Cine y Teatro 1969 - 2018
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    Las tres luces  
    Título original: Der müde Tod
    Producción: Alemania, 1921
    Dirección: Fritz Lang
    Guión: Fritz Lang y Thea von Harbou
    Fotografía: Bruno Mondi, Erich Nitzschmann, Herman Saalfrank, Bruno Timm, Fritz Arno Wagner.
    Música: Giuseppe Becce
    Con: Erich Nitzschmann, Herrmann Saalfrank, Bruno Timm, Fritz Arno Wagner, Lil Dagover, Walter Janssen, Bernhard Goetzke, Rudolf Klein-Rogge, Hans Sternberg, Erich Pabst.
     
    Sinopsis: Una pareja de novios (él, Walter Janssen y ella, Lil Dagover) viajan en un carruaje de pasajeros al que se sube un personaje extraño (Bernhard Goetzke). Los tres llegan al mismo hotel. Al final del día los notables del pueblo se reúnen a tomar una copa. La pareja se acomoda en una mesa y en ella también se sienta el personaje extraño. Ella va a la cocina y cuando regresa a la mesa ya no están su novio ni el personaje. Pregunta a los notables y le dicen que se han ido. Lo busca por todos lados y termina por darse cuenta que ha muerto.
    El personaje, que es la muerte, le dice que está cansado de cumplir esa función, pero que él no ordena las muertes. Dios es el que decide. Él sólo ejecuta el mandato. Ella le suplica que devuelva la vida a su novio, pero le dice que no es posible. La novia insiste y la muerte decide ponerla a prueba. Le muestra tres velas (vidas) a punto de extinguirse. Si logra cambiar el curso de la historia y salvar alguna de esas vidas su recompensa será que su novio vuelva a la vida. Las historias de esas vidas tienen lugar en Bagdad, Venecia y China. Ella fracasa y muere. En ese momento se encuentra con su amado.


     


    Comentario: En la II Guerra Mundial se perdió esta película que es un clásico del cine mudo. Se reconstruye a partir de material que se conservó en cinco cinematecas del mundo. Es un buen ejemplo de lo mejor del expresionismo alemán. El personaje de la muerte es dramático. El contraste del blanco y el negro acentúa las expresiones de los personajes y también del entorno. Me gustó.
    La vi en 2016, en el marco de la Semana del Cine Alemán en México. En esa ocasión el grupo Cinema Domingo Orchestra la musicalizó en vivo. Fue hora y media de música continua. El grupo sonó muy bien. El bajista tocó de manera ininterrumpida. La combinación de imágenes y sonido está muy bien lograda. La música rica y diversa.
    En 1970, Lang dijo en una entrevista que le hicieron sobre la película que: “Douglas Fairbanks, el viejo, la compró por 8 mil dólares y copió todo, pero naturalmente cincuenta mil veces mejor, en El ladrón de Bagdad. Él tenía departamentos de trucajes. Tenían dinero. Nosotros teníamos que hacer todos los trucos por nosotros mismos, en la cámara, en el plató y nada en el laboratorio”.
    2017
    La la land  
    Título original: La la land
    Producción: Estados Unidos, 2016.
    Dirección: Damien Chazelle
    Guión: Damien Chazelle
    Fotografía: Linus Sandgren
    Música: Justin Hurwitz
    Con: Emma Stone, Ryan Gosling, John Legend, Rosemarie DeWitt.
     
    Sinopsis: Mia (Emma Stone) aspira a ser actriz y trabaja como camarera, para poder vivir y Sebastian (Ryan Gosling) es un pianista de jazz que quiere tocar lo que piensa, es bueno. Ellos se encuentran en una fiesta meses después de que corren a Sebastián de un bar por no tocar la música que se le pide. Ella ha fracasado en distintas audiciones.
    A la salida de la fiesta se topan y caminan juntos. Ella le muestra a él el lugar donde trabaja y Sebastián la lleva a un lugar donde tocan jazz y le platica de su pasión por esta música y la intención de abrir su propio bar. Días después van juntos al cine e inician una relación de pareja. Él comienza a tocar en un club de jazz y un amigo lo invita a que se incorpore a su banda con un ingreso fijo.
    Sebastián acepta la propuesta, aunque no es la música que quiere hacer. Mia sabe que él no está contento y le dice que no puede abandonar sus sueños. El estreno de la obra que presenta Mia es un fracaso. Sebastián no asiste por una sesión de fotos que había olvidado. Ella frustrada se regresa a la casa de sus padres en Nevada.
    Un director de casting que asistió a la obra de Mia llama, para invitarla a una audición. Sebastián maneja hasta Nevada, para convencer a Mia de que debe asistir a la misma. En el casting le piden a Mia que cante. Le va bien. Él la anima a seguir actuando. Se dicen que siempre van a estar juntos.
    Ella se convierte en una actriz famosa. Sus vidas van por distinto camino. Cinco años despúes Mia está casada y tiene una hija. Una noche, ella y su esposo entran a un bar de jazz. Mia se da cuenta que es el bar que Sebastián siempre quiso tener. Sus miradas se encuentran. Él, entonces, toca su tema de amor y los dos imaginan lo que podría haber sido su relación y que funcionaba tan bien. Mia al salir del bar sonríe a Sebastián.
     
    Comentario: Musical al estilo de la gran época de estos y también homenaje al género. Es una mezcla continua, un ir y venir, entre la nostalgia y la novedad. El director ofrece una propuesta original y no solo la repetición de lo ya hecho. Mia y Sebastián son personajes del pasado y al mismo tiempo del presente.
    Hay que luchar por lo que uno piensa que vale la pena. Lo hace Mia y también Sebastián. El resultado es diferente. Ella se convierte en una gran actriz y él en el dueño de un pequeño bar donde todas las noches hace lo que quiere; tocar la música que le gusta. Lo relevante es ser fiel a uno mismo. El resultado es lo de menos.
    En la historia está también presente la tensión, la lucha interna, la de siempre, entre el amor y la ambición. ¿Se vale la carrera a toda costa? Un crítico de The New York Times, a propósito de la película, dice que para los jóvenes de hoy el impulso a alcanzar el éxito es algo más realista y más romántico que la búsqueda del amor para siempre. El amor es contingente y el arte compromete. El director lo sabe y lo plasma en la película.
    La película es fantasía, comedia romántica y un musical. El director articula el esfuerzo de muchos y logra una cuidadosa y precisa construcción, muy compleja, que integra el movimiento de las coreografías seguidos por las cámaras, la música y las canciones, el vestuario, los escenarios y el color de los mismos.
    Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling son muy buenas. Son mejores actores que bailarines y cantantes. Expresan con soltura las distintas emociones que exigen sus papeles. Ellos son distintos a los grandes bailarines y cantantes de la gran época de los musicales, que no eran buenos actores dramáticos.
     
    Premios: En 2017 gana siete premios en The Golden Globe Awards; recibe once nominaciones en The British Academy Film Awards y gana cinco: Mejor película, mejor dirección, mejor actriz, mejor música y mejor fotografía; en los Óscar recibe 14 nominaciones y gana seis: Mejor director, mejor fotografía, mejor actriz, mejor historia original, mejor canción original (City of Stars) y mejor diseño de producción.
    2017
    La chica del tren
    Título original: The girl on the train
    Producción: Estados Unidos, 2016
    Dirección: Tate Taylor
    Guión: Erin Cressida con base a la novela homónima de Paula Hawkins
    Fotografía: Charoltte Bruus Christensen
    Música:  Danny Elfman
    Con: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Justin Theroux …
     
    Sinopsis: Rachel Watson (Emily Blunt), que es alcohólica, se separa de su esposo Tom Watson (Justin Theroux) cuando se entera que sale con Anna Boyd (Rebecca Ferguson). Después del divorcio se siente sola y deprimida. Ahora comparte departamento con una amiga. No tiene trabajo y pasa sus días a bordo de un tren. En sus viajes, imagina a una pareja perfecta representada por los vecinos de Tom, su exesposo, la de Scott (Luke Evans) y Megan Hipwell (Haley Bennett).
    Una mañana, desde la ventana del tren, cree ver que Megan, en el balcón, se besa con un hombre. La pareja perfecta no existe. Tiempo después se entera que ella ha desaparecido. Rachel se hace pasar por amiga de Megan y dice a Scott que la vio besándose con un hombre. Éste identifica al supuesto amante con su psiquiatra. Rachel se encuentra en un bar con otro viajero del tren. Le dice que una vez la siguió cuando se bajó del tren. La encontró inconsciente y golpeada, pero no se dejó ayudar.
    Rachel vuelve a ese lugar y ahora recuerda haber visto a Megan con Tom y también que su exmarido la golpea. Anna, ahora esposa de Tom, comienza a sospechar de él. Se encuentra con un celular con mensajes de voz que después comprueba son de Megan. La policía descubre su cadáver y el forense determina que estaba embarazada, pero no de su esposo, y tampoco de su psiquiatra. Scott, para la policía, se convierte en sospechoso del asesinato.
    Rachel, de manera accidental, se encuentra con Martha, la esposa del exjefe de Tom, y le pide disculpa por su comportamiento en la fiesta, que según su exmarido fue la causa de que lo corrieran del trabajo. Ella le dice que en esa fiesta no pasó nada y que Tom fue despedido por haber tenido sexo con compañeras de la oficina. Rachel, entonces, se da cuenta que él plantaba falsos recuerdos en su cabeza cuando estaba borracha.
    Ella reconstruye la escena y ahora sabe que Tom mató a Megan. De inmediato va a casa de Anna, para advertirle que está en peligro. En ese momento llega Tom y Rachel lo enfrenta. Éste la golpea y la deja inconsciente. Al recuperarse intenta escapar de la casa. Tom la alcanza y quiere estrangularla, pero ella se defiende. Él fuera de la casa la vuelve a atacar y ella le entierra un sacacorchos en el cuello. Anna observa todo desde la ventana, pero luego sale de la casa e introduce aún más el sacacorchos en el cuello de Tom, que muere. Anna confirma a la policía que Rachel mató a Tom en defensa propia.


     
    Comentario: El libro de la novela ha vendido 21 millones de ejemplares en el mundo. Hay diferencias claras entre la película y la novela. En lo que hay semejanza es en el intenso e inesperado final. La directora construye una historia llena de misterios que se sostienen todo el tiempo. A lo largo de dos horas va enseñado las piezas de un gran rompecabezas que después, ya al final, arma bien.


