Cine y Teatro 2018
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    El prodigio   
    Título original: Mao´s Last Dancer
    Producción: Australia, 2009
    Dirección: Bruce Berseford
    Guión: Jan Sardi, sobre la autobiografía de Li Cunxin.
    Música: Christopher Gordon
    Fotografía: Peter James
    Con: Chi Cao, Bruce Greenwood, Kyle MacLachlan, Amanda Schull, Joan Chen, Alice Parkinson, Shuangbao Wang, Cgengwu Guo, Wen Bin Huang, Aden Young, Madeleine Eastoe …
     
    Sinopsis: Se basa en hechos reales. Li Cunxin, de 11 años, es seleccionado, en el marco de un programa nacional de búsqueda de talento, para someterse a un intenso entrenamiento con miras a ser parte del Ballet Nacional de China. Él y su familia viven en una pequeña aldea campesina que tiene que dejar, para concentrase en un internado.
    Pasan los años y Li Cunxin supera las diversas pruebas y se convierte en un notable bailarín. En 1981 es seleccionado para una estadía en Estados Unidos como parte de un programa de intercambio cultural organizado por el director de ballet Ben Stevenson (Bruce Greenwood).
    Li Cunix se aloja en la casa de Stevenson. Descubre una forma de vida, para él totalmente ajena. Se enamora de una compañera de la compañía. Después de algunos meses y cuando tiene que regresar a China se niega a hacerlo y da lugar a un conflicto diplomático entre Estados Unidos y China.
    Muy pronto se separa de su esposa y en el país de acogida se convierte en una gran estrella del ballet. Después se casa con la primera bailarina de la compañía, que es su pareja de baile. Ella es australiana y en Australia fijan su residencia. Él y su familia siguen viviendo en ese país.
     
    Comentario: El personaje de Li Cunxin lo hace el bailarín Chi Cao, del Birmingham Royal Ballet, que fue elegido por el mismo Cunxin. Jan Sardi, el guionista, logra sintetizar y adaptar al cine, de manera coherente, la autobiografía del bailarín. Inicia en una comunidad campesina en la China de Mao en tiempos de la Revolución Cultural y termina con la revelación de una gran estrella del ballet.
    El director Bruce Beresford cuenta bien la historia. Las imágenes son muy buenas. Lo que se propone es dar a conocer la vida del bailarín, de la persona en concreto, sin abordar los temas políticos a los que necesariamente se tienen que hacer referencia, pero de manera lateral. Es una narración directa y efectiva. En momentos cae en estereotipos.
    2018
    Mr Turner  
    Título original: Mr Turner
    Producción: Gran Bretaña, Francia y Alemania, 2014
    Dirección: Mike Leigh
    Guión: Mike Leigh
    Música: Gary Yershon
    Fotografía: Dick Pope
    Con: Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Paul Jesson, Lesley Manville, Martin Savage
     
    Sinopsis: La película aborda los últimos 25 años en la vida del pintor inglés Joseph Mallord William Turner (1775-1851) (Timothy Spall), que en su tiempo fue celebrado y denostado por la opinión pública y la realeza.
    El tema central son sus relaciones personales con sus más cercanos: Su padre (Paul Jesson), su exesposa, sus hijas, su ama de llaves Hannah Danby (Dorothy Atkinson), su última pareja, Mary Somerville (Lesley Manville), y algunos de sus amigos.
    En su casa, donde tiene su estudio, vive con su padre y ama de llaves, con la que mantiene relaciones sexuales ocasionales. No soporta a quien fuera su mujer y no se hace responsable de sus hijas. Vive ensimismado y su estilo de relacionarse con los demás es hosco y distante.
    Con la dueña de una posada junto al mar, donde se hospeda para pintar, establece relación de pareja. Con ella se traslada a Chelsea donde vive de incógnito. En esa casa es donde muere.
    En la película se ve a Turner como un popular y anárquico miembro de la Real Academia de Arte. Sus contemporáneos son Friedrich, Wilkie, Haydon y Constable.
    Se recrea un momento conocido de la vida de Turner cuando se hace amarrar al mástil de un barco para tener la sensación de la tormenta y así, después, poder pintarla.
     
    Comentario: La película reconstruye las relaciones personales de Turner y solo de manera marginal aborda su pintura y el proceso creativo. Se ofrece un retrato de la personalidad del pintor y de su manera de actuar.
    Al tiempo se presenta una panorámica, detallada y precisa, de la sociedad inglesa de mitad del siglo XIX. Está muy bien caracterizada.
    La crítica reconoce el trabajo del director, como un gran orquestador, y por el mismo obtuvo nominaciones y premios en distintos festivales.
    La caracterización de los personajes tiene fuerza y son creíbles. Los diálogos pertinentes e inteligentes. Timoth Spall, en su papel de Turner, ganó el reconocimiento como mejor actor en distintos festivales.
    El trabajo de fotografía de Dick Pope es muy bueno, “copia” el estilo de Turner y ofrece tomas brumosas y crepusculares donde el ocre ocupa un lugar central. En los espacios interiores domina la luz que baña los cuerpos en movimiento.
    En la recreación del ambiente se cuidan los detalles. En ese trabajo destacan el diseño del vestuario, el maquillaje y la peluquería.
     
    Premios: Festival de Cannes 2014: Mejor actor, Timothy Spall; Festival de Sevilla de Cine Europeo 2014: Mejor dirección y mejor actor, Timothy Spall; National Board of Review 2014: Mejores Películas Independientes del Año; Círculo de Críticos de Nueva York 2015: Mejor actor, Timothy Spall; Premios del Cine Europeo 2014: Mejor actor europeo, Timothy Spall; Satellite Awards 2015: Mejor fotografía; Premios Oscar 2015: Nominada a Mejor fotografía, Mejor banda sonora, Mejor diseño de producción y Mejor vestuario; Premios BAFTA 2015: Nominada a mejor fotografía, Mejor diseño de producción, Mejor diseño de vestuario y Mejor maquillaje y peluquería.
    2018
    Las reglas de la vida  
    Título original: The Cider House Rules
    Producción: Estados Unidos, 1999
    Dirección: Lasse Hallström
    Guión: John Irving, en base a la novela homónima
    Música: Rachel Portman
    Fotografía: Oliver Stapleton
    Con: Tobey Maguire, Michael Caine, Jane Alexander, Kathy Baker, Erykah Badu, Kate Nelligan, Heavy D, K. Todd Freeman, Paz de la Huerta.
     
    Síntesis: La película está ambientada en los años cuarenta del siglo pasado. Homer (Tobey Maguire) toda su vida la ha pasado en el orfanato de Saint Cloud, en el Estado de Maine.  El doctor Larch (Michael Caine), lo prepara para que, en su momento, aunque no es un médico graduado, sea él su sucesor.
    Homer, en la medida que va creciendo, participa con el doctor Larch y las enfermeras en el cuidado de los niños que viven en el orfanato y también ayuda al doctor en los partos, pero se niega a intervenir cuando éste realiza abortos.
    Un día se presenta una mujer joven Canbdy Kendall (Charlize Theron), para que el doctor le haga un aborto. La acompaña su novio. Homer ve la oportunidad de salir del orfanato y conocer el mundo. A la pareja le pide si lo pueden llevar.
    Todos en el orfanato entran en crisis. El doctor Larch se opone a su partida, pero las enfermeras lo apoyan. Ellas tratan de convencer al doctor de que Homer tiene derecho a experimentar una nueva vida. Mary Agnes (Paz de la Huerta), una huérfana que está enamorada de él se pone particularmente triste.
    Homer consigue trabajo recolectando manzanas en la finca de la madre del novio de Candy. Se incorpora a la cuadrilla de negros que cada temporada realizan el trabajo. El novio de Candy, que es un piloto, pocos días después se va a la guerra en el frente del Pacífico.
    Candy y Homer empiezan a tener una relación amorosa. Ella le dice que no sabe estar sola y para él es una nueva y extraordinaria experiencia. Se enamoran. Ella le enseña nuevas cosas a Homer.
    El jefe de la cuadrilla de recolectores (Delroy Lindo) viola a su hija (Erykah Badu), que queda embarazada. Homer se da cuenta que ella está esperando un bebé y le pregunta lo que pasó. Ella le cuenta y le dice que le puede hacer un aborto.
    Toma la decisión de dejar a su padre y abandonar el lugar. El padre la quiere acariciar, esta vez sólo para despedirse, pero ella, que no sabe cuál es su intención, reacciona con violencia y le entierra un cuchillo.
    El padre le pide a Homer y a uno de sus ayudantes que cuando vengan la policía digan que él se suicidó por la tristeza de la partida de su hija. Homer no puede hacer nada por él y muere.
    Un oficial del Ejército avisa a la madre del piloto que fue herido en combate y que va a quedar paralítico. Le anuncia que pronto va a llegar. Candy y Homer hablan. Ella tiene que recibir a su novio y casarse con él.
    Homer decide volver al orfanato. El doctor Larch ha muerto, pero antes, con papeles falsos hechos por él, convence al patronato del orfanato que el joven médico Homer, con muy buenas cartas académicas y de experiencia, es su mejor sucesor.
     
    Comentario: La película se basa en una novela de John Irving y él mismo realiza el guión. En su momento, han pasado 20 años, la película provocó muchas reacciones entre las organizaciones que se oponen al aborto y las que están a favor.
    La película se divide en dos partes que se desarrollan en dos sitios distintos. La primera historia es la del orfanato. Se idealiza el lugar y a todos los personajes; el doctor, las enfermeras y los huérfanos. Es un espacio donde reina la armonía y la felicidad.
    Una segunda historia es la vida de los recolectores de manzanas, la violación del padre a su hija, la relación imposible de Candy y Homer. La vida que le espera a ella con el marido paralítico y el futuro de Homer.
    El director, Lasse Hallstrom, es un sueco que trabaja en Estados Unidos. Hace buen trabajo para traducir visualmente el guión. La recreación del ambiente del orfanato es creíble y también el manejo de los actores. No es fácil el trabajo con los niños y él logra que todos estén bien en el personaje que interpretan.
    La crítica coincide en la calidad del guión y en las buenas actuaciones. Michael Caine gana el Óscar por su actuación. Charlize Theron luce su belleza y hace un buen personaje. Tobey Maguire actúa a un personaje creíble y humano. Delroy Lindo da humanidad a un personaje terrible.
    Destacan la banda sonora y la fotografía. La película no ha envejecido con el paso del tiempo. Sigue siendo una buena recreación del mundo de los años cuarenta del siglo pasado con su concepción de la vida y sus valores.
     
    Premios: Premios Óscar: Michael Caine, Mejor actor de reparto; John Irving, Mejor guión adaptado.
    2018
    Tarde para la ira
    Título original: Tarde para la ira
    Producción: España, 2016
    Dirección: Raúl Arévalo
    Guion: Raúl Arévalo y David Pulido
    Música: Lucio Godoy
    Fotografía: Arnau Valls Colomer
    Con: Antonio de la Torre, Luis Callejo, Ruth Díaz, Manolo Solo, Alicia Rubio, Raúl Jiménez, Font García
     
    Sinopsis: En 2007, Curro (Luis Callejo) es arrestado por participar en el asalto a una joyería, donde muere la dependiente y el dueño queda en estado de coma. En 2015, ocho años después, sale de prisión y su mujer Ana (Ruth Díaz), que en aquel entonces tenía 16 años, va por él. Ella, cuando éste fue a prisión, quedó esperando un niño que ahora tiene siete años.
    José (Antonio de la Torre) frecuenta el bar, antes de que salga de la cárcel Curro, donde Ana trabaja como mesera. Se empiezan a ver con frecuencia y entablan una relación amorosa. Para ella, después de ocho años de distancia, retomar la relación con Curro se ha vuelto difícil.
    Él es un hombre violento y posesivo. José ofrece a Ana sacarla del barrio y llevarla, con su hijo, a la casa que tiene en el campo. Ella acepta. Después, sin que ella sepa nada, José dice al Curro que tiene secuestrada a su esposa e hijo.
    La mujer muerta en la joyería era la prometida de José y el hombre en coma es su padre. José obliga a Curro, es la condición para devolverle a los suyos, que le diga quiénes participaron en el asalto y dónde viven. Debe acompañarlo en esa tarea.
    José con ayuda de Curro, una vez que los encuentra, los mata. Cuando asesina al tercero y último de los implicados lleva a Curro al lugar donde está Ana y su hijo.
     
