.
    ***
    Foxcatcher   
    Título original: Foxcatcher
    Producción: Estado Unidos, 2014
    Director: Bonnett Miller
    Guión:E. Max Frye y Dan Futterman
    Camarógrafo: Grey Fraser
    Música: Ron Simonsen
    Con: Steve Carell, Channing Tatum, Mark Ruffalo, Sienna Miller, Vanessa Redgrave.
    2015
    Más allá de las colinas
    Título original: Dupa dealuri, en rumano, y Beyond the hills, en inglés.
    Producción: Rumanía-Francia, 2012
    Director: Cristian Mungui
    Guión: Cristian Mungui inspirado en textos de Tatiana Niculescu
    Fotografía: Oleg Mutu
    Música:
    Con: Cosmina Stratan, Cristina Flutur, Valeriu Andriuta, Dana Tapalaga, Catalina Harabagiu, Gina Tandura, Vica Agache, Nora Covali, Dionisie Vitcu, Ionut Ghinea
     
    El director rumano Cristian Mungui en Más allá de las Colinas (Rumanía-Francia, 2012) aborda la historia de dos amigas que en la infancia vivieron en un orfanato. Ellas, Voichi?a (Cosmina Stratan) y Alina (Cristina Flutur) se encuentran después de años.
    Voichita, al salir del orfanato, ingresa a un convento de la iglesia ortodoxa, y Alina emigra a Alemania. Regresa, para buscar a su amiga. Pretende que se vaya con ella, pero ésta se niega porque se siente bien en el convento. Voichita, solicita al pope superior del convento (Valeriu Andriuta), que admita a Alina a la vida religiosa.
    Alina, que no quiere regresar a Alemania sin Voichita, acepta quedarse. Se ve obligada a cumplir las reglas. Hay un estira y afloja entre las amigas. Una quiere convencer a la otra de que vuelva de regreso al “mundo” y la otra quiere que su amiga se aleje del “mundo” y viva una nueva vida.
    Alina tiene celos de su amiga y ataques de furia. Un día en uno de esos muere, por una sobredosis de una medicina que le da la médica. Al pope y a las religiosas las llevan ante las autoridades acusadas de asesinato.
    El guión se inspira en novelas de Tatiana Niculescu, que documentan el exorcismo de Tanacu, en el que un joven monje de un monasterio en Moldavia muere en 2005 después de un ritual de exorcismo.
    La historia de las amigas y de todas las integrantes del monasterio es muy dura, incluso violenta, y alcanza los niveles de la tragedia.
    Coincido con Carlos Boyero, crítico de El País, cuando sostiene que “lo que cuenta Mungiu es intenso y trágico, pero también espeso y fatigosamente repetitivo. (…) el problema es que su historia dura innecesariamente 150 minutos y a partir de la primera hora ese retrato del dolor y del paroxismo se te hace eterno”.
    “Es un duro y absorbente trabajo realista, situado en la Rumanía rural en pleno invierno, pero también tiene algo de la sombría magia de una antigua leyenda”, dice A. O. Scott, del The New York Times.
    Y Peter Travers, de Rolling Stone, asegura que “lo que parece como las hechuras de un sórdido espectáculo de horror acaba siendo una sutil y conmovedora exploración de lo sagrado y lo profano …”.
    El tono de la película es inquietante y a veces angustioso. Es la intensa tensión entre dos distintas visiones del mundo representadas por Alien y Voichita.
    En 2012 la película ganó en el Festival de Cannes el premio a Mejor guión y Mejor actriz (Cristina Flutur y Cosmina Stratany); en el Festival Internacional de Mar del Plata, a Mejor película, y en el Festival de Gijón, el Premio Especial del Jurado.
    2018
    El prodigio   
    Título original: Mao´s Last Dancer
    Producción: Australia, 2009
    Dirección: Bruce Berseford
    Guión: Jan Sardi, sobre la autobiografía de Li Cunxin.
    Música: Christopher Gordon
    Fotografía: Peter James
    Con: Chi Cao, Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Alice Parkinson, Shuangbao Wang, Cgengwu Guo, Wen Bin Huang, Aden Young, Madeleine Eastoe …
     
    Sinopsis: Se basa en hechos reales. Li Cunxin, de 11 años, es seleccionado, en el marco de un programa nacional de búsqueda de talento, para someterse a un intenso entrenamiento con miras a ser parte del Ballet Nacional de China. Él y su familia viven en una pequeña aldea campesina que tiene que dejar, para concentrase en un internado.
    Pasan los años y Li Cunxin supera las diversas pruebas y se convierte en un notable bailarín. En 1981 es seleccionado para una estadía en Estados Unidos como parte de un programa de intercambio cultural organizado por el director de ballet Ben Stevenson (Bruce Greenwood).
    Li Cunix se aloja en la casa de Stevenson. Descubre una forma de vida, para él totalmente ajena. Se enamora de una compañera de la compañía. Después de algunos meses y cuando tiene que regresar a China se niega a hacerlo y da lugar a un conflicto diplomático entre Estados Unidos y China.
    Muy pronto se separa de su esposa y en el país de acogida se convierte en una gran estrella del ballet. Después se casa con la primera bailarina de la compañía, que es su pareja de baile. Ella es australiana y en Australia fijan su residencia. Él y su familia siguen viviendo en ese país.
     