    La película está llena de drama y misterio. La historia logra que el espectador se mantenga atento e interesado. A lo largo de la narración, de manera intencional, hay muchos puntos que quedan sueltos, pero que después obtienen sentido y respuesta. En el transcurso de la película vemos el descubrimiento que Rachel hace de sí misma. Se hace consciente de la manipulación y la mentira a la que estuvo sujeta en los años de su matrimonio. Lo mejor es el final.
    Emily Blunt (Rachel) hace un papel complejo lleno de matices: el alcohol, la depresión, la descalificación personal, la duda, el desamor, la solidaridad con el otro y el coraje, para enfrentarse a un asesino. Están también Rebecca Ferguson (Anna) y Haley Bennett (Megan). La fotografía me gustó. No es una película para un premio en Cannes, pero sí una historia bien construida y muy entretenida.
    2017
    La última zambullida 
    Título original: A bigger splash
    Producción: Francia e Italia, 2015
    Dirección: Luca Guadagnino
    Guión: David Kajganich
    Fotografía: Yorick Le Saux
    Con: Tilda Swinton, Matthias Schoenaerts, Ralph Fiennes, Dakota Johnson, Corrado Guzzanti, Alessandro Ferrara, Davide Maddalena
     
    Sinopsis: Marianne Lane (Tilda Swinton), estrella de rock, y Paul, un documentalista, su actual pareja (Matthias Schoenaerts),       pasan vacaciones en la Isla de Pantelleria en Italia donde ella se recupera de la operación de una rodilla. Marianne ha perdido la voz y se comunica a señas. Su vida tranquila y rutinaria es interrumpida con la llegada de la expareja de la roquera, Harry Hawkes (Ralph Fiennes), promotor de música, y su hija Penélope (Dakota Johnson), de 22 años, que tuvo en un matrimonio anterior y que Marianne no conocía.
    Harry quiere que Marianne vuelva con él. Tiempo atrás, él se la presentó a Paul. Está ahí para tratar de convencerla que éste no le da nada y que es un personaje menor para ella, y que sería bueno para los dos retomar su relación. En el recorrido por el pueblo Marianne y Henry empiezan a acariciarse, la atracción está ahí y no se ha terminado, pero ella pone un alto. Le insiste que está contenta con Paul y que éste le da amor y tranquilidad. Que nunca va a regresar con él.
    Penélope, desde su llegada a la casa, intenta seducir a Paul. Él se mantiene a la distancia y no acepta la provocación. Un día que Harry y Marianne van a pueblo, Penélope la pide a Paul que la invite a conocer el lugar. Salen a pasear y en una laguna, ella se desnuda y se le ofrece. Tienen relaciones. Cuando regresan a casa ya están Marianne y Harry.
    Una noche Henry sale al pueblo y regresa borracho. En la terraza de la alberca está Paul. Ya en la alberca discuten y pelean. De manera accidental Harry se golpea y muere. Paul trata de resucitarlo, pero ya no puede hacer nada. De manera cuidadosa va a su recámara y se acuesta a un lado de Marianne. En la mañana la mujer que les ayuda encuentra el cuerpo de Harry. Avisan a la policía, que se hace presente. Marianne no sabe lo que pasó, pero sugiere que el asesino pudo ser un migrante de los que pasan por el lugar.
    Paul, en la investigación de la policía, se da cuenta que Penélope tiene solo 17 años. El detective encargado del caso no sospecha de que alguien de la casa haya matado a Harry. Marianne y Paul llevan a Penélope al aeropuerto. De regreso a su casa, un carro de la policía los sigue. Se detienen. Paul teme que vienen por él. El detective solo quiere que Marianne le autografíe un CD con sus canciones, él es uno de sus grandes admiradores.


     


    Comentario: La película es un remake de La Piscine, de 1969, un clásico del cine francés del director Jacques Deray, que da nombre a una pintura de David Hockney. En ese entonces la protagonizaron Alain Delon, Romy Schneider y Jane Birkin. El director italiano Guadagnino traslada el escenario del sur de Francia, de la película original, a una isla de la costa Siciliana. Un ambiente denso, cargado de tensiones, emociones, sensualidad y sexualidad. Las conversaciones alrededor de la alberca, el sol, los cuerpos tal como son. En cualquier momento algo puede pasar. Lo imprevisible hacerse realidad y el equilibrio romperse.
    La sensación del vacío está presente a lo largo de la película. Los personajes están acompañados, pero al final están solos. Me interesó y mantuvo en tensión, pero coincido con un crítico que la ve como “vacía y esencialmente intelectualizada …”. Los diálogos, que tienen mucho peso, contribuyen a forjar el discurso intelectual que tiene la película. La fotografía contribuye también a esa narrativa. La actuación de Ralph Fiennes y Tilda Swinton, con un vestuario particular, son muy buenas.
    2017
    Adiós al lenguaje  
    Título original: Adieu au langage
    Producción: Suiza, 2014
    Dirección: Jean-Luc Godard
    Guión: Jean-Luc Godard 
    Fotografía: Fabrice Arango 
    Con: Hólise Godet, Zoe Bruneau, Kamel Abdelli, Richard Chevalier, Jessica Erickson, Alexandre Patïa, Dimitri Basil
          
    Sinopsis: La trama que, resulta muy difícil de captar, se propone como un affaire entre Josette (Héloïse Godet), mujer casada, y Gédéon (Kamel Abdeli), que es soltero. El esposo de Josette está celoso. Roxy, perro que aparece en varias secuencias, se cruza en la vida de la pareja. Lo que ocurre, de cualquier caso, resulta imposible de seguir como una narración, lo que se ve son escenas discontinuas.
    En la cinta, dice David Bordwell, conviven dos historias-espejos, o también, dos puntos de vista sobre una misma historia. La repetición es una constante, tanto en la narración como en una recurrencia de imágenes y motivos. Así, la aparición de unas flores silvestres va a tener su reiteración en el siguiente segmento del filme, y también una escena entre Josette y Gédéon. La repetición le da un sentido adicional, para fijar el tema de la narración.
    En la película se sobreponen, al mismo tiempo, diversas líneas narrativas. Unas imágenes se intercalan o enciman sobre las otras. Lo mismo ocurre con la banda sonora. Las imágenes se desafinan de manera intencional, para provocar en el espectador una experiencia visual fuera de lo común y al mismo tiempo una sensación, producto de la misma, que ha estado siempre presente en las películas de Godard.
     
    Comentario: Es un extraordinario experimento del realizador suizo-francés que cuando filmó la película tenía 84 años. La obra capta la atención y obliga todo el tiempo a tratar de entender lo que está pasando y lo que el director se propone. Se trata de una reflexión sobre el ser humano y el lenguaje. Las nuevas tecnologías permiten construir una nueva narrativa.
    El uso del 3D posibilita a Godard hacer uso de posibilidades antes inexploradas. Vemos un ejercicio imaginativo y fresco que atrae, pero que resulta difícil de entender. Que se tiene que ver sin preocuparse si se capta o no lo que se propone. La película es una reflexión sobre los límites y la naturaleza del cine y las nuevas posibilidades de las que dispone, para construir un nuevo lenguaje.
    Para Godard, el lenguaje se debe renovar, para poder decir. Algo que antes comunicaba ahora ya no lo logra, para eso existen nuevas formas que es necesario utilizar. El lenguaje nace, se desarrolla y muere. Y al morir desaparece. Las tecnologías, herramientas del lenguaje, tienen también un ciclo de vida y lo mismo pasa con las películas. En algún momento su lenguaje comunicó y dijo algo, pero ahora no.
    La cinta propone un nuevo lenguaje. Godard utiliza de manera muy original e innovadora la tecnología del 3D. Las imágenes que produce son atractivas y de gran belleza formal. Se revela una estética nueva a través del uso creativo de la tecnología que producen imágenes distintas.
    Hay un cierto parangón entre lo que hace Godard y lo que hizo Monet. Hay imágenes que se parecen, pero se obtiene de manera muy distinta. El director se propone crear en el espectador una experiencia visual y sensorial nueva. En nuestro tiempo el lenguaje adquiere nuevas modalidades a través de las posibilidades que ofrece la tecnología, pero también al estandarizarse se ha empobrecido. El lenguaje que propone Godard utiliza la tecnología y al mismo tiempo es muy bello. En él la intensidad y brillantez de los colores es fundamental.
    Godard sigue provocando, lo ha hecho siempre. Sigue arriesgando, lo ha hecho siempre. Sigue innovando, lo ha hecho siempre. Esta película rompe con todo tipo de convencionalismos. Lo sabe Godard. Se le puede calificar de pretensioso o snob, pero también de creador excepcional. No entendí nada de la trama, pero la película me gustó, me provocó y me dijo.
    La crítica especializada recibió bien la propuesta de Godard. Scott Foundas, Varieyt, dice que es “una estimulante y lúdica reflexión sobre el estado del mundo y sobre las posibilidades de la imagen”. Eric Kohn, Indiewire, que la película “(…) encierra una gran innovación en su breve duración (...) Desde luego, [Godard] logra (...) hacerte cosquillas en la mente, y eso ha sido la esencia de su carrera desde el principio". Carlos Bonfil, La Joranda, “hoy, a sus 84 años, Godard sigue desafiando las certidumbres e inercias más arraigadas de los espectadores con una sorprendente vitalidad artística”. ?
     
    Premios: En Festival de Cannes 2014, Premio del Jurado.
    2017
    Jackie  
    Título original: Jackie
    Producción: Estados Unidos y Chile, 2016
    Dirección: Pablo Larraín
    Guión: Noah Oppenheim
    Fotografía: Stéphane Fontaine
    Música: Mica Levi
    Con: Natalie Portman, Pweter Sargaard, Greta Gerwing, Billy Crudup, Richard E. Grant, John Caroll Lynch, John Hurt.
     
    Sinopsis: La vida de Jackie Kennedy cambia de manera imprevista y radical cuando su marido John F. Kennedy, presidente de los Estados Unidos, es asesinado en Dallas, Texas, el 22 de noviembre de 1963. La película narra ese día y los cuatro siguientes. En ellos, quien fuera la primera dama luce destrozada, pero al mismo tiempo con una gran fuerza.
    Ella, consciente del momento, es quien diseña la ceremonia del funeral. Debe ser un hecho que se recuerde, que pase a la historia de los Estados Unidos. Es la celebración del duelo del presidente, de su marido, y también el de ella. El asesinato no solo le quita a su marido, sino que a ella la deplaza del papel de primera dama. Ahora es viuda y sus hijos huérfanos.
    La película se adentra al proceso personal, al drama, de la mujer. ¿Qué sigue? ¿Cuál es su papel? ¿Quién es ella? ¿Qué futuro le espera a sus hijos? ¿Cuál será su relación con la familia Kennedy? Está desconcertada, pero al mismo tiempo muy clara del momento. La narrativa se centra en la tragedia y en el dolor que el asesinato del presidente provoca en quien fuera su esposa y en los suyos.
     
    Comentario: Es el debut en Hollywood del director chileno Pablo Larraín. Ofrece un retrato naturalista de la mujer que fuera la esposa del presidente Kennedy. Está presente su dolor y desconcierto ante la pérdida, y también su decisión, en medio de tensiones, de construir-inventar un legado, el de su marido y la familia, de cara a la historia.
    El director no relata sucesos, eso no le interesa, sino expresa emociones. Penetra en la intimidad del proceso de duelo, de una mujer que se sabe mirada por todos, que debe sobreponerse y no dejarse vencer por la pérdida. Está siempre presente la dialéctica entre la vida más íntima y la más pública. Es ella como lo puede ser en su privacidad, pero también la que proyecta y expresa cómo quiere ser vista por los demás, es la construcción, desde sí, del imaginario público.
    La actuación de Natalie Portman es muy buena y está llena de matices. Hace una extraordinaria personificación de Jackie Kennedy. Ella es el centro de la película, sobre ella gira toda la narración. El vestuario juega un papel fundamental en la caracterización del personaje. Jackie creó un estilo muy personal de vestir que hizo época. Muy pronto se convirtió en un modelo a seguir.
     