    Comentario: Es la primera película de Raúl Arévalo, que antes fue actor. Construye una historia poderosa que sorprende y mantiene la atención. Los hechos ocurren en el bar del barrio, donde todos se conocen, lugar del encuentro cotidiano de amigos y familiares.
    Es un thriller muy bien construido que narra la trama que orquesta José, para vengar a su prometida y a su padre. Él ha construido su propia cárcel que se alimenta de la obsesión de matar a los asesinos. El único sentido de su vida es ese. Él está también muerto.
    La película es dura y realista. La violencia está ahí con todo el daño que puede hacer. Es la violencia de los asesinos, pero también del vengador. Unos y otros quedan presos de ella. La violencia, siempre irracional, se les impone. El daño que hacen violenta al otro, pero también a ellos mismos. Si se elige ese camino no hay como salir bien librado.
    La crítica aplaude el trabajo del director. Él recrea con precisión y naturalidad los ambientes y penetra en la psicología de los personajes. Todos parecen reales. Hace presente la fuerza de la tragedia, y nunca cae en el melodrama. El director tiene claro la historia que quiere contar y lo hace muy bien.
    Las interpretaciones son buenas, en particular las de Antonio de la Torre y Ruth Díaz. Todas hacen creíbles a sus personajes. El guion, obra del director y de David Pulido, es directo y tiene gran fuerza dramática. La cámara retrata la atmósfera densa y está ahí donde ocurren los crímenes. Los registra sin esconder nada.
     
    Premios: Premios Goya 2016: Mejor película, mejor dirección novel, mejor guion original, mejor actor de reparto (Manolo Solo). Premios Feroz 2016: Mejor película dramática, mejor dirección, mejor guion original, mejor actor de reparto (Manolo Sola), mejor actriz de reparto (Ruth Díaz). Premios Saint Jordi 2016: Mejor ópera prima y mejor actor (Luis Callejo). Medallas del Círculo de Escritores Cinematográficos: Mejor película, mejor director, mejor guion original, mejor actor de reparto (Manolo Sola), mejor actriz de reparto (Ruth Díaz). Festival de Venecia 2016: Mejor actriz (Ruth Díaz) (Sección Orizzonti)
    2018
    Un refugio inesperado
    Título original: The Zookeeper´s Wife    
    Producción: Estados Unidos y Gran Bretaña, 2017
    Dirección: Niki Caro
    Guión: Ángela Workman, a partir del libro The Zookeeper´s Wife de Diane Ackerman
    Música: Harry Gregson-Williams
    Fotografía: Andrij Parekh
    Con: Jessica Chastain, Johan Heldenbergh, Daniel Brühl, Michael McElhatton, Ana Rust
     
    Sinopsis: En 1939, los responsables del zoológico de Varsovia, Jan ?abi?ski (Johan Heldenberg) y Antonina ?abi?ski (Jessica Chastain), se enfrentan a la nueva realidad que crea la ocupación nazi. Un alto oficial nazi es Luzt Heck (Dabiel Brühl) que estaba a cargo del zoológico de Berlín.
    Con él acuerdan que, para proteger la vida de los animales, él se llevará los mejores ejemplares a Berlín y que al término de la guerra los habrá de regresar. Jan y Antonina se dan cuenta de lo que sucede con los judíos en el gueto de Varsovia y se deciden a salvar a todos los que puedan.
    Le propone a Heck su proyecto que es criar cerdos en el zoológico para alimentar a las tropas alemanas. A la pregunta de qué les darán de comer le responden que pueden recoger la basura del gueto y así resolver el problema. Él acepta.
    Jan todos los días va al gueto a recoger la basura y debajo de ella esconde a tres o cuatro de los judíos del gueto. Ya en el zoológico los esconden u organizan su traslado a lugares seguros.
    Heck en el zoológico empieza un experimento, para tratar de que vuelva a existir un animal extinguido. Jan y Antonina se muestran escépticos. La relación con el alemán, al principio cordial, se tensa. Él intenta establecer una relación amorosa con ella.
    El alemán, ya en los preparativos de la retirada, se acercan las tropas rusas, se da cuenta del trabajo que han estado haciendo Jan y Antonina. En un primer momento la quiere matar, pero la deja vivir.
     
    Comentario: La película se basa en una historia real y se construye a partir del diario personal de Antonina ?abi?ski. Ella y su marido rescataron a 300 judíos del gueto de Varsovia, en una tarea donde siempre estaba en juego su vida.
    El tema ha sido desarrollado en otras películas, que dan cuenta del rescate de judíos durante la II Guerra Mundial. La más conocida La lista de Schindler (1993), de Steven Spielberg.
    La narrativa es creíble y la estructura de la película está bien hecha. La ambientación y la fotografía son buenas. Me llamaron la atención las escenas del bombardeo en el zoológico con los animales que huyen.
    El papel central corresponde a Jessica Chastain y su actuación está llena de matices. De un lado la mujer que ama a los animales, el personaje que parece ser débil y tiene miedo, pero al mismo tiempo es fuerte y asume los riesgos de su decisión.
    2018
    Ruido rural 
    Título original: Landrauschen   
    Producción: Alemania, 2018
    Dirección: Lisa Miller
    Guión: Lisa Miller
    Música: Robert Guschel
    Fotografía: Hannes Kempert
    Con: Kathrin Wolf, Nadine Sauter, Heidi Walcher, Karl Fischer, Julian Löhle, Corinna Kuttner.
     
    Sinopsis: Toni (Kathi Wolf), que está por cumplir 30 años y vive una crisis existencial, sale de su pueblo a buscar nuevos horizontes. Ahora radica en Berlín donde tiene una vida cosmopolita propia de las grandes capitales. Los trámites de una herencia la hace regresar al pueblo. Consigue un trabajo en el periódico regional, para cubrir lo que ahí pasa. A sus notas da un sentido irónico, pero el editor las rechaza porque solo quiere los hechos, que para ella son aburridos e irrelevantes.
    De vuelta a casa se enfrenta a la intromisión de sus padres en su vida. Ilse (Heidi Walcher) y Franz (Karl Fischer), sus padres,  siguen las costumbres del pueblo. Van a misa y a las fiestas. La madre se siente muy sola. La incomunicación con su marido es total. Toni en ese mundo rural provinciano, sin ningún horizonte, siente que se asfixia. La crisis existencial por la que pasa se agrava con la nueva vida.
    En el pueblo, que es muy conservador, se encuentra con Rosa (Nadine Sauter), que trabaja en la parroquia. Con ella empieza a salir a bares. Las dos van juntas a la celebración del Carnaval. Toni otra vez se siente viva. Rosa, que es lesbiana, se enamora de Toni. Las dos, ya borrachas, se abrazan y besan. Para Toni lo que pasó es solo un momento, pero para Rosa tiene otro sentido. La vida de Rosa en el pueblo es difícil. La gente se burla de ella por su condición.
     
    Comentario: Es el debut de la directora que ubica su película en el género que en Alemania se conoce como “cine rural” que es “un tipo de cine que comenzó a hacerse durante la posguerra y trataba de retratar poblados alemanes muy pintorescos todo muy kitsch, sin embargo, yo traté de darle la vuelta y transformarlo, el resultado fue algo muy punk. Fue una película que se rodó mucho a manera de documental y en el que hubo mucha improvisación debido a que quienes participan no son actores propiamente. El gobierno no nos dio apoyo para realizarla y se logró a través de campañas de crowdfunding”.
    Y añade que “una de las grandes sorpresas es que tal y como yo lo pensaba es una cinta muy universal por los temas que trata. En sus proyecciones en México he visto la respuesta positiva de las personas que la ven y comienzan a identificar similitudes entre los dos países. La película habla de las carencias y puntos débiles de la sociedad alemana como el machismo, que los mexicanos no creían que pudiera existir en Alemania”.
    La película es un retrato fresco y amoroso de la vida de un pueblo rural al sur de Alemania. En ella vemos las tradiciones, costumbres y las fiestas de la comunidad. El comportamiento de la gente en la vida de todos los días y también en los días festivos. Las relaciones al interior de la familia y entre los integrantes de la comunidad donde todos se conocen. La llegada de los migrantes y la reacción de los habitantes del pueblo. El papel que juega la iglesia y el sacerdote. El dialecto que se habla en el pueblo.
    Miller, la directora, nació en el pueblo que retrata. Conoce desde dentro a esa sociedad. En ella fue educada y forma parte de la misma. Hace años que salió de ahí, pero mantiene vínculos con ella. Su retrato, que tiene mucho de documental, es una visión respetuosa y también cariñosa de ese mundo rural que todavía existe en Alemania y en otros muchos países del mundo. Su mirada, como ella dice, se vuelve universal porque se acerca a seres humanos de carne y hueso.
    La película se exhibió en la Cineteca Nacional en el marco de la XVII Semana del Cine Alemán, que se celebra en México. Al terminar la función la directora, que habla un perfecto español, contestó a preguntas del público. Después Sybille, que es de esa región, la invitó para tomar una cerveza con amigos. Lisa nos preguntó cuál era el personaje que más nos impresionaba. Yo dije que Rosa y Mijail, que es la madre. Lisa conoce las películas de Carlos Reygadas y nos dijo que influyeron en la construcción de la suya.
     
    Premios: En el Festival de Cine Max Ophül Preis 2018, premio a mejor largometraje, mejor guión y Premio del Jurado Ecuménico.
    Lisa Miller (1986). Estudia cine y fotografía en la Escuela Superior de Comunicación, Imagen y Sonido en Madrid y la carrera de artes visuales en la Goldsmith University en Londres. En 2006 con Johannes Müller funda Die Miller &Müller Film Produktion con el propósito de reinventar el “Heimatfilm” (cine rural). Landrauschen es la primera película de ese proyecto.
    2018
    Invisible: La historia de las hermanas Brontë
    Título original: To Walk: The Brontë Sisters
    Producción: Reino Unido, 2016
    Dirección: Sally Wainwright
    Guión: Sally Wainwright
    Fotografía: David Raedeker
    Música: John Lunn
    Con: Chloe Pirrie, Finn Atkins, Charlie Murphy, Adam Nagaitis, Jonatan Pryce, Rosie Boore, Lara McDonnell, Talia Barnett, Troy Tipple, James Norton …
     
    Síntesis: La película aborda la historia de las hermanas Brontë, las poetas y novelistas británicas nacidas al inicio del siglo XIX. La mayor Charlotte Brontë (1816-1855) (Finn Atkins), la segunda Emily Brontë (1818-1848) (Chloe Pirrie) y la tercera Anne Brontë (1820-1849) (Charlie Murphy).
    Su padre, Patrick Brontë (Jonatan Pryce), es un pastor que estudia en Cambridge. En 1820, él con la familia se trasladan a Haworth donde se hace cargo de la iglesia hasta su muerte. En 1821, a los 38 años muere la madre, María Branwell, y el padre, que nunca se vuelve a casar, se hace cargo de la educación de sus tres hijas y de su hijo que va a ser muy rígida y conservadora. La tía Elizabeth Branwell, hermana de María, es fundamental en la vida de los cuatro.
    El pastor fomenta su amor por la lectura y la escritura. Es consciente de que sus hijos tienen intereses intelectuales y los apoya. Las tres hermanas y su hermano Patrick Brontë (1817-1848) (Adam Nagaitis) juntos escriben pequeños textos donde crean los mundos de Glass Town, Angria y Gondal.  Son un ejercicio de imaginación que está abierta a lo que leen y sucede a su alrededor.
    Patrick era considerado por su padre y sus hermanas como un genio. Estaba interesado en la mecánica, la música, la historia, las lenguas de la antigüedad y la literatura y la pintura. En Londres se inscribe en la Royal Academy of Arts a la que no asiste. Se hunde en el alcohol y las drogas y no puede vencer sus adicciones.
    En 1846 ellas publican, con seudónimos de hombre, los Poemas de Currer, Ellis y Acton Bell. Solo vendieron dos ejemplares. Siguen escribiendo en secreto. Charlotte con seudónimo utilizado en el poemario manda a una editorial su novela Jane Eyre, que se publica en 1847. El padre se entera cuando sale al público. En 1848, Emily publica Cumbres Borrascosas y Anne, Agnes Grey. Ellas también utilizan el seudónimo del poemario. Las tres obras son un acontecimiento.
    Charlotte decide romper el anonimato después del éxito. En 1848 ella y Anne, Emily se niega, van a Londres para ver al editor de sus obras. Él se sorprende, pero se entusiasma con el encuentro.  En 1848 muere Emily y Patrick y un año después Anne. Charlotte en 1855.
     