    Comentario: El personaje de Li Cunxin lo hace el bailarín Chi Cao, del Birmingham Royal Ballet, que fue elegido por el mismo Cunxin. Jan Sardi, el guionista, logra sintetizar y adaptar al cine, de manera coherente, la autobiografía del bailarín. Inicia en una comunidad campesina en la China de Mao en tiempos de la Revolución Cultural y termina con la revelación de una gran estrella del ballet.
    El director Bruce Beresford cuenta bien la historia. Las imágenes son muy buenas. Lo que se propone es dar a conocer la vida del bailarín, de la persona en concreto, sin abordar los temas políticos a los que necesariamente se tienen que hacer referencia, pero de manera lateral. Es una narración directa y efectiva. En momentos cae en estereotipos.
    2018
    Mr Turner  
    Título original: Mr Turner
    Producción: Gran Bretaña, Francia y Alemania, 2014
    Dirección: Mike Leigh
    Guión: Mike Leigh
    Música: Gary Yershon
    Fotografía: Dick Pope
    Con: Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Lesley Manville, Martin Savage
     
    Sinopsis: La película aborda los últimos 25 años en la vida del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851) (Timothy Spall), que en su tiempo fue celebrado y denostado por la opinión pública y la realeza.
    El tema central son sus relaciones personales con sus más cercanos: Su padre (Paul Jesson), su exesposa, sus hijas, su ama de llaves Hannah Danby (Dorothy Atkinson), su última pareja, Mary Somerville (Lesley Manville), y algunos de sus amigos.
    En su casa, donde tiene su estudio, vive con su padre y ama de llaves, con la que mantiene relaciones sexuales ocasionales. No soporta a quien fuera su mujer y no se hace responsable de sus hijas. Vive ensimismado y su estilo de relacionarse con los demás es hosco y distante.
    Con la dueña de una posada junto al mar, donde se hospeda para pintar, establece relación de pareja. Con ella se traslada a Chelsea donde vive de incógnito. En esa casa es donde muere.
    En la película se ve a Turner como un popular y anárquico miembro de la Real Academia de Arte. Sus contemporáneos son Friedrich, Wilkie, Haydon y Constable.
    Se recrea un momento conocido de la vida de Turner cuando se hace amarrar al mástil de un barco para tener la sensación de la tormenta y así, después, poder pintarla.
     
    Comentario: La película reconstruye las relaciones personales de Turner y solo de manera marginal aborda su pintura y el proceso creativo. Se ofrece un retrato de la personalidad del pintor y de su manera de actuar.
    Al tiempo se presenta una panorámica, detallada y precisa, de la sociedad inglesa de mitad del siglo XIX. Está muy bien caracterizada.
    La crítica reconoce el trabajo del director, como un gran orquestador, y por el mismo obtuvo nominaciones y premios en distintos festivales.
    La caracterización de los personajes tiene fuerza y son creíbles. Los diálogos pertinentes e inteligentes. Timoth Spall, en su papel de Turner, ganó el reconocimiento como mejor actor en distintos festivales.
    El trabajo de fotografía de Dick Pope es muy bueno, “copia” el estilo de Turner y ofrece tomas brumosas y crepusculares donde el ocre ocupa un lugar central. En los espacios interiores domina la luz que baña los cuerpos en movimiento.
    En la recreación del ambiente se cuidan los detalles. En ese trabajo destacan el diseño del vestuario, el maquillaje y la peluquería.
     
    Premios: Festival de Cannes 2014: Mejor actor, Timothy Spall; Festival de Sevilla de Cine Europeo 2014: Mejor dirección y mejor actor, Timothy Spall; National Board of Review 2014: Mejores Películas Independientes del Año; Círculo de Críticos de Nueva York 2015: Mejor actor, Timothy Spall; Premios del Cine Europeo 2014: Mejor actor europeo, Timothy Spall; Satellite Awards 2015: Mejor fotografía; Premios Oscar 2015: Nominada a Mejor fotografía, Mejor banda sonora, Mejor diseño de producción y Mejor vestuario; Premios BAFTA 2015: Nominada a mejor fotografía, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario y Mejor maquillaje y peluquería.
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