    Premios: En 2016 en el Festival Internacional de Cine de Venecia ganó el premio como mejor guión; en el Festival Internacional de Cine de Toronto ganó el Premio Pataform; en el Critic’s Choice Award, Natalie Portman gana como mejor actriz.
    2017
    Antes del amanecer
    Título original: Vor der Morgenröte / Stefn Zweig in Amerikausterlitz
    Producción: Alemania-Francia-Austria, 2016
    Dirección: María Schrader
    Fotografía: Wolfgang Thaler
    Música: Cornelius Renz y Tobías Wagner  
    Con: Josef Hader, Aenne Schwarz, Tómas Lemarquis, Barbara Sukowa, Nicolau Breyner, Charly Hübner, Lenn Kudrjawizki, Ivan Shvedoff, Harvey Friedman, Nahuel Pérez Biscayart, André Szymanski, Matthias Brandt, Nathalie Lucia Hahnen, Oscar Ortega Sánchez, Vincent Nemeth, João Cabral, Márcia Breia, Arthur Igual.
     
    Sinopsis: En 1934, Stefan Zweig (Josef Hader), ensayista y escritor judío, ya muy reconocido en Europa y el mundo, se ve obligado a salir de Austria al exilio, para evitar ser detenido por los nazis. La película cuenta su etapa de exiliado cuando vive en Buenos Aires, Nueva York y Brasil. Aquí finalmente elige Petrópolis para radicar.
    La historia inicia en 1936 cuando en Buenos Aires se celebra el congreso del Pen Club. La Guerra Civil en España recibe muestras de solidaridad de los asistentes y de condena el naciente régimen nazi. A Zweig le resulta difícil definirse ante el régimen fascista y dar su apoyo decidido a los judíos. A él, un pacifista, lo que ocurre lo rebasa. No sabe bien que debe hacer y decir. Se niega a condenar abiertamente a la que considera su cultura y nación. Se le critica y acusa de no tomar partido. Él, para justificar su posición, dice: “Cada gesto de resistencia, carente de riesgo o de impacto, es solo afán de protagonismo”.
    En un breve viaje a Nueva York, donde vive su primera esposa e hijos, comprende la dimensión de la persecución contra los judíos y finalmente esa realidad lo impacta. Es un personaje famoso a nivel internacional. Le piden ayuda, incluso viejos adversarios, para escapar de los nazis hacia sitios seguros. Zweig, hace lo que puede, pero asume sus límites. En 1941, decide irse a vivir al Brasil.  
    Ya exiliado afirma que Brasil, paraíso de América Latina, es “el país del futuro”, en contraste con la Europa decadente, donde la discriminación y la violencia se han convertido en los parámetros de la cultura y la convivencia cotidiana. Aquí, la naturaleza y las personas son generosas. No hay guerra y distintas razas conviven sin conflicto. El 22 de febrero de 1942, atormentado y deprimido, decide quitarse la vida junto con su segunda mujer Lotte (Charlotte Wlizabeth Altman) en su pequeña casa de Petrópolis, ciudad donde también vivía la literata chilena Gabriela Mistral, que era amiga de la pareja.      
    Comentario: En una entrevista la directora dijo que la película “es una historia de amor trágica, pero no entre dos personas, sino entre Zweig y el continente entero” y añade que “como actriz he participado en películas sobre ese periodo, todas ambientadas en Europa. Hay cientos de ellas que hablan de la lucha por sobrevivir. Y quería hablar del exilio: la perspectiva de alguien que ha perdido su casa, pero toda su familia, amigos y conocidos están en el otro lado del mundo y, de algún modo, su mente sigue allí. Quería hacer una película sobre Europa sin mostrar Europa”.
    La película, a partir del caso de Zweig, plantea las consecuencias espirituales que padecen las víctimas de los fanáticos y también se cuestiona el problema que significa evadir las realidades sociopolíticas que se nos imponen. En la película no aparece un nazi, pero sí el alma del artista, desarraigado de su tierra y lengua, que termina por secarse entre la vegetación exuberante del país que lo acoge. La tragedia había iniciado años atrás con el exilio que lo obliga a salir de su casa y de Europa.
    La vida y la obra de Zweig son muy ricas e interesantes. Es un autor que me gusta mucho. Sus ensayos de literatura son de gran profundidad. Pienso que la directora desarrolla una historia lineal y descriptiva. No profundiza en el carácter de los personajes. Bosqueja temas, pero no se adentra en ellos. A la información ya conocida le pone imágenes. Esto último me pareció lo más interesante.
    2017
    Austerlitz
    Título original: Austerlitz
    Producción: Alemania, 2016
    Dirección: Sergei Loznitsa
    Guión: Sergei Loznitsa
    Fotografía: Sergei Loznitsa
    Sonido: Vladimir Golovnitski
     
    Sinopsis: El director coloca la cámara fija en medio de la gente que vista Auschwitz, el campo de concentración. Podría ser cualquiera. La mueve 18 o 20 veces. Son escenas largas. El sonido que se oye es el de la gente. No hay ninguna narración. Las imágenes son en blanco y negro. Todas las secuencias son al exterior y cuando se ve algo del interior es desde el exterior.
    La primera toma es a la llegada, cuando los visitantes cruzan la puerta de entrada al campo de concentración. Las otras tomas ven partes de las instalaciones, pero siempre la gente está en el primer plano. La última es la salida del campo. La cámara a lo largo del recorrido observa y registra la visita.
     
    Comentario: El título hace referencia a la novela homónima de W. G. Sebald, dedicada a la memoria del Holocausto. La cámara fija ve el pasado, el drama histórico de quienes estuvieron en los campos de concentración, desde el exterior y a través de las paredes y los muros que establecen el confín. Lo que acota.
    El ángulo de mirada de la cámara, que nunca se mueve, ofrece al que ve, al espectador, una excursión-recuerdo, una inmersión en el pasado, pero sin que el pasado aparezca. Son los visitantes, desde el presente, quienes con su actitud hablan del pasado. Esa mirada es una relectura del pasado.
    Sergei Loznitsa, el director, con su mirada, con el ojo de la cámara, muestra la manera como la gente de hoy se relaciona con la tragedia de los millones de personas asesinadas en los campos de concentración. Son turistas que mientras visitan el campo comen, ríen, platican y se toman selfis. La tragedia se vanaliza. La historia por más trágica que haya sido, dice Jonathan Romney, se repite como turismo.
    *** 
    Sergei Loznitsa. En 1964 nace en Baránovichi, entonces Unión Soviética, que ahora es Bielorrusia. Se gradúa en Matemáticas Aplicadas en el Instituto Politécnico de Kiev y empieza a trabajar en el Instituto de Cibernética. Después estudia cine en el Instituto Estatal de Cinematografía de la Federación Rusa. Ha realizado 18 documentales. Entre ellos: Portait (2002), Factory (2004), Blockade (2005), Artel (2006), Mal de archivo (2008), Mein Glück (2010), En la nivela (2012), Los puentes de Sarajevo (2014), El último imperio (2015) y Die Sanfte (2017). Sus películas de ficción son My Joy (2010), In the fog (2012) y Im lebel (2012). Las tres se estrenaron en el Festival de Cannes. La última ganó el premio de la prensa.
    2017
    Casting
    Título original: Casting
    Producción: Alemania, 2017
    Dirección: Nicolas Wackerbarth
    Guión: Nicolas Wackerbarth y Hannes Held
    Fotografía: Jürgen Carle
    Con: Andreas Lust, Judith Engel, Ursina Lardi, Corinna Kirchhoff, Andrea Sawatzki, Mikena Dreissig, Nicole Marischka, Stephan Grossmann, Marie-Lou Sellem
     
    Sinopsis: Vera, directora de cine, busca el reparto ideal para su primera película en televisión, un remake de Las amargas lágrimas de Petra von Kant, que en 1972 filma Rainer Werner Fassbinder. Ella, a las estrellas que participan en el casting, las hace ensayar una y otra vez. En ninguna encuenta a la actriz que ha imaginado, para ocupar el papel central.
    Se está a días de inciar el rodaje y las presiones sobre la directora crecen. El productor y el equipo de filmación están molestos. Le reclaman que no tome decisiones y por eso la producción se retrace. Ella no cede. Gerwin, está contratado, para ocupar el papel del hombre en el casting. Él no se impresiona con las actrices consagradas. Está siempre de buen humor y divierte a los demás. 
    El actor principal decide abandonar la película. A Gerwin, entonces, le dan el papel de Karl, que es el coprotagonista. Se convierte en el centro de la producción. Un día el produtcor interviene y decide que la directora ya no puede seguir así y le impone a la actriz y al actor principal. Gerwin queda desplazado.
     
    Comentario: El director, Nicolas Wackerbarth, hace que Vera, la directora de la película, en la búsqueda de Petra se encuentre con Gerwin. Su personaje, desde la libertad y fuera los convencionalismos, rompe con la solemnidad del casting y de quien lo realiza. Él reivindica y dignifica la actuación.
    En el proceso de selección de los actores y actrices se desata el juego del poder y la arbitrariedad. La buena o mala actuación no dependen de la calidad de la misma sino del juicio de Vera. En torno a esta situación se estructura una comedia ácida, corrosiva y también llena de humor.
    El casting ante las cámaras lleva al tema de la intimidad y de la identidad. ¿Qué se muestra y qué se oculta? ¿Hasta dónde el actor, la persona, se abre y da de sí? La película de Wackerbarth, plantea un crítico, sostiene la tesis: La única manera de adaptar una película de Fassbinder exige actualizar, de manera escinida, el juego del amor en base al poder de los involucrados.
    Las exigencias de producción propias de la televisión ponen en evidencia, a manera de subtexto, la voracidad capitalista del medio. El director introduce la crítica y la desarrolla de manera sutil. Hay una clara intención de hacerla presente.
    En la película, sostiene un crítico, se hace presente el espíritu de Pirandello. Los personajes están en busca de Fassbinder o conviven con su fantasma para ver, en el presente, qué pueden rescatar de su película. En los ensayos se cuela la sombra de la versión original.
    La seriedad, de manera progresiva, da paso a la broma, la improvisación y el azar. La fantasía y la realidad se entrelazan y confunden. La estructura discursiva es compleja y mezcla la acidez con el humor. En 2017, esta película dio inicio a la sección Forum del Festival de Berlín.
     
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    Nicolas Wackerbarth. En 1973 nace en Múnich. Ahí realiza  su formación profesional como actor. Después estudia dirección en la Academia de Cine y Televisión Berlín (Deutschen Film- und Fernsehakademie Berlin - dffb). En esa época realiza algunos cortometrajes. De manera paralela se desempeña como actor en múltiples producciones. Su película de titulación académica Unten mitte kinn obtiene mención honorífica en el Festival de Cine de Múnich. Es coeditor de la revista de cine “Revólver”.  Reside en Berlín donde trabaja como director, autor y actor.
     