    Comentario: La película está hecha para la televisión. La crítica coincide en señalar que Sally Wainwright escribe un guión inteligente y que hace un buen trabajo de dirección en su primera película. La construcción de la narrativa tiene intensidad dramática y fuerza.
    La directora reconstruye con precisión el inicio del trabajo literario de las hermanas Brontë. Ofrece un retrato cuidadoso del mundo familiar y de las dificultades que en ese tiempo enfrentan las mujeres, para insertarse en el mundo de la literatura que es considerada una actividad solo para los hombres.
    En ese recorrido hace un buen retrato de la época con sus valores y prejuicios. Describe el trato que se da a las mujeres y en el lugar que la sociedad las ubica. Las tres hermanas son diferentes y hay una caracterización de cada una de ellas. La relación del padre e hijo está bien tratada.
    2018
    La Muñeca
    Título original: Die Puppe    
    Producción: Alemania, 1919
    Dirección: Ernst Lubitsch
    Guión: Hanns Kräly, Ernst Lubitsch (Historia: E.T.A. Hoffmann. Obra: A.E. Willner)
    Fotografía: Theodor Sparkuhl
    Con: Ossi Oswalda, Hermann Thimig, Victor Janson, Gerhard Ritterband, Marga Köhler, Jakob Tiedtke, Max Kronert
     
    Sinopsis: Lancelot no tiene ningún interés en contraer matrimonio, pero su tío, el Barón de Chanterelle, quiere se case de inmediato, para continuar la descendencia de la familia. Hace publicar un edicto, para que las jóvenes en edad de casarse se presenten en la plaza, para que su sobrino elija a su futura esposa.
    Se dan cita decenas de mujeres casaderas, pero Lancelot huye y se refugia en un convento de monjes flojos y glotones. El superior le dice que la comunidad es muy pobre y está en una grave crisis económica. En la comunidad y se le destina, para que trabaje en la cocina.
    El tío, que busca a Lancelot por todos lados, publica en el periódico un anuncio donde le dice que si se presenta para casarse le dará su fortuna. Uno de los monjes ve el anuncio. En junta de comunidad deciden que le nuevo monje se case y done el dinero a la comunidad.
    Un monje conoce que existe una fábrica de muñecas y Lancelot puede comprar una y a su regreso, ya con ella, simular una boda, para recibir el dinero. Viaja a la fábrica de Hilarius, el artista que las hace, y compra una. Al asistente del fabricante se le cae y rompe.
    Ossi, la hija de Hilarius, se presta a hacerse pasar por muñeca, para que se realice la venta. Ella se ha enamorado del joven comprador. Eso sólo lo saben ella y el asistente. Lancelot se lleva la muñeca. Llega con su tío que está muy enfermo en la cama y éste se levanta. Se organiza y celebra la boda.
    Después de la ceremonia, Lancelot se lleva su muñeca al convento. Ya en su celda descubre que no es tal sino una mujer de carne y hueso. La pareja huye del lugar saltando la barda.
     
    Comentario: Cuando en 1919, Ernst Lubitsch (1882-1947) filma esta película en Alemania ya gozaba de reconocimiento como director. Está en auge el expresionismo alemán, pero decide abordar la comedia. En la película, que es muda, ya están presentes los recursos del género que él crea y que pronto serán imitados por Hollywood. Es lo que se va a bautizar como el “toque Lubitsch”. En los años veinte del siglo pasado se traslada a trabajar en Estados Unidos, pero también sigue filmando en Alemania.
    La Muñeca, como todas las comedias de Lubitsch, tiene una construcción sencilla, pero con un guion que cuenta una historia compleja con diversos subtemas. En unos cuantos rasgos dibuja personajes muy bien definidos que llaman a la risa. En este caso el retrato que hace de los monjes glotones; del artista Hilarius siempre exagerado en sus maneras; de su asistente de inteligencia picara y vivaz; de Ossi la joven enamorada de Lancelot; del barón de Chanterelle su tío que no quiere morir sin descendencia familiar y de Lancelot, que es ingenuo y tiene miedo a las mujeres.
    En las películas de Lubitsch, la ambientación es un tema central. Los escenarios interiores y exteriores están cuidadosamente diseñados. En La Muñeca son notables el taller de Hilarius, la recámara del barón de Chanterelle, el convento y también el lugar donde las jóvenes casaderas persiguen a Lancelot, una evidente escenografía de cartón, y la carreta tirada por caballos, que son personas disfrazadas como tales.
    Los decorados contribuyen a la construcción de un ambiente irreal, propio de los cuentos. En la cocina, por ejemplo, las cacerolas y los sartenes están dibujados en la pared y también el sol y la luna que aparecen a pantalla entera. El director se propone, en el juego de los objetos reales y otros que están solo dibujados, crear la sensación de lo irreal, como en los cuentos, de manera que los personajes y los espacios fueran dibujos que de pronto cobran vida y se hacen parte de la realidad.
    El eje central de La Muñeca es el juego, que resulta muy divertido, entre el personaje de la muñeca-robot y la mujer de carne y hueso que son la misma. Eso se presta a continuas situaciones cómicas. Ossi, la hija de Hilarius, tiene que hacerse pasar como la muñeca-robot que diseñó su padre y que los demás se lo crean. Hace los movimientos rígidos y mecánicos que le corresponden. Siempre debe cuidarse de no parecer como una mujer real, para no ser descubierta.
    Los personajes de Lubitsch, propios del cine mudo, utilizan una mímica expresiva que resulta muy teatral, pero son actores de cine mudo y no de teatro. Los hace moverse en el escenario, siempre a partir de un guion, de manera ágil y muy diversa. Hacen de todo. Brincan, corren, bailan, caen y se levantan y esto siempre con el propósito de divertir y hacer reír.
    La musicalización en vivo de la película estuvo a cargo de Los Músicos de José. El programa dice que este grupo “hace una poderosa música instrumental parecida al funk dirigida a los pies, las tripas y los dos hemisferios del cerebro”. El grupo, en el escenario, sonó muy bien y su propuesta acompañó el desarrollo de la película. Se hizo una con ella, me gustó.
    Una vez más una película de la época del cine mudo abrió, el pasado 9 de agosto, la XVII Semana del Cine Alemán en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. La de México es la muestra más grande e importante del cine alemán en el exterior. Al terminar Sybille y yo fuimos al Bar Bach, cerca del teatro, donde hubo un brindis por el inicio de la muestra.

    Ernst Lubitsch (Berlín, 1882-Los Ángeles, California, 1947). Estudió en el Instituto Sophien de Berlín. A los 16 años empezó a trabajar como actor y desde 1911 en el Deutsches Teather de Max Reinhardt. En 1912 entró en el cine. En 1913 crea el personaje cómico de un judío. Desde 1914 hasta 1922, rodó 50 películas en Alemania. En 1921 hizo su primer viaje a Estados Unidos en esa ocasión asiste al rodaje de Las dos huérfanas de Griffith.
    A partir de 1922, tiene 30 años, se traslada de manera definitiva a Estados Unidos. Le toca hacer cine mudo y luego sonoro. Destaca, como en Alemania, en el género de la comedia. Como supervisor de la Paramount ayudó a jóvenes promesas que huían del nacismo. Es el caso de Billy Wilder y Otto Preminger. Sus últimas películas son El pecado de Cluny Brown (1946) y La dama del armiño (1948), que ya no pudo concluir.
    Su obra se caracteriza por lo que se ha dado en llamar el “toque Lubitsch”. Hace referencia a la habilidad para sugerir más de lo que se enseña. El espectador debe imaginar eso que falta. De ese “toque” se dice también que la narración tiene: “los sutiles ingredientes de la ironía, el pathos, la amargura y la risa, todos en uno; muy a menudo es el sarcasmo más anímico que visual que brota de una situación imposible que pueda degradar al héroe o descalificar al genio”.?
    2018
    Sea Pasolini 
    Título original: Pasolini  
    Producción: Italia-Bélgica-Francia, 2014
    Dirección: Abel Ferrara
    Guión: Abel Ferrara y Maurizio Braucci
    Fotografía: Stefano Falivene
    Música: Canciones y música de distintos autores
    Willem Dafoe, Ninetto Davoli, Riccardo Scamarcio, Valerio Mastandrea, Adriana Asti, Maria de Medeiros, Andrea Bosca, Giada Colagrande, Francesco Siciliano…
     
    Sinopsis: La película narra las últimas 24 horas en la vida del escritor y director Pier Paolo Pasolini (1922-1975) (Willem Dafoe). Abarca de la noche del 1 de noviembre a la noche del 2 de noviembre de 1975. En esas horas lo vemos en la sala de edición preparando Salò o los 120 días de Sodoma, su película póstuma, al tiempo que trabaja en su novela Petróleo y en el guión de Porno-Teo-Kolossal (PTK).
    Come y conversa con sus cercanos entre los que están su madre y su hermana. Da una entrevista a la televisión francesa y otra a Furio Colombo de la revista Stampa Sera. Juega fútbol con unos jóvenes. La noche del 2 de noviembre sale de su casa en búsqueda de compañía, para tener sexo. Paga a un joven a quien invita a cenar. Pasolini maneja a la playa de Ostia. Ahí, fuera del carro, empiezan a acariciarse. Unos tipos que pasan por ahí lo señalan como “maricón” y lo matan a golpes. El joven huye en el carro. El cadáver se encuentra en la playa la mañana del 3 de noviembre.
    En 2005, Giuseppe Pelosi, el único de los asesinos procesado y condenado, dijo que en la muerte de Pasolini intervinieron tres hombres, que al momento de golpearlo brutalmente le gritaban “comunista y maricón”. El joven prostituto, ya cuando el artista estaba muerto, le pasa el auto deportivo por la cabeza.
    El final es la playa de Ostia con el cuerpo de Pasolini tendido. Es de noche. Se oye un aria de la ópera El barbero de Sevilla que canta María Callas. La desolación y la tragedia expresadas en una escena que articulan de manera perfecta la imagen y el sonido.
    Comentario: Abel Ferrara (Nueva York, 1951) reconstruye al detalle las últimas horas de Pasolini, 40 años después de su asesinato. Fue director de cine, escritor, poeta, novelista, ensayista y también crítico. En su tiempo, también ahora, se le considera como un intelectual de enorme creatividad y profunda reflexión. Un artista complejo y controvertido. De joven fue fascista, ya de adulto católico practicante y también marxista y al final de su vida de izquierda independiente. Vivió en la contradicción y el límite.
    Ferrara rinde homenaje al hombre y al artista genial que fue Pasolini. Lo hace mostrando al creador que desafía y confronta a la sociedad en la que vive, pero al mismo tiempo tiene una relación cercana y amorosa con su madre, su familia y sus amigos. Es, sin más, la vida cotidiana del genio que no es muy distinta a la de los demás. Esa realidad, la de todos los días, está envuelta en la soledad radical de Pasolini tanto humana como intelectual.
    En la película participan, 40 años después, actores que trabajaron con Pasolini. Willem Dafoe, que lo encarna, es el centro sobre el que gira la construcción de la narrativa. La crítica coincide en que hace un gran trabajo. Está también Ninetto Davoli, que durante un tiempo fue su amante, y Adriana Asti.
    La fotografía, a cargo de Stefano Falivene, juega un papel relevante. La cámara busca los primeros planos, las secuencias largas, y en el continuo contraste entre las sombras y las luces. Hay un esfuerzo en la composición de cada secuencia y sus imágenes.
     