     
     
     
     
    2017
    El elegido
    Título original: The chosen
    Producción: México y España, 2016
    Dirección: Antonio Chavarrías
    Guión: Antonio Chavarrías, Dominic Harai y Teresa de Pelegrín
    Fotografía: Guillermo Granillo
    Música: Arnau Bateller
    Con: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Henry Goodman, Julian Sans, Emilio Echeverría, Elvira Mínguez, Frances Barber…
     
    Sinopsis: Ramón Mercader (Alfonso Herrera) es un comunista incorporado al ejército republicano en España. En 1937, fiel a su militancia partidaria, decide aceptar la proposición de formar parte de una gran tarea, pero al principio no sabe cuál es. Se sujeta a un entrenamiento intenso y riguroso que recibe en Rusia. Como parte de él construye una nueva personalidad, la del belga Jacques Monard.
    Es enviado a París, para que accidentalmente conozca a Sylvia Ageloff (Hannah Murray). La seduce. Es parte del plan. A través de ella, que es asistente de León Trotsky (Henry Goodman), debe de tratar de acercarse a su círculo íntimo, para tener acceso a él. Sylvia, que es estadounidense, viaja a México donde radica el dirigente de la IV Internacional. Poco después llega Mercader y se encuentra con Sylvia. Deciden casarse.
    Mercader, poco a poco se introduce al círculo más cercano de Trosky, del que como asistente forma parte Sylvia, y es invitado a la casa, para tomar un café. Todos lo reciben como el novio de Sylvia. Se presenta como un empresario ajeno a la política. La corrección de un artículo es la manera que encuentra para estar solo con Trotsky. En ese momento lo mata con un piolet. Es el 21 de agosto de 1940.
    La policía mexicana lo detiene y pasa 20 años en la cárcel. Cuando es liberado viaja a Rusia donde recibe la más alta condecoración por lo servicios prestados al comunismo; matar a Trotsky. Ahí vive unos años y después se traslada a Cuba donde radica hasta su muerte.
     
    Comentario: Es una producción española-mexicana, pero hablada en inglés, para garantizar una mayor distribución a nivel mundial. La película se centra en la preparación del asesinato de Trotsky y la ejecución del mismo. El director construye con rigor una historia que ya es conocida. El que así sea plantea problemas. De un lado la debe volver interesante y de otro ofrecer dónde está lo nuevo a la manera de la tragedia griega.
    Es una narración compleja que resulta interesante. Están todos los elementos de la historia. Deja que ésta hable por sí misma. Nos enfrentamos a unos personajes que tienen la oportunidad de plantear, en el devenir de su vida, el por qué de sus acciones. El director da imagen a hechos terribles como el golpe del piolet. El verlo, no solo saber de él, lo hace más dramático.
    El tratamiento de la historia es sobrio y hay un esfuerzo por ser rigurosos en la construcción de la trama. El director con imaginación construye las escenas. Me quedo con la idea de que hay un serio trabajo de investigación. Coincido con la crítica del español Ángel Comas: “Chavarrías trata en todo momento de reconstruir aquellos hechos y a sus personajes con la máxima veracidad. Esto hace que la narración del asesinato en sí tenga la misma jerarquía de valor que los otros hechos más secundarios”. La película me resultó interesante.
     
     
    2017
    Montaña siniestra
    Título original: The Mountain
    Producción: Estados Unidos, 1956
    Dirección: Edward Dmytryk
    Guión: Ranal MacDougall con base en la novela La neige en deuil de Henri Troyant
    Fotografía: Franz Planer
    Música: Renato Serio
    Con: Spencer Tracy, Robert Wagner, Claire Trevor, Richar Arlen, William Demarest, Anna Kashfi
     
    Sinopsis: Un avión de pasajeros que viaja de la India a París se estrella en los Alpes franceses. Al pie de la gran montaña hay un pequeño pueblo donde viven los hermanos Zachary Teller (Spencer Tracy) y Christopher Teller (Robert Wagner). El personal que contrata la compañía intenta subir a la cima en pleno otoño. El guía cae a una grieta y muere. La operación se suspende hasta el próximo verano.
    Christopher, que lamenta su situación económica, decide ascender a la montaña, para quedarse con el dinero y las joyas de los pasajeros. Su hermano mayor Zachary, un alpinista calificado que en otras ocasiones ha subido la montaña, decide acompañar a su hermano para protegerlo. Sabe que si va solo es muy probable que pierda la vida. Por la pericia de Zachary, después de vencer múltiples dificultades, llegan a la cima. Ahí está el avión accidentado.
    De inmediato Christopher empieza a revisar los cadáveres y quitarles sus pertenencias. Deben regresar hoy mismo. Dentro del avión encuentran a una sobreviviente, que es una mujer india (Anna Kashfi). Christopher quiere dejarla abandonada allí para que muera y no haya testigos de su robo e incluso intenta matarla, pero Zachary se lo impide. Él se propone rescatarla y llevarla al pueblo, para que sea atendida.
    Zachary, con la puerta del avión, hace un trineo donde coloca a la sobreviviente e inicia el camino hacia abajo. Christopher se queda rezagado. Trae consigo las pertenencias robadas. Zachary arrastrando el trineo atraviesa un peligroso puente de nieve que luego se derrumba. Su hermano intenta pasar por uno que está a un lado y éste cede y cae al precipicio y muere.
    Ya en el pueblo, las autoridades preguntan a Zachary porqué ascendió. Les dice que quería robar las pertenencias de las víctimas, pero que su hermano menor lo disuadió. Él es quien decidió rescatar a la sobreviviente, pero tuvo un accidente y a él le tocó terminar la tarea y traerla al pueblo. Las autoridades no le creen, lo conocen muy bien, y destruyen la declaración.
     
    Comentario: Un clásico de la década de los cincuenta en base a la novela del escritor francés, de origen ruso, Henri Troyat (1911-2007), La neige en deuil (La nieve de luto), escrita en 1952 que se inspira en el accidente del vuelo 245 de Air India Flight, que ocurre en 1950. Murieron todos los pasajeros y tripulantes.
    La fotografía a color, actor central de esta película, es de Franz Planer y acentúa el dramatismo de la escalada y el descenso de la montaña. Muchas de estas escenas están tomadas en estudios con fotos fijas de fondo. La tecnología ha cambiado mucho. Han pasado 61 años. Las imágenes fueron filmadas en un nuevo sistema de la época llamado VistaVisión, que ofrece un fotograma mayor con una gran nitidez en la proyección.
    Es una historia simple, sin mayores complicaciones, que enfrenta a Caín y Abel, al bien y al mal. La escalada es lo mejor de la película. Son los mayores momentos de tensión. Los parlamentos de los hermanos son planos y obvios. La película está hecha para que luzca Tracy, ya una leyenda viviente, pero también el joven Wagner.
     
    ***
    En 1947, diez años antes, Edward Dmytryk, el director, fue uno de los personajes de Hollywood perseguido por el senador McCarthy. En ese año declaró ante el Comité de Actividades Antiamericanas. En un principio se negó a delatar a sus compañeros del partido comunista en el que militaba desde 1944. Fue condenado por ultraje al congreso y se exilió en Gran Bretaña para evitar la cárcel, donde pasó casi dos años y rodó dos películas. Se ve forzado a volver a Estados Unidos para renovar el pasaporte. Es encarcelado y tras seis meses en prisión accede a denunciar a sus compañeros. Esta terrible experiencia le marcó su vida para siempre al pasar de ser un director respetado e interesante a ser visto como un traidor.
    2017
    Ingobernable
    Producción: México, 2017 (Primera temporada)
    Creador: Epigmenio Ibarra, Verónica Velasco y Natasha Ybarra-Klor
    Dirección: Pedro Pablo Ibarra y José Luis García Agraz
    Guión: Natasha Ybarra-Klor, Jason Gorge, Alfonso H. Moreno, Dove Sussman, Lauri Walker y Liam O’Neil.
    Música original: Camilo Froideval y Raúl Vizzi.
    Con: Kate del Castillo, Alberto Guerra, Eréndira Ibarra, Luis Roberto Guzmán, Álvaro Guerrero, Fernando Luján, Erik Hayser, María el Carmen Farías, Mariana de Tavira, Marco Treviño, Herán Del Riego, Aida López, Mitzi Mabel Cadena, Harold Torres.
     
    Sinopsis: Emilia Urquiza (Kate del Castillo) y Diego Nava (Erik Hayser) son pareja. Juntos han construido un proyecto. Los dos tienen grandes planes para mejorar la situación de México. Nava, ya como presidente, se alinea al establishment y deja atrás su ideales. Ella no está de acuerdo y se quiere separar. Él le promete que va a volver al proyecto original. Tienen una fuerte discusión y pelea. Él no le quiere dar el divorcio.
    El presidente se cae del balcón de la habitación en la que discuten y muere en el acto. Ella está segura que no lo ha matado y se da a la fuga. El gobierno la declara culpable. Ella se esconde en el barrio de Tepito. Y desde ahí tiene que averiguar que pasó y quién realmente mató al presidente, su marido.
    Se nombra al secretario de Gobernación, José “Pepe” Barquet (Álvaro Guerrero), como presidente provicional. Promete que pronto se dará con la culpable. Hay una ceremonia luctuosa oficial y la esposa asiste perdida entre la gente. Al tiempo que las autoridades buscan a la que fue Primera Dama, ella se esconde y huye, se presenta la problemática económica, política, social y la violencia que se viven en México.
    Nos enteramos de que el presidente, tal como se lo prometió a su esposa, iba a ordenar el regreso inmediato del Ejército a lo cuarteles y también que los oficiales y la tropa involucrados en violaciones a los derechos humanos serían sometidos a procesos penales y civiles. Se deja ver que ésta es la razón del crimen del presidente, pero en un primer momento no se dice quién es el responsable intelectual y material del hecho.
    Sobre esa estructura vertebral se abren otras historias, pero que están entrelazadas con ésta. La del padre de Emilia, Tomás Urquiza (Fernando Luján) que es un importante empresario y tiene conexiones políticas de primer nivel en Estados Unidos y en México. La de Dolores Lagos (María del Carmen Farías), la niñera de sus dos hijos, mujer de absoluta confianza. La apasionada relación de María Nava Urquiza (Alicia Jaziz), la joven hija de la primera dama con otra mujer.
    El trabajo de la eficiente e intrigante asitente del nuevo presidente, Ana Vargas-West (Eréndira Ibarra), que ya trabajaba con el anterior, que es la jefa de la Oficina de la Presidencia, y después nos enteramos que también agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). La de Patricia Lieberman (Mariana de Tavira), Fiscal especial encargada de la investigación de la muerte de Diego Nava, que es asesinada. La de los secretarios de la Defensa el general Agustín Aguirre (Marco Treviño) y Bruno Almada (Herán Del Riego). Este último se hace del poder real, el presidente no es quien gobierna.
    La historia del grupo de Tepito formado, ente otros, por Chela Lagos (Aida López), hermana de Dolores, que vive en el barrio bravo y que recibe a la primera dama en su huída. Canek Lagos Ruíz (Alberto Guerra), hijo de Dolores, que acaba de salir de la cárcel. Citlalli López “La Mosca” (Mitzi Mabel Cadena) y Christopher “Chris” López (Harold Torres).
    En uno de los capítulos nos enteramos que Pete Vázquez (Luis Roberto Guzmán), agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA), es quien mata al presidente. El gobierno de Estados Unidos no está de acuerdo con la nueva política del presidente Nava de retirar al Ejército de las calles y con su posición: “Si ustedes quieren guerra líbrenla en su propio territorio. México no seguirá poniendo los muertos”. Hay un altercado entre Vázquez y la agente Vargas-West, jefa de la Oficina Presidencial, donde muere el primero.
     