     
    2018
    El hombre que conocía el infinito 
    Título original: The Man Who Knew Infinity
    Producción: Gran Bretaña, 2015
    Dirección: Matt Brown
    Guión: Matt Brown y Robert Kanigel, sobre una novela del último.
    Fotografía: Larry Smith
    Música: Coby Brown
    Con: Dev Patel, Jeremy Irons, Toby Jones, Stephen Fry, Jeremy Northam, Kevin McNally, Enzo Cilenti, Shazad Latif, Padraic Delaney, Nicholas Agnew, Devika Bhise, Alan Bentley…
    Sinopsis: La película cuenta la historia del matemático indio Srinivasa Ramanujan (1887-1920) (Dev Patel), que, en 1913, a pesar de todos los estereotipos y prejuicios sociales de la época, consigue entrar al Trinity College en la Universidad de Cambridge como alumno y colaborador del matemático G. H. Hardy (Jeremy Irons).
    En 1904, cuando S. Ramanujan termina la secundaria recibe en la India, todavía colonia británica, el premio de matemáticas K. Ranganatha Rao. El director de la escuela dice en esa ocasión que se merecía un puntaje más alto del que se podía dar. El matemático indio envía al profesor G. H. Hardy el resultado de sus primeras investigaciones.
    Su ingreso a la universidad fue difícil ya que en el Claustro de Profesores había prejuicios raciales y también sociales. ¿Cómo puede un indio aprender matemáticas? ¿Quién es ese indio que les viene a enseñar? El estallido de la Primera Guerra Mundial le trae nuevos problemas.
    Nunca dejó de investigar y de responder a los retos que le plantea G. H. Hardy siempre sorprendido por la capacidad excepcional de su alumno. S. Ramanujan murió de tuberculosis a los 33 años. Tenía todavía mucho que aportar.
    El matemático indio era un hombre religioso que decía “una ecuación para mí no tiene sentido, a menos que represente un pensamiento de Dios”. G. H. Hardy era ateo y la fe se convirtió en tema de su diálogo.
    Ramanujan, con el decidido compromiso de su profesor y a pesar de todas las oposiciones, es aceptado como miembro de la Royal Society de Londres solo tres años después de llegar al Reino Unido.
    En el corto tiempo de su vida sus aportaciones más importantes fueron la teoría de los números, las series y las fracciones continuas. En su momento fueron consideradas como excepcionales y muchas siguen vigentes.
    Comentario: La película se basa en el libro que Robert Kanigel publica en 1991. Es el segundo largometraje del director. Está ambientada en la provincia de Madrás en tiempos del Imperio Británico. Es la región donde vivió S. Ramanujan.
    El eje de la narración es mostrar al genio de las matemáticas al que en su momento se le ubicó como alguien de la importancia del inglés Isaac Newton, del alemán Jacob Jacobi o del suizo Leonhard Euler.
    Los reconocidos matemáticos Manjul Bhargava y Ken Ono asesoraron al director en el tratamiento que debía darse, para que los excepcionales descubrimientos de S. Ramanujan se pudieran comprender.
    No conozco la vida del matemático indio y no sé cuáles son las licencias narrativas que el director se dio al contar la vida de S. Ramanujan sobre todo antes de llegar a la universidad. La historia está bien contada y se recrea bien el ambiente académico británico de inicios del siglo XX.
    La relación que se establece entre el profesor y el alumno es un tema bien tratado. G. H. Hardy está convencido de la genialidad de su tutorado, pero debe ayudarle a formarse como profesional, para que no solo trabaje a partir de la intuición, que siempre es útil, pero que no basta. Todo debe ser demostrado.
    La película se plantea dar a conocer y rendir homenaje a este genio de las matemáticas muerto a los 33 años. Al ver la película uno no pude dejar de pensar en lo que éste hubiera podido aportar a la ciencia de seguir con vida.
    Un acierto de la película es que nunca decae el interés por la historia y que, esto es todavía un logro mayor, hace entendible un tema tan complejo y abstracto como las propuestas matemáticas de S. Ramanujan.
    09 DE AGOSTO DE 2018
    Un bailarín en el desierto
    Título original: Desert Dancer
    Producción: Reino Unido, 2015
    Dirección: Richard Raymond
    Guión: Jon Croker en base a la historia de Afshin Ghaffarian
    Fotografía: Carlos Catalán
    Música: Benjamín Wallfisch
    Con: Freida Pinto, Reece Ritchie, Nazanin Boniadi, Tom Cullen, Marama Corlett, Simon Kassianides, Akin Gazi, Makram Khoury, Davood Ghadami, Tolga Safer, Mourad Zaoui, Neet Mohan
    Sinopsis: Afshin Ghaffarian (Reece Ritchie) por amor al baile se arriesga a todo con tal de formar una compañía de danza en Irán, su país natal. En ese Estado islámico teocrático es una actividad prohibida. Afshin desde niño siente una atracción muy grande por el baile. En Mashhad, la ciudad donde vive, se inscribe en un centro de arte donde Allí Mehdi, su director, se convierte en su maestro y mentor.
    En 2009, con 18 años, se traslada a Teherán para entrar a la universidad. Ahí se encuentra con otros jóvenes que como él aman la danza y la música. Forman un grupo clandestino, para prepararse y montar un espectáculo. Elaleh (Freida Pinto), integrante del grupo, es hija de una bailarina que fue parte de una compañía de danza en Irán antes del triunfo de la revolución islámica. Su madre la enseñó a bailar y ella ahora le transmite sus conocimientos.
    Cuando el grupo está listo con su primera obra deciden presentarla en un paraje del desierto lejos de la vigilancia de la Basij, la policía que cuida de la observancia de la moral islámica y las reglas impuestas por el gobierno. La Basij busca a los integrantes del grupo, pero antes de ser ubicado Afshin logra salir del país y pide asilo en Francia donde ahora vive.
    Al mismo tiempo que se cuenta la historia de Afshin, el director presenta la disputa política que tiene lugar en Irán entre el presidente Ahmadinejad, un ortodoxo islámico que pretende reelegirse, y Mousavi, un reformador. Los jóvenes participan en movilizaciones a favor de este último. El ambiente es tenso. La Basij está siempre presente y hay que cuidarse de ella.
    Comentario: La película se basa en una historia real y es la opera prima del británico Richard Raymond. El director asume una posición política en contra del gobierno de Irán al que denuncia como un régimen que no respeta la libertad personal y reprime cualquier expresión artística y política que no este aprobada por las autoridades religiosas. En 2011, los tiempos coinciden con los de la película, con mi compañera y unos amigos viajé tres semanas por Irán en carro. En todos lados el peso de la Ley islámica era muy evidente, pero también las pequeñas manifestaciones de desacuerdo y rebeldía contra el gobierno. En más de una ocasión se nos acercaron personas para decirnos que eran iraníes, pero que no estaban de acuerdo con el Estado religioso que los gobernaba. Irán tiene miles de años de historia y grandes bellezas físicas y arquitectónicas.
    La historia de Afshin es una de otras muchas y el director la desarrolla de forma que me resultó interesante. Anota bien, con grandes pinceladas, las características represivas del Estado teocrático islámico que hoy gobierna Irán y los intentos de la población por liberarse de esta opresión. El director no profundiza en ninguna de las dos historias, pero no era el propósito. Las escenas de la danza en el desierto son muy bellas.
    2018
    Título original: The Water Diviner    
    Producción: Australia, Estados Unidos y Turquia, 2014
    Dirección: Russell Crowe
    Guion: Andrew Anastasios y Andrew Knight
    Fotografía: Andrew Lesnie
    Música: David Hirschfelder
    Con: Russell Crowe, Olga Kurylenk, Jai Courtney, Isabel Lucas, Deni Akdeniz, Dylan Georgiades, Yilmaz Erdogan …
     
    Sinopsis: En 1915, durante la Primera Guerra Mundial, en la batalla de Gallipoli, en Turquía, una familia australiana pierde a sus tres hijos. Joshua Connor (Russell Crowe), el padre que es un granjero, le jura a su esposa que irá a buscarlos para que sus cadáveres descansen en la tierra de la granja.
    En 1919, cuatro años después de la pérdida de sus hijos y ya muerta su esposa, Joshua emprende el camino a Turquía en búsqueda de los cadáveres. Después de dificultades con las autoridades militares turcas, que vigilan el área que está llena de cadáveres de los dos bandos, consigue la autorización para buscar el lugar donde sus hijos murieron y están enterrados.
    La película va y viene, con enorme intensidad, entre el presente, el padre que busca el lugar donde están los cadáveres de sus hijos, y las escenas que recrean la guerra y el momento de la muerte de los tres hermanos que caen juntos. Dos de ellos se pudieron haber salvado, pero pierden la vida al intentar rescatar al hermano herido.
    Cuando Joshua llega a Estambul se relaciona con Ayshe (Olga Kurylenko), una viuda dueña del hotel donde se hospeda, antes de viajar a la Península de Gallipoli. Ahí entabla buena relación con Orhan (Dylan Georgiades), el pequeño hijo de ésta. De regreso, ya que encontró los cadáveres de sus hijos, regresa al hotel. Él y ella se encuentran.
     
    Comentario: La historia se basa en hechos reales. Es el debut de Russell Crowe como director. La película es una denuncia a la guerra y sus consecuencias. Es también expresión de la solidaridad entre hombres y mujeres de nacionalidades distintas, aunque antes hayan estado en guerra. Hasan (Yilmaz Erdogan), un oficial turco que participó en la Batalla de Gallipoli, autoriza a Joshua la búsqueda de sus hijos y le ayuda en esa tarea.
    Es también el compromiso con los seres amados, aunque éstos ya no vivan; la esposa y los hijos. Es una manera de enfrentar la pérdida de las personas más cercanas y buscar la paz consigo mismo. Está también el encuentro del amor y la fraternidad. La vida, a pesar del dolor y de la pérdida, sigue y vale la pena enfrentarla y gozarla. Siempre se puede comenzar y encontrar la felicidad donde menos se espera.
    La fotografía es muy buena con escenas de luz natural. La recreación de las secuencias de la guerra está muy bien hecha. La película se filmó en Australia. La actuación de todos es buena. El director da a la película un tono emocional muy humano. No cae en el sentimentalismo. La historia por sí es interesante y está bien construida.
    2018
    Título original: El cuaderno de Sara   
    Producción: España, 2018
    Dirección: Norberto López Amado
    Guion: Jorge Guericaechevarría
    Fotografía: David Omedes
    Música: Julio de la Rosa
    Con: Belén Rueda, Manola Cardosa, Enrico Lo Verso, Marian Álvarez, Marta Belausetgui …
     
    Sinopsis: Laura (Belén Rueda) hace años que perdió a su hermana Sara (Mariana Álvarez), que desaparece en la selva de la República Democrática del Congo donde trabaja como médico en una Organización de la Sociedad Civil (OSC). La da por muerta, pero un día unos documentalistas, por accidente, hacen una toma donde aparece Sara.
    Laura, ahora con la certeza de que su hermana vive, viaja a Kinshasa, la capital del Congo, para iniciar su búsqueda. La Embajada española y la OSC donde trabajaba Sara, no le ayudan. Ella se organiza por su cuenta. Se enfrenta a muchas dificultades y peligros. Al fin encuentra a su hermana en un campamento de los Señores de la Guerra que viven del asesinato, el comercio y el robo. Su gran negocio es el control que ejercen sobre la producción y la venta del Coltán.
    Sara le explica que ahí, en las peores situaciones, ha encontrado sentido a su vida. Laura la convence que se regrese a España. Organizan la huida del campamento junto con unos cineastas también prisioneros. En un lugar convenido un helicóptero de los cascos azules de la ONU los va a recoger. Llegan al punto. Con ellos va uno de los Señores de la Guerra herido.
    El responsable de la ONU les dice que por política de neutralidad no se pueden llevar al herido. Sara, entonces, decide quedarse. Es aquí donde la necesitan como médico. Aquí puede hacer la diferencia entre la vida y la muerte. Le da su cuaderno de notas a Laura. Ahí está registrada su vida de estos años. Saben que nunca más se van a volver a ver.
    Comentario: Aunque hace referencia al Congo, la película se rodó en Uganda. El director tiene una larga experiencia en la televisión. Un crítico español escribe en El País que la película es una versión en cine de la literatura exitosa de best seller que se vende en los aeropuertos.
    La mirada del director no penetra en la conflictiva del Congo a la que hace referencia. La realidad de la violencia y de la muerte, de la debilidad de las instituciones del Estado, de la perversidad del comercio internacional, del papel de la iglesia y las OSC. Ese mundo es solo contexto, para situar la historia de la búsqueda que Laura hace de su hermana Sara.
    En los días que Laura pasa en el Congo vive una serie de situaciones de las que sale siempre airosa ayudada por la casualidad. Cualquiera que viaje sola por las regiones más conflictivas del Congo termina muerta. En la película no. La producción es buena y lo son también las actuaciones, en particular la de Belén Rueda.
     
    2018
    Icarus        
    Título original: Icarus
    Producción: Estados Unidos, 2017
    Dirección: Bryan Fogel
    Guion: Bryan Fogel, Mark Nonvoe y Jon Bertain.
    Fotografía: Jake Swantko y Timothy Rode
    Música: Adam Peters
    Con: Bryan Fogel y Grigori Rodchenkov   
       
    Sinopsis: El director, ciclista aficionado, inicia el proyecto de su documental con el propósito de demostrar el papel que los anabolizantes juegan en el rendimiento atlético y también ver cómo opera la evasión de los controles antidoping en el deporte, para el caso del ciclismo. Él, a manera de un experimento, se inyecta diversas sustancias con objeto de elevar su rendimiento y obtener mejores resultados en las carreras que se inscribe.
    En ese proceso, al preguntar quién lo puede ayudar, contacta a GrigoriRodchenkov, químico ruso que había estudiado en Estados Unidos. Él, desde hace diez años, dirige el laboratorio del Centro Antidopaje de Moscú, que es la dependencia encargada de coordinar que los atletas rusos no se dopen. Rodchenkov acepta asesorar a Fogel sobre las sustancias que puede utilizar en el esfuerzo de elevar su rendimiento y lo que debe hacer, para no ser detectado en las pruebas antidoping.
    Fogel, poco después, se pregunta cómo es posible que quien está a cargo de controlar el dopaje de su país lo asesore sin tener ningún problema. Y así, lo que iba a ser un documental sobre la evolución del rendimiento atlético de su director, vía las sustancias prohibidas, se convierte en uno sobre la forma en que los atletas rusos burlan los controles antidoping asesorados por médicos del Centro Antidopaje de Moscú.
    El documentalista y Rodchenkov establecen una relación de amistad. Éste le cuenta que hubo una orden directa del gobierno de Moscú, para implementar un plan de dopaje de los atletas rusos que iban a participar en los Juegos Olímpicos de Invierno de Sochi en 2014. Rodchenkov, cuando el COI empieza a investigar sobre los hechos, pide ayuda a Fogel para solicitar asilo en Estados Unidos. Se le concede.
    Y así, alguien que por años manipuló las muestras de orina de los deportistas rusos para pasar los controles antidoping se convierte en informante clave, que resulta determinante para descubrir cómo operaba el modelo ruso. La investigación del COI, con información de Rodchenkov, en diciembre de 2017 condena a Rusia con la mayor sanción, que,hasta la fecha, se haya impuesto por dopaje a un país.
    Comentario: El viraje de la historia que se cuenta es apasionante. Fogel integra muy bien la narrativa de su experiencia personal con el “encuentro”, sin quererlo, del más grande escándalo de dopaje que haya tenido lugar y los mecanismos que las autoridades deportivas rusas utilizaron, para que no quedara registrado.
    En el documental a Rodchenkov, personaje al que se presenta como alegre, excéntrico y también amante de su familia, no se le juzga. No lo presenta ni como delincuente ni como héroe. Se narra la historia. El espectador es quien debe concluir. La narrativa del documental es detallada y precisa, pero al mismo tiempo ágil. Es una historia bien contada que capta la atención e interesa.    
    Premios: En 2018, Oscar a Mejor documental; BATFA, a Mejor documental y Premio Satellite a Mejor documental. Es el primer Oscar que gana una producción de Netflix.
    2018
    Selma    
    Título original: Selma
    Producción: Estados Unidos, 2014
    Dirección: Ava DuVernay
    Guión: Paul Webb y Ava DuVernay
    Fotografía: Bradford Young
    Música: Jason Mora
    Con: David Oyelowo, Tom Wilkinson, Tim Roth, Carmen Ejogo, Common
     
    Sinopsis: La película se basa en hechos históricos de la lucha de Martin Luther King (David Oyelowo) y organizaciones de la comunidad afroamericana a favor del voto. Se centra en la histórica marcha de 1965 que se organiza de Selma a Montgomery, la capital del Estado de Alabama, que fue reprimida brutalmente por la policía después de cruzar el Puente Edmund Pettus.
    Luther King, que en 1964 recibe el Premio Nobel de la Paz, se reúne con el presidente Johnson (Tom Wilkinson) y le propone promulgar una ley que anule las restricciones electorales que todavía tiene la comunidad afroamericana en algunos estados. El presidente le pide esperar y le dice que hay temas más importantes. En los hechos no quiere hacer frente al problema porque piensa le puede traer costos políticos importantes.
    Luther King, entonces, decide viajar a Alabama junto con Ralph Abernathy (Colman Domingo), Andrew Young (André Holland), James Orange (Omar J. Dorsey), Diane Nash (Tessa Thompson), el reverendo James Bevel (Common), Hoseas Williams (Wendell Pierce) y Amelia Boynton (Lorraine Toussaint), para organizar una marcha de protesta. En los años siguientes todos van a tener un papel destacado en la lucha por los derechos civiles.
    La caminata pacífica inicia en Selma, condado de Dallas, y una gran mayoría de los manifestantes son integrantes de la Southern Christian Leadership Conference (SCLC). El gobernador del estado de Alabama, George Wallace, un declarado racista, obstaculizaba de muchas maneras el derecho al sufragio. Había prohibido la marcha. Los manifestantes saben que pueden ser golpeados y encarcelados.
    La televisión nacional transmite en vivo el evento que se conoce como Bloody Sunday. Es un día trágico y fundamental en la historia de los derechos civiles de la comunidad afroamericana en Estados Unidos. Que cientos de miles de televidentes vieran la salvaje represión de la policía contra los manifestantes, que no hacen nada por defenderse, consigue que el movimiento tenga el apoyo de la opinión pública de todo el país.
    Cinco meses después del incidente, el presidente Lyndon B. Johnson se ve obligado a aprobar el Voting Rights Act, que anula las restricciones del derecho al voto que aún pesaban sobre la población afroamericana en algunos estados del Sur de Estados Unidos. Luther King y los suyos ganan.
     
    Comentario: Ava DuVernay es una directora afroamericana. La narrativa de la película es muy poderosa. Enfrenta los hechos en una combinación entre las escenas creadas por ella y las imágenes de archivo. La misma fuerza tiene la narración de los acontecimientos privados que contemplan la discusión entre los líderes, el diseño de la estrategia, la discusión entre Luther King y el presidente Johnson, la vida íntima del pastor y sus tensiones de pareja con su esposa Coretta (Carmen Ejogo).
    La realizadora busca retratar el compromiso y la fuerza del movimiento y sus dirigentes, pero sin idealizar. Están presentes las dificultades, los desacuerdos y las distintas visiones de lo que se debe de hacer. Luther King juega un papel central, pero no es el único líder. En 1964 recibe el Premio Nobel de la Paz y la prensa está atenta a lo que haga. Él sabe que debe de aprovechar eso para ponerlo al servicio de la causa.
    Hay una estructura narrativa, que va y viene en el tiempo, que está bien lograda. La directora reconstruye la historia a partir del hecho central de la marcha, pero añade elementos claves para entender su dimensión en el contexto del momento que vive los Estados Unidos y la lucha por los derechos y la igualdad por parte de la comunidad afroamericana.
    La directora subraya los aspectos dramáticos de la historia, sin amarillismo, a partir de escenas de gran intensidad vistas por una fotografía que las sigue de una manera que impactan y provocan una reacción de indignación, de respeto y admiración. La actuación del actor británico David Oyelowo, que interpreta a Luther King, es muy buena. Siempre da los matices que se necesitan.
    Me impresionan las escenas de la gente que marcha, de manera pacífica, consciente de la causa por la que lucha. Cada una sabe que va a ser golpeada y que incluso puede morir. Avanzan sin detenerse. Y del otro lado la policía racista y violenta que se goza en golpear a los indefensos incluyendo a los ancianos. Queda clara la ideología que los anima: Ellos son negros, pero nosotros blancos somos superiores y tenemos derecho a golpearlos y eliminarlos. Las cámaras registran muy bien esos momentos.
     
    Premios: 2015, obtiene el Óscar a mejor canción original; Asociación de Críticos Afroamericanos le otorga premios como mejor película, mejor director, mejor actor, mejor canción; Asociación de Los Ángeles, mejor dirección; Premios Globo de Oro, premio como mejor canción original; Premios Image reconocimiento como mejor película, mejor director, mejor actor de reparto, mejor actriz y mejor actriz de reparto.
    2018
    El abrazo de la serpiente    
    Producción: Argentina, Colombia y Venezuela, 2015
    Dirección: Ciro Guerra
    Guión: Ciro Guerra y Jacques Toulemonde Vidal
    Fotografía: David Gallego
    Música: Nascuy Linares
    Con: Nilbio Torres, Antonio Bolivar, Jan Bijvoet, Brionne Davis, Luigi Sciamanna, Nicolás Cancino, Yauenkü …
     
    Sinopsis: La historia se articula a partir de los diarios, en sus viajes por el Amazonas, del etnógrafo alemán Theodor Koch-Grünberg (1872-1924) y el etnobotánico estadounidense Richard Evans Schultes (1915-2001). En distintas épocas, el chaman Karamakate se relaciona con los dos.
    En 1909, Koch-Grünberg (Jon Bijvoet), de la Universidad de Tubinga, que por años ha vivido en la selva se encuentra muy enfermo. Lo acompaña Manduca (Yauenkü Migue), un antiguo esclavo de las plantaciones de caucho en Perú. Visitan a Karamakate (Nilbio Torres, cuando era joven y Antonio Bolívar, ya de viejo), para ver si puede curar al alemán. Al  principio se niega porque desconfía de los blancos. Finalmente accede y por las fosas nasales le aplica el llamado “semen de sol”. Los tres parten en búsqueda de la planta sagrada yakruna que lo puede curar de manera definitiva.
    Treinta años después, en 1940, Evan (Brionne Davis) se encuentra con Karamakate ya envejecido.  El estadounidense se propone seguir los pasos de Koch-Grünberg en busca de la yakruna. A Karamakate le dice que es por razones académicas, pero en realidad está interesado en descubrir nuevos bosques de caucho que puedan ofrecer suministro, para el ejército estadounidense que combate en la II Guerra Mundial.
    Las dos expediciones llegan a la misión religiosa de La Chorrera. En 1909 la dirige un capuchino español que reúne huérfanos de las caucheras, para impedir sean esclavizados. Los niños indígenas viven un proceso de occidentalización. Karamakate intenta enseñarle saberes tradicionales. Entra en conflicto con el religioso. Manduca ataca al capuchino en defensa de los niños. Los visitantes tienen que salir de la misión.
    En 1940 el mismo asentamiento da cobijo al culto religioso bajo la conducción de un brasileño que se hace pasar por el Mesías. Los huérfanos de antes, que ahora son adultos, están integrados al culto. Desconfían de Evan y Karamakate, pero son aceptados cuando se hacen pasar por los reyes magos Baltasar y Melchor. Karamakate cura a la mujer del Mesías y después huye en compañía de Evan.
    Koch-Grünberg, Manduca y Karamakate llegan a un puesto fronterizo donde viven los últimos miembros de la nación del chamán. Los pobladores son presos del alcohol y han olvidado sus tradiciones. Ahora cultivan la yakruna, que la tradición dice debe crecer salvaje, y la usan como una droga recreativa. Karamakate prende fuego a los cultivos mientras que un grupo de militares colombianos toma la aldea.
    En 1940, Karamakate y Evan llegan a los Cerros de Mavecure. Aquí se encuentra la última planta de yakruna. El estadounidense confiesa al chamán cuál es el motivo real de su expedición; el caucho. Karamakate decepcionado de la búsqueda le dice que no puede llevarse la planta y que debe consumirla, Evan accede. La película termina con las visiones de color que produce la yakruna.
     