    Comentario: Serie de televisión creada por Epigmenio Ibarra, Verónica Velasco y Natasha Ybarra-Klor, que produce Argos Comunicación para Netflix. Se distribuye a nivel mundial y está traducida a muchos idiomas. Esta primera temporada se estrenó el 24 de marzo de 2017 y consta de 15 capítulos de 40 minutos cada uno. La serie se filmó en México y San Diego. Esto porque Kate del Castillo no podía realizar grabaciones en territorio mexicano, por sus problemas legales tras su reunión con   el Chapo Guzmán en el Triángulo del Norte.
    Los productores han dicho que la historia no es la del actual presidente de México, Enrique Peña Nieto, y su esposa, Angélica Rivera. A pesar de esto, no va a faltar quien haga algún tipo de relación. Pienso no tiene ninguna. En los quince capítulos se tratan problemas actuales de México como la corrupción, el narcotráfico, el papel del Ejército en su combate, los desparecidos y la violación de los derechos humanos. El desarrollo de la trama no rompe con el esquema de las clásicas telenovelas. Cambia sólo la temática.
    La producción es buena y con muchos recursos. Tiene calidad. Las actuaciones son disparejas. Hay unas buenas, pero otras exageradas. La elección de Kate del Castillo, que antes fue la actriz central de la serie la Reina del Sur y centro del escándalo por su relación con el Chapo Guzmán, el más popular de los narcotraficantes, condiciona y no funciona en su papel como primera dama.
    El argumento en muchas ocasiones no es creíble. Está lleno de clichés y lugares comunes. Los ejemplos son muchos: los militares malos, corruptos y asesinos. Los pobres buenos, honrados y solidarios. Es un guión maniqueo que no admite complejidades y matices. Simplifica al extremo la realidad. Hay escenas que describen situaciones francamente imposibles de que ocurran. Por ejemplo el tránsito de Los Pinos al refugio de Tepito y luego el enamoramiento, a primera vista, de la que fuera la primera dama de un delincuente del barrio. Hay también hechos que no están relacionados o no tienen una secuencia lógica.
    Reconozco que se trata de un proyecto importante y arriesgado de Argos Comunicación, que lo sitúa como una productora a nivel mundial. La serie se lanzó con una buena e intensa campaña de publicidad. Ante el éxito de la primera temporada de ya se anunció que en 2018 se va a transmitir la segunda temporada. Ahora se trabaja en su producción. La posibilidad de que existan más temporadas va a depender del número de la audiencia.
     
     
    2017
    La última sesión de Freud
    Oscar Ortiz de Pinedo Producciones
    Teatro López Tarso
    Centro Cultural San Ángel
    Dirección: José Caballero
    Obra: Mark St. Germain
    Escenografía e iluminación: Alejandro Luna
    Musicalización: Eliseo Santillán
    Con: Luis de Tavira y Álvaro Guerrero
     
    Sinopsis: Un diálogo imaginario entre Sigmund Freud, padre del psicoanálisis, y el escritor y filósofo inglés C.S. Lewis. Ocurre en el despacho que el austriaco tiene en Londres, donde se ha refugiado para huir del nacismo.
    Ese mismo día, los dos escuchan por la radio, que la invasión de la Alemania nazi a Polonia ha provocado miles de muertos. Estamos ya inmersos en la Segunda Guerra Mundial. Oyen también la declaración del primer ministro y el rey. Hay que prepararse para tiempos difíciles.
    El diálogo, respetuoso y apasionado, se centra en la existencia de Dios. Lewis se asume como creyente y Freud es el ateo. Hablan también sobre el sexo, la familia, el mito, el poder, la violencia y la destrucción. Los dos argumentan con inteligencia. Las más de las veces difieren.
    Uno a otro se provocan y exigen, para dar respuestas lúcidas y elaboradas. En el diálogo se hace presente la ironía y el humor. Se ríen y burlan de sí mismos y del otro. Cada uno, de manera alterna, se vuelve el psicoanalista del otro.
    Freud, tiene 82 años y sufre de cáncer en la boca, está ya en la etapa final de su vida. Lewis se encuentra en la cumbre de su carrera. La intención de St. Germain no es que uno u otro salga vencedor de esta discusión. Le importa las fuerzas de las ideas y la brillantez con la que los dos argumentan desde su posición.
     
    Comentario: La actuación de Guerrero y de Tavira es muy buena. El primero hace el papel de Lewis y el segundo de Freud. En la hora y 45 minutos que dura el diálogo la obra nunca decae. Uno y otro interiorizan su papel. Su actuación es creíble y se ve natural y espontanea. Logran dar siempre el tono que requiere cada momento del diálogo. Su dicción es clara y fuerte que siempre se agradece.
    Es el regreso de De Tavira a la actuación. Es un gran retorno. Su actuación es soberbia. Han pasado 30 años desde la última vez que pisó un escenario. En este mismo tiempo, como director de escena, ha montado decenas de obras de teatro. Algunas memorables. Los pasados nueve años dirigió la Compañía Nacional de Teatro (CNT).
    La dirección de escena y la traducción de la obra es de José Caballero. Hace muy buen trabajo con los dos actores. Su desplazamiento en el escenario llena el espacio. El conjunto de los elementos a cargo del director funciona bien.
    Alejandro Luna, el reconocido escenógrafo, recrea el despacho de Freud en Londres, que la mujer de éste trató de que se pareciera al que tenía en Viena. El diván, para las sesiones con sus pacientes cubierto con tapetes y el escritorio con las figuras de deidades egipcias, griegas y romanas.


     


    La obra está hasta el 27 de septiembre.
    2017
    En nombre de mi hija
    Título original: Au nom de ma fille
    Producción: Francia-Alemania, 2016
    Dirección: Vicent Garenq
    Guión: Vicent Garenq y Julien Rappenau con base al libro testimonio de André Bamberski.
    Fotografía: Renaud Chassing
    Música: Nicolás Errera
    Con: Daniel Auteuil, Sebastian Koch, Maria-Josée Croze, Christelle Cornil

     

    Sinopsis: La película se realiza en base a hechos de la vida real del caso que se conoce como El affaire Bamberski-Krombach. Se adentra en el proceso de investigación que en 1982 emprende un padre para que enfrente la justicia el asesino de su hija de 14 años. Le lleva 30 años y nunca, a pesar de múltiples problemas, abandona su búsqueda.
    André Bamberski (Daniel Auteuil) y su mujer Dany (Marie-Josée Croze) viven en Marruecos con sus dos hijos. Ella inicia un romance con el médico alemán Dieter Krombach (Sebastian Koch), papá de compañeros de sus hijos en la escuela. Bamerski y su esposa deciden dejar Marruecos, para salvar su relación. Krombach, sin que ellos lo sepan, se va a vivir a Francia, para seguir a Dany. Ellos se reencuentran. La pareja se separa.
    En julio de 1982 André Bamberski recibe la noticia que su hija Kalinka, de 14 años, ha muerto. Ella pasa vacaciones en Alemania con su madre y su padrastro el Dr. Krombach. El padre no recibe el acta de la autopsia y exige a su exmujer que se la envíe. Está en alemán, la traduce al francés y se da cuenta de múltiples irregularidades. Pronto se convence que el culpable es el Dr. Krombach e inicia su investigación, para llevarlo a la cárcel.
    Se enfrenta a la burocracia y lentitud del sistema policial y de justicia alemán y francés. Estos aparatos no quieren realmente llegar a la verdad. No quieren ir más allá de las investigaciones y procesos convencionales. Todo invita a que Bamberski abandone el caso. Él sigue. Siente no cuidó bien a su hija y que le debe que su asesino sea declarado culpable y vaya a la cárcel. Después de 30 años lo logra.
     
    Comentario: La película describe bien la importancia que tiene para Bamberski encontrar al asesino de su hija, para llevarlo a la justicia. El centro de su vida se vuelve esa tarea. En la narración hay una crítica severa al sistema policial y judicial de Francia y Alemania. Países que se supone son ejemplares en estas materias. Se da cuenta de lo que significan las burocracias estatales y los estúpidos nacionalismos que al final terminan por proteger a sus criminales.
    En el tratamiento que hace el director de la figura de Bamberski, siempre repetuosa, ofrece elementos para que el espectador decida si su búsqueda es una obsesión, si es una locura, si es una decisión ética o simplemente algo que como padre le debe a su hija asesinada. ¿Va a dejar que el culpable siga viviendo una vida normal? ¿Que siga abusando, con la complacencia de las autoridades, de otras niñas?
    Las actuaciones de Auteuil, Koch y Croze, cada quien en su papel, son creíbles y poderosas. Auteuil es el padre consumado por el dolor y la búsqueda de que se haga justicia. No es venganza. Es algo que va más allá. Es el deber de un padre con su hija. Koch representa muy bien al supuesto médico generoso y amable, al atractivo seductor de mujeres que esconde a un enfermo monstruoso que viola niñas después de inyectarlas, para que no puedan defenderse. Croze es la mujer que intenta resistirse al amante y mantener la familia, pero que al final cae ante sus encantos. Ella no cree en la culpabilidad de su nuevo marido y lo defiende. Mucho después, ante el cúmulo de las evidencias, termina por aceptar su culpabilidad.


     


              
    2017
    El Chapo    
    Producción: Estado Unidos, 2017. (Primera temporada)
    Creación: Silvana Aguirre.
    Dirección: Ernesto Contreras y José Manuel Cravioto.
    Guión: Silvana Aguirre y Carlos Contreras con el apoyo de seis guionistas.
    Fotografía: Juan Pablo Ramírez.
    Música: Dudu Aram, Gus Reyes, Andrés Sánchez.
    Con: Marco de la O, Valentina Acosta, Alejandro Aguilar, Juan Carlos Oliva, Rodrigo Abed, Juliette Pardau, Teté Espinoza, Humberto Busto, Hernán Romo, Abril Schreiber.
     
    Sinopsis: La serie, que tiene tres partes, narra la vida de Joaquín “El Chapo” Guzmán (Marco de la O). Esta primera temporada comienza en 1985 cuando inicia su carrera criminal en los niveles más bajos, del Cártel de Guadalajara y termina en 1993 cuando es arrestado en Guatemala y extraditado a México, para ser encarcelado en el Penal de Puente Grande, en Jalisco.
    El Chapo se incorpora al crimen organizado a las órdenes de Miguel Ángel Félix Gallardo, en ese entonces cabeza del Cártel de Guadalajara. En los nueve capítulos hay un ir y venir entre el presente y el pasado. Se intenta, en grandes brochazos, reconstruir la historia del personaje.
    Se ve al hijo, al esposo, al padre de familia, al hermano y al amigo. Su vida no es muy distinta a la de cualquier otra persona. Está también el narcotraficante violento y despiadado. El criminal frío y calculador.
    En ese esfuerzo se da cuenta la historia del narcotráfico en México a partir de la década de los ochenta. Y esa historia está ligada a la política y los políticos y también a los aparatos de seguridad y a quienes los encabezan. Se hace patente la relación entre el narcotráfico y el poder.
     