    Comentario: El director hace un homenaje a los ríos de la selva amazónica y a los pueblos Tikuna, Kubeo, Huitoto y Ocaina que todavía sobreviven en esa región. Las historias en los diarios de Theodor Koch-Grünberg y Richard Evans Schultes son la guía para contemplar la grandeza de la naturaleza y la espiritualidad de los pueblos que la habitan.
    El director sabe que esas naciones están a punto de desaparecer. Ahora ya sólo se integran por algunos miles de pobladores y en algunos casos solo cientos. Su pérdida implica que deja de existir, que muere para el mundo, su cosmovisión, su lengua, su cultura y también sus saberes. Después de miles de años de haber habitado la tierra desaparecen.
    La película también rinde homenaje a los científicos que se introdujeron a la selva en búsqueda de conocer la región amazónica y a los pueblos que la habitan. Ellos dieron a conocer al mundo la belleza y los misterios de ese espacio prácticamente desconocido. Koch-Grünberg estudió la cultura de esas naciones, sus prácticas de sanación y de chamanismo. Evans estudió las propiedades farmacológicas de muchas plantas y hongos de uso ritual. Fue uno de los primeros en señalar y crear conciencia sobre la potencial destrucción de la selva amazónica y el creciente exterminio de los pueblos originales.
    Los actores son integrantes de los pueblos indígenas y su actuación es muy buena. La fotografía en blanco y negro es impresionante y la selva luce imponente. Está siempre presente la inmensidad del paisaje y la fuerza de los ríos. Y en todo momento está el dolor, pero también la admiración, de los pueblos explotados por el colonialismo que ahora están a punto de la extinción.
     
    Premios: En 2015, ganó el Premio Art Cinema en la sección Quincena de Realizadores del Festival de Cannes; en 2016 fue nominada al Óscar como mejor película extranjera.
     
    2018
    La pequeña muerte   
    Título original: The Little Death
    Producción: Australia, 2014
    Dirección: Josh Lawson
    Guión: Josh Lawson
    Fotografía: Simon Champan
    Música:  Michael Yeserski
    Con: Bojana Novakovic, Patrick Brammall, Lisa McCune, Kate Mulvany, Josh Lawson, Damon Herriman, Kate Box, Lachy Hulme, Tasneem Roc, Erin James …
     
    Sinopsis: Es una comedia que narra cinco historias de fantasías sexuales no realizadas o disfunciones del sexo. La primera es la de una esposa cuyo deseo más fuerte y anhelado es ser violada. Al principio su pareja se desconcierta, pero después hace todo para que eso tenga lugar.
    La segunda es la de una pareja de mediana edad que tiene dos hijos. La relación se ha desgastado. La mujer todo el tiempo critica a su marido. Él encuentra una pastilla para drogarla. Su mayor placer sexual es tener relaciones con ella cuando ya está dormida.
    Una esposa que nunca ha tenido un orgasmo, es la tercera historia. La pareja ha intentado todo para tener un hijo. Muere el padre de su esposo y cuando lo ve llorar siente, de pronto, una enorme excitación sexual y luego vienen intensos y prolongados orgasmos. En adelante ella va a hacer todo lo que está a su alcance para que su marido esté triste y llore.
    En la cuarta, una pareja ha perdido la excitación sexual, pero descubren que si representan personajes vuelven a vivirla con intensidad. En ese proceso el marido termina por poner más cuidado en verse así mismo como actor que en lograr despertar la pasión de él y su esposa.
    La historia de una operadora que atiende llamadas para sordomudos en videoconferencias, es la quinta. A ella le toca mediar en la conversación entre un hombre sordomudo, al que excitan las llamadas por las líneas hot, y una mujer que trabaja en una de éstas. La intérprete y el que solicita el servicio se enamoran.
     
    Comentario: Es una comedia muy original, inteligente y divertida que trabaja sobre las fantasías sexuales, pero sobre todo en lo que sucede cuando se trata de hacerlas realidad. Eso da lugar a situaciones muy divertidas, pero también trágicas. Las historias se inscriben en la vida cotidiana de parejas de clase media en la Australia de hoy, pero puede ser cualquier lugar del mundo.
    La narración es una historia a coro, donde se cruzan una y otra de las mismas. Son parejas entre los treinta y cuarenta años que se enfrentan al desgaste de la relación, la cotidianidad, la incomunicación, las dificultades del trabajo, el aburrimiento, la insatisfacción personal y de pareja y también la frustración.
    Las parejas buscan por diversas vías obtener la excitación sexual e impedir que ésta se termine. Intentan mantener viva sus relaciones de pareja y de hacer de la vida de todos los días algo satisfactoria y con sentido.
    Los diálogos son ocurrentes y están bien construidos. Las actuaciones son buenas y cada uno de los actores están en el papel que le corresponde. Es una película construida con muy pocos elementos, pero con mucha inteligencia.
    2018
    Las sufragistas
    Título original: Suffragette
    Producción: Reino Unido, 2015 
    Dirección: Sarah Gavron
    Guion: Abi Morgan
    Fotografía: Eduard Grau
    Música: Alexander Desplat
    Con: Carey Mulligan, Helena Bonham Carter, Anne-Marie Duff, Brendan Gleeson, Ben Whishaw, Meryl Streep, Romola Garai, Samuel West, Geoff Bell, Natalie Press, Lee Nicholas Harris, Richard Banks, Adrian Schiller, Judit Novotnik, Morgan Watkins …
     
    Sinopsis: La película trata de la lucha de las mujeres inglesas por lograr el voto. El eje de la narración es el personaje ficticio de Maud Watts (Carey Mulligan), que tiene 24 años y trabaja en una lavandería. Está casada con un compañero de trabajo (Ben Whishaw). Los dos son ajenos a la política. Ella, invitada por compañeras, se empieza a involucrar en la lucha de las sufragistas que encabeza la combativa Emmeline Pankhurst (1858-1928) (Meryl Streep).
    La militancia y el compromiso de Watts crece y pronto empieza a participar en actividades cada vez más arriesgadas. Las autoridades la tienen ubicada como una activista peligrosa. El marido la deja y le quita al pequeño hijo que da en adopción. Ella sigue en la lucha. Esta historia ficticia se mezcla con otras que realmente sucedieron como la de Emily Wilding Davison, quien muere arrollada en un derby al que asiste el rey Jorge V. Ella fue encarcelada nueve veces e hizo 49 huelgas de hambre. Su historia en la película tiene un papel menor.
    Se describen las duras condiciones laborales de las mujeres en la Gran Bretaña de ese entonces. La explotación y el abuso sexual constante por parte de los jefes. Y también registra el ambiente de agitación social y las protestas de las mujeres que luchan por el voto como una manera de romper con una sociedad patriarcal donde están sometidas a los hombres. Se da cuenta de los métodos de lucha de las sufragistas y de la confrontación con las autoridades.
    Comentario: La película se propone reconstruir con hechos y personajes reales y ficticios, cómo se estructura el movimiento social de las sufragistas inglesas. El proceso de “conversión”, el reclutamiento, el trabajo clandestino, la confrontación con la policía y la presencia en la calle. Hay elementos que señalan la fuerza y complejidad de la organización. El movimiento se consolida, avanza y prospera porque la dirección es capaz de convocar a la acción. No es solo la justeza de las posiciones sino la actividad política que congrega y suma.
    La directora construye bien el ambiente general de animadversión contra el movimiento y también cómo éste se abre camino y genera simpatías. Describe las dificultades de las mujeres en el trabajo y lo complicado y desgastante que resulta la militancia política en el movimiento. Ellas tienen que atender su casa, cuidar a los hijos y enfrentarse a la incomprensión de sus maridos. Siempre, salvo muy contadas excepciones, hay que remar contra la corriente.
    La fotografía de Eduard Grau retrata un Londres sombrío donde las condiciones de trabajo son terribles y la presencia generalizada de la miseria es evidente. La música de Alexandre Desplat tiene un papel importante. La actuación de Carey Mulligan es buena. En ella se centra gran parte de la narrativa de la película. Hay críticos que consideran que el guion de Abi Morgan se queda corto y también que, a la directora, Sarah Gavron, le faltó penetrar en la construcción psicológica de los personajes. La película me ofreció información que no conocía.
     
    2018
    Brooklyn    
    Título original: Brooklyn
    Producción: Reino Unido e Irlanda, 2015
    Dirección: John Crowley.
    Guión: Nick Homby en base a la novela del mismo nombre de Colm Tóibín.
    Fotografía: Yves Bélanger.
    Música: Michael Broot.
    Con: Saoirse Ronan; Domhnall Gleeson; Emory Cohen;  Jim Broadbent; Julie Walters; Emily Bett Rickards; Eve Macklin; Jenn Murray; Mary O’Driscoll; Michael Zegen y Gerard Murphy.
     