    Comentario: Es una coproducción Univisión y Netflix que se filma en Colombia. La primera temporada tiene nueve capítulos y se estrenó en abril de 2017. Narra los inicios de El Chapo en el crimen organizado. La segunda temporada, que inicia en septiembre, habla de su ascenso y la tercera de su caída.
    De la serie su creadora y guionista, Silvana Aguirre, dice que “cubre el tema del tráfico de drogas con una visión macro: el trasiego de drogas como un negocio, la corrupción sistemática en México, e incluso en Estados Unidos, lo que permite la aparición de personajes como el protagonista. No queríamos hacer una telenovela narco, con énfasis en las partes románticas”.
    Es una serie de televisión que se construye en un esquema distinto al de las telenovelas. El trabajo de investigación se hace evidente, pero no es un documental sino una construcción ficticia con base en hechos reales. Aguirre afirma que “tratamos de hacer la historia tan real como sea posible, con la información que teníamos. Había hasta tres teorías acerca de un evento y escogíamos la que mejor se adaptaba a la historia”.
    En el desarrollo de la serie resulta fundamental la actuación que realiza Marco de la O al interpretar a Joaquín Guzmán Loera, El Chapo. Es consistente a lo largo de los nueve capítulos. Resulta creíble y es convincente.
    Los capítulos de la primera temporada están bien construidos y resultan interesantes, en el entendido que es una construcción dramática y no un documental. Se logra dar una visión creíble del personaje y también de la realidad del narcotráfico y la violencia que conlleva. En ese retrato hay una crítica bien hecha a la relación entre el crimen organizado y el poder.
     
     
     
    2017
    El cliente    
    Título original: Forushand 
    Producción: Irán-Francia, 2016.
    Dirección: Asghar Farhadi
    Guión: Asghar Farhadi
    Fotografía: Hossein Jafarian
    Música: Sattar Oraki
    Con: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Farid Sajadhosseini, Mina Sadati, Maral Bani Adam, Mehdi Koushki, Emad Emami, Shirin Aghakashi, Mojtaba Pirzadeh, Sahra Asadollahi, Ehteram Boroumand y Sam Valipour.

     

    ?Sinopsis: Emad y Rana son pareja y actores de teatro. ?Actúan en el montaje de una obra de Arthur ?Miller, Muerte de un viajero. El edificio en el que viven ?sufre grandes daños, por una construcción al lado. ?Deben desalojar el lugar y buscar un nuevo sitio para ?vivir.
    Un compañero de trabajo les ofrece un departamento?donde la inquilina se acaba de ir. Sus cosas siguen ahí, ?pero no hay problema en que se trasladen. Él no les ?dice ?que quien habitaba el lugar era una prostituta. Rana ?oye ?el timbre y piensa que es Emad, al que está ?esperando, y deja la puerta abiera mientras se mete a ?bañar.
    ?Quien entra no es Emad sino un asiduo cliente de la ?inquilina anterior. Él abusa de ella, pero no se sabe lo ?que realmente pasó. Los espectadores no nos damos ?cuenta de quién es. A partir de ese momento sus vidas ?cambian y también su relación. Ella tiene miedo. Él esta ?desesperado. La relación se tensa
    ?Emad se dedica a la búsqueda de quien violentó a su ?pareja. Sospecha de alguien que resulta no ser, pero al ?fin da con el culpable. El encuentro es una sorpresa. Se ?trata de un hombre mayor con familia cuya hija está ?pronto a casarse. Rana y él tienen visiones distintas de ?qué hacer con el culpable.


     


    Comentario: Es el séptimo largometraje de Asghar Farhadi. El Cliente (2016), Una separación (2011), que también ganó el Oscar como Mejor Película Extranjera, y El pasado (2013) forman una trilogía.
    ?En las películas de este director tiene una gran fuerza lo ?que no se nombra o dice. La cultura de todos los días ?juega un papel fundamental en sus películas. Para el ?caso, el hombre asume una posición sobre lo que piensa ?fue una agresión sexual que nunca se aborda como tal.? Lo que realmente pasó queda en el aire.
    A la pareja, el hecho los distancia cada vez más. Ella ?asume una posición callada, melancólica, pero a la vez ?firme; él de enojo y búsqueda de la venganza, pero a la ?vez compasivo. Rana y Emad llevan su dolor a los ?personajes que representan en el teatro.
    ?A partir de lo que vive esta pareja, el director ofrece una ?mirada sobre los hombres y mujeres del Irán de hoy. La ?relación que se establce entre las mujeres y las maneras ?que se pueden apoyar, pero tambien agredir. Las ?decisiones de los hombres, la construcción de su ?masculinidad y su capacidad para atacar y vengarse.
    ?Los críticos encuentran que los conflictos familares ?son ?un hilo conductor en la obra de Farhadi. Sobre todo ?pero en cuyo círculo de intimidad las cosas se ?resquebrajan irremediablemente. Lleva al espectador de ?la mano, para que vea el deterioro de las relaciones.
    ?En las películas de Farhadi se presentan personajes que ?se sienten reales y que, como tal, están llenos de ?ambivalencias y contradicciones. Shahab Hosseini como ?Emad y Taraneh Alidoosti como Rana, logran una ?actuación estupenda. Sobre ellos recae la película.
     
    ?Premios: En 2017, Oscar a la Mejor Película Extranjera; ?2016, Festival de Cannes: Mejor Actor y Mejor Guión; ?2016, Festival de Chicago, Premio Especial del Jurado ?Silver Hugo; 2016, Festival de Cine de Mumbái, Premio ?de la Audiencia; 2016, Festival de Cine de München, ?Mejor Pelíucla Extranjera; 2016, Semana Intrenacional ?de Cine de Valladolid, Mejor Película.
     
     
    2017
    Bellas de noche  
    Producción: México, 2016.
    Dirección: María José Cuevas
    Guión: María José Cuevas
    Fotografía: María José Cuevas
    Música: Herminio Gutiérrez
    Con: Lyn May, Rosy Mendoza, Olga Breeskin, princesa Yamal y Wanda Seux.
     
    Sinopsis: Cinco vedettes muy destacadas en la década de los setenta y de los ochenta, como fueron Lyn May, Rosy Mendoza, Olga Breeskin, la Princesa Yamal y Wanda Seux, cuentan la vida de ahora y la que vivieron en su época de gloria. Las cinco viven con mucha austeridad y algunas incluso en pobreza. No les queda nada de lo que tuvieron en otro tiempo. Han pasado tres décadas.
    Olga Breeskin habla de su vida de excesos en los tiempos de éxito, y ahora como predicadora de la palabra de Jesús. Radica en Miami. La sonorense Rosy Mendoza, famosa por la brevedad de su cintura, cuenta cómo después de retirarse se dedicó a escribir un libro sobre metafísica. La acapulqueña Lyn May cuenta, entre otras cosas, que pasa su tiempo cuidando al “amor de su vida”, que le proporciona todo.
    La argentina Wanda Seux, que se recupera de un cáncer, vive rodeada de perros en una casa muy modesta. La princesa Yamal, también argentina, fue algunos años encarcelada acusada de colaborar en 1999 con quienes robaron 140 piezas del Museo Nacional de Antropología en Chapultepec. Ella lo niega, pero estuvo casi tres años en el Reclusorio Femenil en Tepepan.


     


    Comentario: Es el primer documental de María José Cuevas. El título es el mismo de la primera película de ficheras en 1975. La directora enfrenta dos facetas de la vida de estas mujeres; su etapa de gloria y la que ahora viven. Esto, a partir de material de archivo y del filmado por ella en la actualidad. La directora da un trato respetuoso a estas mujeres, pero sin dejar de presentar sus problemas y fracasos. Es un testimonio abierto y honesto. No hay concesiones amarillistas.
    La directora es hija del artista plástico José Luis Cuevas. De joven, a través de su papá, tuvo contacto con algunas de estas vedettes. En su momento ellas representaban el prototipo de la belleza. Sus cuerpos jóvenes eran lo que más llamaba la atención, aunque bailaban y cantaban ataviadas con espectaculares vestimentas. Con el paso de los años fueron perdiendo su atractivo y dejaron la escena.
    Vi la película como el recorrido que hacen estas mujeres entre su etapa de fama y la del ocaso. Da la impresión que, en su juventud y su éxito nunca se prepararon para lo que habría de venir. Pensaron que, con el tiempo, eso era imposible, todo seguiría igual. Su drama es precisamente eso. Lo pierden todo. Vivieron el momento con intensidad, pero no construyeron para el futuro.
     
    Premios: Premio Guerrero al Mejor Documental Mexicano. En 2015 estuvo en las selecciones oficiales de: Festival de Cine Documental Amsterdam; Festival de Cine de Telluride y Festival de Cine de Toronto.
    2017
    House of Cards  
    Producción: Estados Unidos, 2017 (Quinta temporada)
    Creador: Beau Willimon
    Directores: Agnieska Holland, Daniel Minahan, Michael Morris, Roxana Dawson y Robin Wright.
    Guión: Frank Puglese, Melisa James Gibson, Jhon Makiewicz
    Fotografía: Eiyil Bryld
    Música: Jeff Beal
    Con: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Jayne Atkinson, Boris MCGiver, Campbell Scott, Patricia Clarkson, Molly Parker, Derek Cecil, Neve Campbell, James Martínez
     
    Sinopsis: La quinta temporada se divide en dos grandes apartados: el primero es un tiempo de lucha política donde se tambalean las figuras del presidente Francis Underwood (Kevin Spacey) y su esposa Claire (Robin Wright) y la segunda donde ellos, en medio del conflicto, vuelven a retomar el control de la situación.
    Ellos se enfrentan en todos los capítulos a situaciones complicadas, producto de etapas anteriores, que dan a los opositores y a la prensa material, para atacar e investigar. En la temporada, como en las anteriores, pero en esta todavía más, está presente la violencia para hacerse del poder y conservarlo.
    Se establecen perversas alianzas y la traición está  siempre presente. Lo que importa para Frank y Claire es conservar el poder y para eso están dispuestos a todo. En esta temporada participan dos personajes: Mark Usher (Campbell Scott) y Jane Davis (Patricia Clarkson) que juegan papeles muy importantes.
    En la primera parte Francis desvía una investigación que realiza el Congreso sobre él, por malos manejos en su gestión. La elección presidencial se entrampa y no puede decidirse. El presidente introduce sospechas sobre el resultado de las mismas. La elección se tiene que repetir en dos estados. Eso es lo que necesita, para reelegirse.
    Claire, la vicepresidenta, asume la presidencia mientras se resuelve la contienda electoral. Francis y Claire son aliados políticos unidos por una historia, pero ya no son pareja. Ellos viven en la Casa Blanca y también el amante de Claire. La figura de ésta empieza a crecer. Ella también ve por sus propios intereses.
    La lealtad entre Francis y Claire, pero también al interior del equipo, empieza a desquebrajarse. Una supuesta amenaza terrorista entra en escena y complica las cosas. Francis sabe que es una trampa de los militares afines al otro candidato.
    Francis gana la elección, pero su situación es frágil. El diputado Romero lleva un caso que puede poner en jaque su poder y sacarlo de la presidencia. A esta investigación se pueden añadir otras más. Para evitar     esa posibilidad decide renunciar y que Claire asuma la presidencia.
    Él quiere hacerse de todo el poder. Le dice a Claire que el poder más grande está fuera de la Casa Blanca.   Que él se va al sector privado y ella se queda con la presidencia y juntos ahora sí van a tener de verdad todo el poder.
    Después de la renuncia de Francis, Claire ya como presidenta va indultarlo de cualquier delito que haya podido cometer. Es un acuerdo de los dos. Ella inicia su mandato con un triunfo sobre el terrorismo. Fuerzas especiales dan muerte al líder de los islamistas.
    En la declaración que ella hace ante las cámaras, para anunciar a la nación la muerte del líder terrorista debe también decir que indulta a Francis. Él ve la transmisión y dice: ella me traicionó, la voy a matar. La última toma es Claire que afirma: Es mi turno.
     