    Sinopsis: La historia ocurre en los años cincuenta. Eilis Lacey (Saoirse Ronan), vive en un pequeño pueblo del sur de Irlanda y trabaja en una tienda de comestibles. Su hermana mayor se ha puesto en contacto con el padre Flood (Jim Broadbent), un sacerdote irlandés que vive en el barrio de Brooklyn en Nueva York. Él va a ayudar a Eilis, para que se labre un mejor futuro en esa ciudad. Ya en Estados Unidos, con el apoyo del sacerdote, consigue una pensión de muchachas donde vivir y pronto encuentra trabajo en una tienda departamental de lujo.
    Mientras trabaja se pone a estudiar contabilidad con una beca que le consigue el padre. Es disciplinada en su trabajo y estudio. Por carta se mantiene en contacto con su casa. En el centro parroquial conoce a Tony (Emory Cohen), un italo-estadounidense que junto con su hermano lucha por mejorar su posición económica y social. Se ponen de novios. Eilis recibe la noticia de que su hermana ha muerto y debe volver a Irlanda. Antes de irse se casa con Tony. Ya en la casa materna se da cuenta que su hermana estaba enferma pero nunca se lo quiso decir, para que se fuera tranquila en búsqueda de un mejor futuro.
    En Enniscorthy, su pequeña ciudad, a través de una amiga de la infancia conoce a Jim (Domhnall Glesson), hijo de una familia rica. Con sus nuevos estudios y el hecho de venir de fuera pronto consigue trabajo. Se relaciona con Jim. Ella ahora vive su ciudad de otra manera. Va a los buenos restaurantes y a los clubes de la alta sociedad. A nadie le ha comentado que contrajo matrimonio. Duda en quedarse con Jim o regresar a Nueva York con Tony. Es consciente de la vida provinciana y llena de prejuicios de su ciudad. Al fin decide regresar.
    Comentario: El director se adentra en la experiencia de los migrantes y a los sentimientos y emociones que ellos viven. La incertidumbre de enfrentarse a lo desconocido, el dolor de abandonar a la familia y a los amigos, la nostalgia de todo lo que se deja atrás. Y al mismo tiempo el descubrimiento de tantas cosas nuevas y distintas, que se asumen como algo bueno.
    A través de lo que pasa a Eilis vemos lo que ocurre con la vida y los sentimientos de muchos de los migrantes. Su tristeza, dolor y también el cambio en su valoración de la vida y del mundo que provocan los nuevos patrones y referentes culturales. Ella se integra a la nueva sociedad en la que ahora vive. Hay una síntesis personal entre el mundo que dejó y el que ahora ha descubierto. Hay una nueva persona.
    El director hace una película redonda en la que funcionan todos los elementos que la integran. Da importancia y valor a las cosas sencillas, las que hacen la vida de todos los días. Construye con mucho cuidado y rigor el ambiente de la época. Las calles, los edificios, los interiores de las viviendas, el vestuario. El Brooklyn de la década de los cincuenta. Saoirse Ronan, la actriz principal, realiza un trabajo muy bueno. Da a su personaje los matices sentimentales que requiere. Siempre es creíble. La fotografía y la música ayudan a la construcción del clima de nostalgia de un tiempo que ya se fue.
    Premios: En 2016, fue reconocida por los Premios BAFTA como la mejor película británica; nominada a tres Premios Óscar: Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Guion Adaptado. También recibió nominaciones a los Premios del Sindicato de Actores y a los Premios de la Crítica Cinematográfica.
    2018
    Lady Bird      
    Título original: Lady Bird  
    Producción: Estados Unidos, 2017
    Dirección: Greta Gerwig
    Guión: Greta Gerwig
    Fotografía: Sam Levy
    Música: Jon Brion
    Con: Saoirse Ronan, Laurie MetCalf, Tracy Letts, Beanie Felstein, Lucas Hedges, Timothée Chalamet, Stephen McKinley, Lois Smith …
     
    Sinopsis: Christine McPherson, que se autonombra Lady Bird (Saoirse Ronan), tiene 17 años y vive con su familia que está integrada por su madre Marion (Laurie Mercalf), su padre Larry (Tracy Letts), su hermano adoptado Miguel (Jordan Rodrigues), mayor que ella, y la novia de éste. Radican en un suburbio de Sacramento, California.
    Lady Bird va a una secundaria católica. A su hermano en la escuela pública le toca ver como acuchillan a un alumno. Los padres, entonces, deciden mandarla a una escuela privada. Ahí se hace muy amiga de Julie Steffans (Beanie Felstein). Las dos se inscriben en el grupo de teatro en el que también participan estudiantes del colegio Xavier de los jesuitas. Lo dirige un sacerdote.
    En ese grupo Lady Bird conoce a Danny O’Neill (Lucas Hedges) y se hacen novios. De manera accidental descubre que es homosexual. Lady Bird y su madre discuten por todo. Ella siempre insiste en la necesidad de la austeridad porque no tienen dinero. El padre ha perdido el trabajo.
    Lady Bird entra a trabajar a una cafetería donde conoce a Kyle Scheible (Timothée Chalamet). Se ponen de novios. Él es del grupo de Jenna Walton (Odeya Rush), alumna popular de familia acomodada. Lady Bird ingresa a ese círculo que le resulta novedoso y atractivo. Ella es consciente que su familia no es de ese sector social. Se siente presionada y miente sobre el barrio y la casa donde vive. Deja de frecuentar a Julie.
    Danny, el exnovio homosexual, visita a Lady Bird en su trabajo y llora con ella. Le confiesa lo difícil que es decirle a sus padres que es gay. Ella lo abraza y consuela. Con Kyle pierde su virginidad. Se siente engañada porque éste le dice que también era virgen, pero no es cierto. Marion quiere que su hija se quede a hacer la universidad en la región porque es más barato. Lady Bird, con el apoyo de su padre, manda solicitudes a universidades en la costa Este.
    Después de mucho esperar y de haber recibido el rechazo de media docena de universidades le llega la aceptación de una en Nueva York. Con Kyle va al baile de graduación de la escuela, aunque ya no son novios. También va Jenna. Ellos deciden irse mejor a una fiesta. Ella, entonces, les pide que la dejen en casa de Julie. Se reconcilian y juntas se van al baile de graduación.
    La madre por accidente se entera que va a ir a estudiar a una universidad en la costa Este. Se siente traicionada y le deja de hablar. Lady Bird, el día que cumple 18 años se va a la tienda del barrio a comprar todo lo que le estaba prohibido por ser menor de edad. La madre intenta escribir una carta en la que expresa a su hija todo lo que la quiere. No le gusta el tono de su redacción y la tira a la papelera.
    Llega el día que debe de irse a Nueva York. La madre maneja el carro. No habla con su hija. En el aeropuerto no quiere bajar a despedirse y argumenta que el estacionamiento es muy caro. Lo hace el padre. Marion se arrepiente y regresa, pero su hija ya se ha ido. El marido la abraza y consuela.
    Ya en Nueva York al abrir su maleta se encuentra un sobre. Son los proyectos de carta que había hecho su madre que el padre recogió. En todas le dice que la ama. Recién llegada en una fiesta de bienvenida a la universidad se emborracha y se golpea al caer. La llevan al hospital. En la mañana ya consciente se da cuenta que es domingo. Entra a una iglesia y participa de la ceremonia. Luego habla a su casa por el celular. No contestan y deja un mensaje donde dice a su madre que la ama. Ahora adopta su nombre verdadero, Christine.
     
    Comentario: La directora sobre la historia dice que “nada en la película literalmente sucedió en mi vida, pero tiene un núcleo de verdad que resuena con lo que sé”. Se trata de un retrato, detallado y preciso, de un sector de la clase media de Estados Unidos y también, en ese marco, del desarrollo de una joven estadounidense que se abre a la vida.
    El guion, que es de la misma directora, registra todo lo que le sucede en Lady Bird y su entorno a la manera de un diario de campo de un antropólogo que anota lo que observa día con día. En la construcción de la narrativa se presentan los hechos que hablan por sí mismos. No hay juicios de valor. El espectador desde su propia visión se define ante ellos.
    La vida de Lady Bird es el eje sobre el cuál se articula toda la película. Está la estructura de la familia y la pareja. La manera que se relacionan los padres entre sí y éstos con sus hijos. La relación de los hermanos. El grupo de los amigos y la interacción con ellos y entre ellos. La primera experiencia del amor y del sexo. Las costumbres y los valores de la familia y la comunidad.
    El colegio, para el caso una escuela católica en el estado de California. La relación con las monjas y los sacerdotes. La manera de ver y vivir la religión y las prácticas propuestas por la misma. Los grupos sociales que están presentes en la comunidad. Cada uno vive en su propio espacio y no se cruzan. Literalmente los divide la vía del tren.
    La directora reconstruye con amor ese mundo del que ha sido parte. Los diálogos reflejan con precisión la vida, las personas y la sociedad a la que se hace referencia. Juegan un papel central en la película. Podían leerse como una novela. Las actuaciones de Saoirse Ronan (la hija) y de Laurie MetCalf (la madre) son notables.
     
    Premios: 2018, en los Oscar fue nominada a mejor actriz, mejor actriz de reparto, mejor guion original y mejor director. Es la quinta mujer en obtener esta nominación. No ganó ningún premio. En el 75 Aniversario de los  Golden Globe Awards, ganó como mejor película y como mejor actriz (Ronan). Nominación como mejor actriz de reparto y mejor guión. En los Premios BAFTA, nominación como mejor actriz, mejor actriz de reparto y mejor guion original.
    2018
    En la penumbra  
    Título original: Aus dem Nichts
    Producción: Alemania, 2017
    Dirección: Fatih Akin
    Guión: Fatih Akin y Hark Bohm
    Fotografía: Rainer Klausmann
    Música: Josh Homme
    Con: Diane Kruger, Denis Moschitto, Numan Acar, Johannes Krisch, Samia Chancrin, Ulrich Tukur, Rafael Santana …
     
    Sinopsis: Katja (Diane Kruger) después del trabajo se dirige a la oficina de su esposo Nuri (Numan Acar), que es turco de nacimiento. Rocco (Rafael Santana), el hijo de ambos, que tiene cinco años, ha pasado la tarde con él. El sitio está acordonado por la policía porque ha ocurrido un atentado terrorista. Ella se da cuenta de que la bomba estalló precisamente en el local donde estaban su esposo e hijo, que ahora sabe han sido asesinados por un grupo racista.
    Katja entra en una profunda depresión y vuelve a consumir drogas. La policía da con la pareja que ha puesto la bomba. Se inicia un juicio en contra de los responsables. Katja es testigo. Los jueces deciden, a pesar de todas las evidencias,  que no hay pruebas suficientes para demostrar que la pareja es la culpable del atentado. Quedan en libertad.
    Ella, ante la injustica de las autoridades decide hacerse justicia por su propia mano. Se da a la búsqueda de la pareja asesina. Los encuentra en Grecia protegidos por facistas griegos. Ubica el lugar en el que acampan. La primera intención es poner una bomba en el trailer que ocupan. Se arrepiente. Luego decide atar la bomba a su cuerpo y entrar en él de sorpresa para que los asesinos sepan, antes de que explote la bomba, que es ella la que los está matando.
     
    Comentarios: La película del director turco-alemán Fatih Akin se adentra, a partir de contar una historia, en la problemática del racismo en la sociedad Europea y en particuar en Alemania. Para los neonazis alemanes el único crimen de Nuri es ser turco. Por eso debe morir.
    El director en un primer nivel hace presente el peligro que representan los neonazi en la Alemania de hoy y el apoyo velado que reciben de ciertas autoridades. En un segundo nivel, más profundo, nos introduce en el drama personal de Katja. Ella, que es alemana, se siente impotente ante el aparato jurídico que liberó a los asesinos de su esposo e hijo. ¿Qué sentido tiene vivir en esa sociedad?
    La única posibilidad de hacer valer la justica es que ella la aplique. Ahora el sentido de su vida es que los asesinos reciban el castigo que merecen. Es algo que debe a su esposo e hijo. No les puede fallar. Sería traicionarlos. Katja asume que la única manera de encontrar la paz y salir del mundo sin sentido en el que ahora vive es que ella se inmole.
    Es notable la actuación de Kruger. Sobre ella descansa toda la película. Logra trasmitir de manera creíble su abatimiento, su desesperación, su angustia, su impotencia y también su firme decisión de hacer justicia ante la colaboración de las autoridades con los criminales.
     
    Premios: En 2017, en el Festival de Cannes, Kruger obtiene el premio a mejor actriz; en los Golden Globes, gana el premio a mejor película extranjera. En 2018 en el Oscar está nominada a mejor película extranjera.
    2018
    Milada  
    Título original: Milada
    Producción: República Checa, 2017
    Dirección: David Mrnka
    Guión: David Mrnka, Robert J. Conant y Robert Gant (Historia: Martin Dolenský y David Mrnka. Libro: David Mrnka)
    Fotografía: Martin Strba
    Música: Ales Brezina
    Con: Ayelet Zurer, Robert Gant, Anna Geislerová, Vica Kerekes, Daniel Rchichev, Karina Rchichev, Tatjana Medvecká, Igor Orozovic, Jaromír Dulava, Alena Mihulová, Vladimír Javorský, Marian Mitas …
     


    Sinopsis: La película es una mirada a la biografía de la política y defensora de los derechos humanos Milada Horákova (1901-1950) que fue una de las víctimas de los procesos de persecución realizados por el régimen comunista en la República de Checoeslovaquia y la única mujer ejecutada en éstos. A partir de entonces se convirtió en un símbolo de la resistencia y la lucha por la democracia.
     