    Comentario: El lado obscuro y malvado de los personajes en esta temporada es todavía peor que en la anterior. En Francis y Claire, ella asesina a su amante, todo está permitido con tal de hacerse del poder y conservarlo. El asesinato, la manipulación, la compra y la traición son los instrumentos.
    En esta temporada la perversidad y maldad de Francis y Claire, los antihéroes, están siempre presentes. No tienen otra cara. Sí resulta nuevo la presencia de Mark Usher y Jane Davis. El primero como estratega del equipo y la segunda como experta en relaciones internacionales con múltiples contactos en la comunidad internacional.
    En el guion los hechos de actualidad están siempre presentes. La acción del terrorismo, la guerra en Siria, la política migratoria, la relación con Rusia, la posibilidad del impeachment, las tensiones con el Congreso. Esos hechos requieren la toma de decisiones. Hay un juego entre las que se toman en la serie y las que en realidad procesa la Casa Blanca.    
    La maldad como única fuente de las decisiones políticas es una exageración que no se sostiene. Hay muchas situaciones que resultan atractivas en el marco de la trama, pero que no son creíbles. Y vale la pregunta de que si la radicalización de la mentira, la trampa y la traición hacen clara referencia al gobierno de Trump y su gente. Se anuncia una sexta temporada.
     
    Premios: La serie ha ganado todos los premios Emmy posibles. Mejor actriz, mejor serie dramática, mejor reparto, mejor fotografía, mejor dirección. Ha ganado también los Globos de Oro en los mismos rubros. En la última entrega de los Emmy, Kevin Spacey estuvo por quinta vez nominado como mejor actor, pero no ganó.
     
     
     
    2017
    No soy tu negro    
    Título original: I’m not your negro
    Producción: Estados Unidos, 2017
    Dirección: Raoul Peck
    Guión: Raoul Peck en base al texto Remember This House, de Hames Baldwin
    Fotografía: Henry Adebonjo, Bill Ross IV y Turner Ross
    Música: Aleksey Aygi
    Narrada: Samuel L. Jackson
     
    Sinopsis: El director construye el documental a partir de las 30 cuartillas de notas para un libro, Remember this house, que en 1979 inicia James Baldwin (Nueva York, 1924 – Saint Paul de Vence, Francia, 1987) novelista afroestadounidense. Al morir, tenía 63 años, deja inconcluso el texto. La parte fundamental del mismo son la vida y las reflexiones del propio Baldwin.
    Vivió nueve años de autoexilio en París. En Estados Unidos era víctima de la discriminación por su raza, pero también por su homoxesualidad. Es en Francia donde empieza a escribir sus primeros textos. En 1957 regresa a su país y de inmediato se integra a la lucha por los derechos civiles que en ese entonces iniciaba con fuerza. Gracias a su inteligencia, a la profundidad y solidez de su pensamiento, y la sensatez de sus posiciones, entabla una relación cercana con los líderes del movimiento. Entre ellos, de manera especial, Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X. Los tres asesinados antes de cumplir 40 años.
    El director privilegia de Baldwin su perfil de activista político, su lucidez asombrosa y su capacidad de indignación. Hay otros aspectos relevantes en la vida de este intelectual estadounidense que se dejan de lado. El documental lo hace ver como un hombre reposado y cálido, que lo era, pero al mismo tiempo de posiciones firmes en torno a sus posturas antirracistas. Tuvo intervenciones memorables en universidades y los medios de comunicación; una de ellas en el show de Dick Cavett, con una audiencia de millones de telespectadores.
    Otra parte del documental ofrece la aproximación que Baldwin hace a la vida, las ideas y el trabajo a favor de los derechos civiles de Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X. Da cuenta de su relación y de las coincidencias y diferencias que tenía con su forma de pensar.
    Está también su análisis del tratamiento que el cine de Hollywood hace de los negros. Películas como: Fuga de cadenas (Kramer, 1958), con Sidney Poitier y Tony Curtis y La Imitación de la vida (primera versión de John M. Stahl, 1934). A los negros se les representa como serviles y los blancos de ellos esperan siempre gratitud y abnegación.
     
    Comentario: Es el largometraje quince del director haitiano Raoul Peck. Éste es el tercero de sus documentales, los otros: Lumumba: La mort du prophète (1990) y Assistance mortelle (2013). El director sigue el texto de Baldwin al que pone imágenes. Recupera material de archivo con entrevistas televisivas, discursos académicos, escenas de la lucha por los derechos civiles y de la vida de Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X.
    La combinación de texto e imagen está muy bien lograda y tiene una gran fuerza narrativa. Samuel L. Jackson presta su voz a Baldwin. Se trata a profundidad lo que ha significado y lo que hoy significa ser negro en Estados Unidos, una sociedad predominantemente blanca, racista y violenta. Baldwin se propuso cuestionar, al seno de ese país, el significado de ser blanco dentro de una sociedad donde aquel que posee otro color de piel es minimizado, vapuleado, segregado.
    El tema del racismo, por desgracia, se sigue percibiendo como muy actual. Hay sin duda avances relevantes en el campo de los derechos civiles y el trato que se da a los negros, pero sigue habiendo un gran racismo en la sociedad de Estados Unidos. Está ahí el discurso de Trump, que le permitió ganar la presidencia. Hay un sector amplio de estadounidenses que siguen siendo racistas y xenófobos.
    Me impresionó Baldwin y su pensamiento. No lo conocía. El director, haitiano negro, politólogo y simpatizante de la izquierda, con el redescubrimiento de este intelectual y luchador de los derechos civiles quiere poner sobre la mesa el tema del racismo que todavía no está resuelto y que en el gobierno de Trump y sus seguidores supone   una vuelta de la rueda de la historia, que no se debe y puede permitir.
     
    Premios: El documental ha sido nominado a todos los grandes premios del mundo. Ha ganado por mejor dirección o mejor documental: Festival Internacional de Berlín (2017), Premio de la Audiencia y mención especial en el Premio Ecuménico; Festival Internacional de Chicago (2016), Premio de la Audiencia; Premio Críticos de Cine de Dublín (2017); Premio Golden Trailer (2017); Festival Internacional de Cine Hamptons (2016); Asociación Internacional de Documentales (2016); Festival Internacional de Cine Jameson Dublin (2017); Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles (2016); Festival de Cine de Luxemburgo (2017); Festival de Cine de Filadelfia (2016); Festival Internacional de Cine de Portland (2017); Premio Círculo de Críticos de Cine de San Francisco (2016); Premio de la Asociación de Críticos de Cine del Sureste (2016); Asociación de Críticos de Cine de Saint Louis (2016); Festival de Documentales de Tesalónica (2017); Festival Internacional de Cine de Toronto (2016).
    2017
    El fundamentalista reticente    
    Título original: The reluctant fundamentalis
    Producción: India, 2012.
    Dirección: Mira Nair
    Guión: William Wheeler y Ami Boghani en base a la novela homónima de Mohsin Hamid.
    Fotografía: Declan Quinn
    Música: Michael Andrews
    Con: Riz Ahmed, Kate Hudson, Liev Schreiber, Om Puri, Kiefer Sutherland, Martin Donovan…
     
    Sinopsis: Un joven pakistaní (Riz Ahmed) ha ido a estudiar a Estados Unidos. Logra titularse en Princeton. Fija su residencia en Nueva York. Hace todo lo que está de su parte para alcanzar el éxito como analista financiero en Wall Street. Lo logra. Su trabajo es reconocido y asciende en la empresa. Se integra muy bien al estilo de vida estadounidense.
    Todo va muy bien hasta que viene el atentado del 11 de septiembre. En ese momento, para él todo cambia. Ante la histeria estadounidense su físico provoca el rechazo. Se convierte en un sospechoso permanente. Las autoridades constantemente lo detienen. La gente lo evade. El sueño americano se viene a tierra. En su vida, como en la de otros ciudadanos de los países de la comunidad musulmana que viven en Estados Unidos, hay un antes y un después del II-S.
    Su nueva situación lo hace pensar y cuestionar temas como la economía, la política y la idea de la identidad. Sobre el tema en torno a la idea de la identidad. Decide regresar a su país e incorporarse al seno familiar. Se hace profesor de la universidad donde enseña la asignatura: Revolución y Violencia. Está en contra de los fundamentalistas radicales. La oficina local de la CIA lo ubica como “académico militante”. No hay tal, pero queda clasificado en ese apartado. Eso le va a atraer problemas de uno y otro lado de la mesa.
    Comentario: La directora Mira Nair ha tratado en otras películas el tema de la relación entre estadounidenses e indios. La descripción que ofrece de la vida y los problemas del joven profesionista pakistaní, en Estados Unidos y de regreso a su país, es sobria. En ningún momento es complaciente con la desgracia que vive el personaje. En algunos momentos, más que otros, logra penetrar en la complejidad de su situación. Las dos sociedades, la estadounidense y la pakistaní, tiene claros y obscuros.
    La directora cuestiona, lo hace con elegancia, los prejuicios y los juicios previos de una y otra sociedad, la de Occidente y la de Medio Oriente, cada una con sus fundamentalismos y dogmas. La narrativa de la película se aleja de manera intencional de todo tipo de fundamentalismo, que encierran a las personas en visiones limitadas y parciales que les hacen perder el sentido de la realidad. Estas visiones reduccionistas conducen a la manipulación y a la muerte.
    La crítica fue dura con la directora. Se dice que no penetra en la intimidad de los personajes, que se queda solo en una descripción, y que la narrativa es pobre y confusa. Hay, son los menos, que tienen una mirada más positiva de la película.
    2016
    Pasajeros  
    Título original: Passengers
    Producción: Estados Unidos, 2016
    Dirección: Morten Tyldum
    Guión: Jon Spaihts 
    Fotografía: Rodrigo Prieto
    Música: Thomas Newman
    Con: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen,  Laurence Fishburne.
     
    Sinopsis: La nave espacial Navalon de una empresa privada transporta a 5,000 personas y 285 tripulantes a su nuevo hogar en la colonia Homestead II. Los cuerpos están preparados para un viaje de 120 años. A pesar de las condiciones de seguridad de la nave choca con un gigantesco asteroide que causa algunos daños. Entre ellos que Jim Preston (Chris Pratt) despierte 90 años antes de llegar a su destino.
    Muy pronto se da cuenta de que es el único que ha despertado de la hibernación. Solo puede hablar con Arthur (Michael Sheen) un cantinero-robot. Después de un año de ver que no tiene ninguna alternativa decide “despertar” a Aurora Lane (Jennifer Lawrence), para tener compañía. Ella piensa que su caso es también un accidente como el de Jim. Un año después de llevarse muy bien se entera por Arthur de lo que realmente sucedió. Se enoja y rompe relaciones.
    Un nuevo desperfecto de la nave hace que despierte Gus Mancuso (Laurence Fishburne), un oficial de la nave. Aurora y Jim vuelvan a relacionarse. Los tres descubren desperfectos en partes de la nave sobre todo en el reactor central. El oficial muere y ahora ellos dos tienen que reparar la nave. Él antes de morir les entrega su placa de identificación. Ahora, ellos pueden acceder al puente de mando, para hacer los trabajos necesarios. Jim lo logra, pero muere en el intento. Ella lo rescata y revive.
    Se dan cuenta de que hay una aparato para que uno de ellos pueda de nuevo entrar al proceso de hibernación. La siguiente escena es ochenta y ocho años después, cuando despiertan los oficiales de la nave. Se encuentran con que en el gran lobby hay un bosque. Sabemos, entonces, que decidieron vivir juntos. Ellos se encuentran con un libro en el que Aurora cuenta la historia de lo sucedido.
     
    Comentario: Es una historia de amor envuelta en la trama de un caso de ciencia ficción. La película no aporta nada.  
     
    2016
    Paulina (La patota)  
    Producción: Argentina-Francia-Brasil, 2015
    Dirección: Santiago Mitre   
    Guión: Mariano Llinás, Santiago Mitre (Historia: Eduardo Borrás)
    Fotografía: Gustavo Biazzi
    Música: Nicolás Varchausky
    Con: Dolores Fonzi, Oscar Martínez, Esteban Lamothe, Cristian Salguero, Verónica Llinás, Laura López Moyano
     
    Sinopsis:Paulina (Dolores Fonzi) es una joven abogada con un gran porvenir. Decide dejar sus estudios de doctorado y empezar a trabajar con sectores populares en el campo, para concientizarlos de su situación. Su padre, un juez, tratar de convencerla de que no temo ese camino. Ella le ofrece sus razones y deja la ciudad. Quiere hacer su propia vida y elegir por sí misma.
    Al llegar a la comunidad inicia dando clases en una escuela secundaria. A la semana de estar en la comunidad es violada por un grupo de sus propios estudiantes y un obrero de una aserradero que actúa como líder del grupo. Después de la violación presenta la denuncia, pero quiere hacer las cosas a su manera. El padre la apoya. Le pide que presente una denuncia, pero no quiere. Poco después se entera que está esperando un bebé. El padre le pide que aborte, pero ella se niega. Ha decidido tener el hijo. El padre no entiende la actitud de su hija.   
     
    Comentario: Paulina está convencida de la injusticia estructural del sistema. Ella se propone tratar de aliviarla en la medida de sus posibilidades. Por eso opta por irse a trabajar entre los pobres. El jesuita Juan Luis Orozco y yo, vimos juntos la película, tratamos de comprender la actitud de ella con relación a la violación y a tener el hijo, desde una perspectiva teológica.
    La afrenta que ella sufre es producto de una violencia estructural. Sus violadores actúan en esa lógica y de alguna manera no son responsables de sus actos. Es semejante a la actitud de Jesús de “perdónalos Padre, porque no saben lo que hacen”. El niño que espera, producto de esa violencia, es inocente y por lo mismo merece vivir.     
    2016
    Guardiana de los ríos  
    Producción: Honduras, 2016
    Coordinación: Jennifer Ávila (26)
    Producción: Radio Progreso y Equipo de Reflexión, Investigación y Comunicación (ERIC)
    Con: Integrantes de las comunidades que son entrevistados.   
     
    Sinopsis: El tema central es la defensa de los ríos en contra de que se hagan represas por parte de seis comunidades y de activistas a favor del medio ambiente y el derecho de las poblaciones. Las comunidades reaccionaron. El espíritu que los une es el de Berta Cáceres, líder social y ambiental asesinada en marzo de 2016.
    En 2009 el gobierno otorgó 46 concesiones, para hacer las represas sin consultar a las comunidades. Se formaron 40 contratos. Cáceres juega un papel central en la organización de la resistencia que rechazó los proyectos que privatizaban al caudal de los ríos en la región de los lencas. La película se estructura a partir de entrevistas y testimonios de líderes e integrantes de las comunidades contrarios al proyecto. También con Berta, sus hijas y su madre.
     
    Comentario: Es un documental producido por Radio Progreso y el Equipo de Reflexión, Investigación y Comunicación (ERIC). Las dos instituciones pertenecen a la Compañía de Jesús. La radio cumple 60 años. La idea que se trasmite es que el gobierno está cerrado al diálogo y tiene una visión que no respeta el medio ambiente y los valores de las comunidades.
    Para Jennifer Ávila, la coordinadora del proyecto, el mensaje que deja el asesinato de Cáceres es que “estamos en tierra de nadie. El planeta entero puede brincar y decir lo que quiera, pero si le hicieron esto a Berta, qué le van a hacer a cualquier persona de una comunidad a la que nadie conoce. El mensaje es de impunidad total. Es la imposición de la ley del más fuerte”.
    El documental es parte de la Campaña Madre Tierra, que impulsa Radio Progreso y el Consejo de Organizaciones Populares e Indígenas de Honduras (COPINH). Se pretende concientizar, sensibilizar y promover la defensa de los bienes naturales y los territorios. De las entrevistas se deriva que las comunidades conciben a los ríos sólo para el consumo humano y uso de las mismas.
    Ciertas afirmaciones que sostienen algunos de los líderes no son correctas. En el documental, ante la crisis energética del país, no se proponen alternativas a la generación de electricidad por la quema de combustible fósiles. La producción hídrica queda descartada como una alternativa viables. No queda claro el por qué no es conveniente la generación de electricidad a través de las hidroeléctricas.        
     
    Premio: Premio Miradas, Festival de Cine y Derechos Humanos, Barcelona. 
    2016
    Ninfomanía  
    Título original: Nymphomaniac
    Producción: Dinamarca-Bélgica-Francia-Alemania, 2014
    Dirección: Lars Von Trier
    Guión: Lars Von Trier  
    Fotografía: Manuel Alberto Cano
    Música:  
    Con: Charoltte Gainsbourg, Stellan Skargad, Stacy Martin, Shia LaBeouf, Christian Slater, Uma Thurman, Sophie Kennedy, Connie Nielsen, Hugo Speer, Charlie Hawkins
     
    Sinopsis: Joe (Charlotte Gainsbourg) está golpeada y tirada en una calle nevada. Pasa Seligman (Stellan Skasgard) que la levanta y la lleva a su casa, para curarla y acogerla. Ella empieza a contar su historia en ese espacio de protección. Es una ninfómana que desde pequeña experimentó intensamente la satisfacción sexual. Con detalle narra sus experiencias sexuales en las distintas etapas de su vida.
    Con el tiempo la enfermedad de la ninfomanía se agrava. Entre más sexo practica menos se satisface. Eso la lleva a buscar nuevas experiencias e introducirse en prácticas cada vez más denigrantes. En su historia da cuenta de que para ella el sexo y el amor son realidades distintas que nunca se asocian. Satisface sus necesidades y gustos sexuales sin permitir que intervenga ningún tipo de emoción.
    En el diálogo que establecen, él es la persona culta que expone temas de manera profunda, que a ella le son desconocidos. Joe, como pasa con otras enfermedades sufre trastornos psicológicos y vacíos emocionales. Pasa momentos muy difíciles de soledad intensa. Vive en un permanente complejo de culpa, por hacer daño a los demás. Seligman siempre encuentra argumentos, para eximirla de la culpa. Y le ofrece argumentos para que ella misma entienda el por qué actuó así. No siempre la convence. El diálogo termina de manera abrupta y trágica.          
     
    Comentario: Son dos películas, de dos horas cada una, que se estructuran en pequeñas historias. Von Trier explora los aspectos filosóficos y psicológicos del sexo y la sexualidad como realidades que permiten entender al ser humano y su realización como persona. Una vez más este director, que siempre es fiel así mismo, realiza una película dramática y perturbadora que no es para el gran público.
    El problema de la ninfomanía permite a Von Trier hacer una reflexión profunda no sólo del sexo y la sexualidad sino también de la condición humana. Cuestiona paradigmas sociales sobre lo qué es bueno o malo y qué se debe o no aceptar. A sus personajes los lleva a situaciones límites que trascienden cualquier tipo de convencionalismo. Ahí se enfrentan a su condición de personas, debaten sobre su condición humana.
    Las escenas de sexo son intencionalmente explícitas y por lo mismo perturbadoras. Les da un tratamiento que nunca antes se había hecho en el cine. En esa crudeza queda claro que ese no es el tema. Lo es el de la soledad, el de la fragilidad, el de la enfermedad, el de la imposibilidad de romper el círculo perverso en el que Joe, pero también Seligman están inmersos.
    Es una película difícil, como son todas las de Von Trier, que a mi me dicen mucho. Es un cine que me reta y disfruto. La película recae en la actriz francesa Charlotte Gainbourg. El personaje le debe haber costado mucho. Implica una entrega total en manos del director.  Stellan Skarsgard, el hombre que escucha, está muy bien. Es también bueno el trabajo de Stacy Martin, quien hace el papel de Joe cuando es joven. 
    2016
    Sistiaga, una historia vasca
    Producción: El Salvador y Francia, 2016
    Dirección: Manuel Sorto  
    Guión: Manuel Sorto y Camilo Sorto Cazaux  
    Fotografía: Xabi Hiriart
     
    Sinopsis: Es un aborde a la vida del artista vasco José Ramón Sistiaga (Donosti, 1932). Él y el director platican de manera informal. En esas conversaciones el artista y el hombre, con libertad y honestidad, habla de lo que piensa del arte, de su trabajo, pero también de la política, la religión, el país Vasco, la historia y la ciencia.
    En el documental se pueden ver parte de las películas que ha realizado Sistiaga, dibujando directo sobre el celuloide. Son películas hechas a mano. Se necesitan 24 cuadros para lograr un segundo de proyección. Cada fotograma es una obra de arte en miniatura. Es un trabajo original del artista. En 1992 comenzó su película sobre el sol en la que trabaja desde entonces.
     
    Comentario: En 1993 inició la conversación. Se filmaron 20 minutos. Ésta se interrumpió y vuelve en 2011, 18 años después. El proyecto se retoma a propósito de la retrospectiva que se organiza para celebrar los 80 años del artista en el Centro Cultural Koldo Michelena de San Sebastián.
    El documental, que no tiene banda sonora, está bien hecho. Las tomas son buenas y también lo es la grabación del sonido, que es fundamental para poder seguir la conversación. El ritmo de la película es ágil y la narrativa está bien estructurada. 
    1/23