    Horákova, después de la caída del Imperio Austro-Húngaro y la consecuente independencia de Checoslovaquia inició estudios en la Universidad Carolina de Praga. En 1926 se recibe como abogada. Al terminar sus estudios se casa con Bohuslav Horák, que trabaja en la radio checoslovaca. Ella hablaba inglés, francés y alemán. Viaja por Inglaterra, Francia y la Unión Soviética.


    En 1929 entra al Partido Socialista Nacional Checo y pronto se convierte en dirigente clave del Consejo Nacional Femenino (CNF), la organización de mujeres más importante del país. En 1933 nace Jana, su única hija. En los años de la ocupación alemana colabora con la resistencia y a través del CNE ofrece ayuda social y apoyo a gente perseguida.
    Por su actividad fue encarcelada junto con su esposo en 1940. Permaneció dos años en la prisión de Pankrác y después del atentado a Heydrich fue trasladada al campo de concentración de Terezín. Estuvo también encarcelada en Alemania. En 1945, al fin de la II Guerra Mundial, vuelve a Praga y se encuentra con su marido que también sobrevivió a la guerra. En su país retoma la actividad política y social. En 1947 funda el periódico femenino Vlasta.
    En 1948, después del golpe de estado comunista, decide dimitir al Parlamento, pero sigue en actividades políticas de la oposición. De acuerdo a la película antes de que esta pueda dejar el país es arrestada. Su esposo logra huir. En 1949 es detenida por espionaje y conspiración. El 27 de junio de 1950 es ejecutada. Entre 1948 y 1960 de las 234 víctimas eliminadas por el régimen comunista fue la única mujer. En ese entonces su hija tenía 17 años.
    Personalidades como Albert Einstein, Winston Churchill y Eleanor Rooseveltpidieron se conmutara la pena de muerte, pero el presidente de ese entonces no hizo caso y firmó la sentencia. El 27 de junio de 2004, en coincidencia con el aniversario del ahorcamiento de Milada Horáková, se proclamó oficialmente: El día del recuerdo de las víctimas del régimen comunista.
    Después de huir del país, su esposo se instala en Estados Unidos. Solo muchos años después el régimen permite que salga su hija. Ella en ese tiempo vivió con una tía y su esposo. La última escena de la película es la hija que regresa a la República Checa a recibir un homenaje en honor de su madre. Las autoridades le entregan una carta que ella le escribe, horas antes de su muerte, para despedirse y nunca le dieron.
     
    Comentario: No conocía al personaje, que me resultó interesante y atractivo. La película construye con sobriedad la historia de esta mujer extraordinaria. La hace ver como un ser humano de una honestidad llevada al heroísmo en consecuencia de sus valores y convicciones políticas. No está dispuesta a ceder ante el régimen comunista que intenta incorporarla a sus filas ofreciéndole cargos y privilegios.
    La película trata bien, con elegancia y discreción, el papel de la vida familiar de Horáková. La relación con su esposo y su hija. Lo que me pareció mejor desarrollado por el director son los meses de cárcel y tortura. Va más allá del hecho, de su yo dramático, para intentar adentrarse en el proceso interior de esa mujer que sabe, si se dobla, puede arreglarse con el poder y salvar su vida.
    Supongo que el director quería provocar y obligar a la reflexión sobre una etapa de la historia de su país donde decenas de miles de hombres y mujeres se humillaron y doblegaron al poder del régimen comunista. Vivieron de las prebendas y privilegios, a cuenta gotas, a cambio de la sumisión. En la medida que pasan los años la figura de Milada Horáková crece. Se constituye en un personaje emblemático.
    2018
    Tierra de cárteles
    Título original: Cartel Land
    Producción: Estados Unidos, 2015
    Dirección: Matthew Heineman
     
    Sinopsis: El documental sigue la lucha de dos personajes que combaten a los cárteles mexicanos a ambos lados de la frontera: en Michoacán, al Dr. José Mireles, líder de las autodefensas, y en Arizona, a Tim Nailer Foley, veterano de guerra estadounidense. El director narra dos historias paralelas desde la óptica de cada uno de ellos. La de Foley, que encabeza a un grupo de “patriotas” estadounidenses, dedicados a tratar de atrapar a narcotraficantes mexicanos. La del Dr. Mirles que funda, en febrero de 2013, las autodefensas en Michoacán que pronto se extienden a las regiones de Tierra Caliente, la Meseta Purépecha y la Costa.
    En la construcción de estas historias, el director, a través de entrevistas, presenta a Foley, quien vive en una zona de Arizona que se conoce como “el corredor de la cocaína”, como alguien que vive de fantasías paranoicas propias de un grupo minoritario de desclasados blancos del sur de Estados Unidos, que a sí mismos se ven como ciudadanos ejemplares que defienden la ley en un lugar donde ésta supuestamente no existe.
    El caso del Dr. Mireles es distinto. En la narración, que ocupa la mayor parte el documental, aparece como un héroe caído que ha sido rebasado por sus conflictos personales. El documentalista se adentra en el carácter complejo de las autodefensas. Señala sus aciertos, pero también sus problemas. Repiten los viejos vicios de los narcotraficantes y de las autoridades que abusan de la tortura y la extorsión. Cuando las autodefensas se convierten en policías comunitarias, como milicias civiles, adoptan las mismas técnicas que los cárteles michoacanos.
     
    Comentario: Matthew Heineman (Escape Fire: The Fight to Rescue American Healthcare, 2012) construye las historias del Dr. Mireles y de Foley de forma tal que sean las imágenes y sus dichos los que hablen y los definan. Los primeros que se dejan ver es que existe una diferencia enorme entre uno y otro de los personajes. El estadounidense vive en la lejanía y en los hechos nunca tiene acción. El mexicano todos los días se juega la vida y está en medio del combate entre los narcotraficantes, el Ejército y las comunidades.
    La cámara del documental registra situaciones críticas (balaceras, toma de comunidades, rechazo del Ejército …) que permiten al espectador estar en los lugares y hacerse su propio juicio de lo que ahí sucede. Ofrece la posibilidad de ver la desesperación, la desconfianza y el enojo de las comunidades michoacanas que explican el surgimiento de las autodefensas. Muestra como el ejercicio del poder puede pronto pervertir a quien lo ejerce. Los héroes civiles que se lanzan en contra de los narcotraficantes y en defensa de las comunidades sucumben a la tentación del poder y abusan de la gente.
     
    Premios: En 2015 en los Premios Festival de Cine de Sundance obtuvo el premio a mejor dirección, mejor fotografía y el Premio Especial del Jurado.
    2018
    Tormenta de Arena
    Título original: Sufat Cholaka
    Producción: Israel, 2016
    Dirección: Eliet Zexer
    Guión: Eliet Zexer
    Fotografía: Shai Peleg
    Música: Ran Bagno
    Con: Lamis Ammar, Ruba Blai, Hitham Omari, Khadija Al Aker, Jalal Masrwa
     
    Sinopsis: En un pueblo beduino del desierto, al sur de Israel, se desarrollan dos historias al seno de una familia. Jalila, quiera o no, tiene que aceptar que su esposo se case, en segundas nupcias, con una mujer mucho más joven que ella. Esa es la costumbre avalada por la tradición. Así ha sido por generaciones y así debe seguir siendo.
    Su hija Layla tiene con Anuar un noviazgo prohibido, y por lo mismo es secreto. La madre descubre la relación. Jalila está convencida que la sociedad en la que vive es injusta y cruel. La única forma de enfrentarla es guardar silencio, pero al mismo tiempo no dejar que los acontecimientos la aplasten. Debe caminar con la frente en alto y luchar, desde adentro y en forma callada, contra los límites de la cultura tradicional en la que vive.
    Layla tiene una buena relación con su padre y piensa que por ser mujer no debe sujetarse a los límites que la sociedad le impone. La rebeldía de Layla es sometida y se ve obligada a hacer lo que el padre le impone. Él elije al marido. Esa es la costumbre. Ella, ante esta decisión se muestra incapaz de actuar en el marco de lo que piensa y obedece.
    La madre y la hija asumen que, para poder sobrevivir, más allá de lo que piensan tienen que someterse a los límites de la cultura tradicional dominada por los hombres donde las mujeres son objeto. Los cambios de esas costumbres ancestrales deben de esperar. Ahora, con dignidad, toca sobrevivir a la situación a la que están sometidas.
     
    Comentarios: La película es obra prima de esta directora y guionista. Presenta y también critica el papel que juega la misoginia en la cultura árabe. Sitúa el hecho en el horizonte de una realidad compleja y complicada. ¿Cómo cambiar las tradiciones y costumbres? ¿Cómo cambiar la cultura?
    La directora aborda el tema de manera tal que trasciende la realidad concreta, no la ignora, para ver el problema de una manera universal que nos atañe a todos. Se adentra en la estructura de la condición humana más allá del fenómeno cultural particular.
    La construcción de la trama involucra al espectador y lo hace parte de la misma. Uno quisiera que las cosas fueran diferentes, que Layla se rebele y huya, y que Jalila apoye a su hija para que eso pase. La realidad es que viven en un entorno cultural determinado y en unas estructuras de poder que condicionan el ejercicio de su libertad.
     
    Premios: En 2016 en el Festival de Sundance, la Mejor película internacional. Y en 2016 nominada al Óscar a la mejor película extranjera y también al Premio FIPRESCI de los Premios del Cine Europeo.
    2018
    Te amaré eternamente  
    Título original: La corrispondenza 
    Producción: Italia, 2016
    Dirección: Giuseppe Torantore
    Guión: Giuseppe Torantore
    Fotografía: Fabio Zamarion
    Música: Ennio Morricone.
    Con: Jeremy Irons, Olga Kurylenko, Simon Anthony Johns, Shauna Macdonald, James Warren.
     
    Sinopsis: El astrofísico y profesor Ed Phoerum (Jeremy Irons) se enamora de Amy Ryan (Olga Kurylenko), una de sus alumnas del posgrado que está a punto de graduarse. Ella además de sus estudios trabaja filmando escenas de alto riesgo en películas. Al tiempo que Ed continúa su relación de familia, con su mujer e hijos, vive una intensa experiencia con su alumna que se prolonga por seis años. Él a ella le esconde que tiene una enfermedad terminal. A su familia sí se lo dice.
    Un día, mientras se despiden, será la última vez que se ven, el profesor pregunta a su alumna si puede pensar en algo que uno no sepa del otro. La pregunta queda sin respuesta. Ed desaparece y poco después muere. Ella, entonces, empieza a recibir de él mensajes de correos electrónicos y paquetes. Pasan semanas sin    verse y ella se entera, sentada entre el público de una conferencia donde el profesor Phoerum es el ponente principal, que ha muerto.
    A pesar de saber que está muerto, los mensajes, los correos y los paquetes siguen llegando. Amy, desconcertada, empieza a descifrar el misterio. Ubica, entonces que el abogado de su profesor y pareja es quien hace los envíos. Él tiene nuevos mensajes que se los puede entregar solo si ella está dispuesta a seguir lo que en ellos se dice. Ella acepta. Y va pasando por sitios donde alguna vez estuvieron juntos. Ahí hay nuevos mensajes. Todos hablan del amor que le tenía.
     
    Comentario: En 1989, Giuseppe Torantore ganó el Óscar a mejor película extranjera por Cinema Paradiso. Pienso que La corrispondenza sin ser una gran película está bien construida y siempre mantiene el interés. En eso tiene mucho que ver la buena actuación de Jeremy Irons que desarrolla a un profesor de edad y con prestigio y al mismo tiempo es un hombre profundamente enamorado.
    Hay críticos que les gusta la música de Morricone, pero a otros les parece excesivamente melosa. A mí me gustó. Tornatore y Morricone han trabajado en doce ocasiones juntos. La música juega un papel central en la película al generar una atmósfera de tristeza y nostalgia que lo envuelve todo. Es una historia de amor, como otras muchas, pero lo distinto es que en esta relación el amante muerto se hace sentir en el presente.
     
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