Cine y Teatro 2018
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    Milada  
    Título original: Milada
    Producción: República Checa, 2017
    Dirección: David Mrnka
    Guión: David Mrnka, Robert J. Conant y Robert Gant (Historia: Martin Dolenský y David Mrnka. Libro: David Mrnka)
    Fotografía: Martin Strba
    Música: Ales Brezina
    Con: Ayelet Zurer, Robert Gant, Anna Geislerová, Vica Kerekes, Daniel Rchichev, Karina Rchichev, Tatjana Medvecká, Igor Orozovic, Jaromír Dulava, Alena Mihulová, Vladimír Javorský, Marian Mitas …
     


    Sinopsis: La película es una mirada a la biografía de la política y defensora de los derechos humanos Milada Horákova (1901-1950) que fue una de las víctimas de los procesos de persecución realizados por el régimen comunista en la República de Checoeslovaquia y la única mujer ejecutada en éstos. A partir de entonces se convirtió en un símbolo de la resistencia y la lucha por la democracia.
     
    Horákova, después de la caída del Imperio Austro-Húngaro y la consecuente independencia de Checoslovaquia inició estudios en la Universidad Carolina de Praga. En 1926 se recibe como abogada. Al terminar sus estudios se casa con Bohuslav Horák, que trabaja en la radio checoslovaca. Ella hablaba inglés, francés y alemán. Viaja por Inglaterra, Francia y la Unión Soviética.


    En 1929 entra al Partido Socialista Nacional Checo y pronto se convierte en dirigente clave del Consejo Nacional Femenino (CNF), la organización de mujeres más importante del país. En 1933 nace Jana, su única hija. En los años de la ocupación alemana colabora con la resistencia y a través del CNE ofrece ayuda social y apoyo a gente perseguida.
    Por su actividad fue encarcelada junto con su esposo en 1940. Permaneció dos años en la prisión de Pankrác y después del atentado a Heydrich fue trasladada al campo de concentración de Terezín. Estuvo también encarcelada en Alemania. En 1945, al fin de la II Guerra Mundial, vuelve a Praga y se encuentra con su marido que también sobrevivió a la guerra. En su país retoma la actividad política y social. En 1947 funda el periódico femenino Vlasta.
    En 1948, después del golpe de estado comunista, decide dimitir al Parlamento, pero sigue en actividades políticas de la oposición. De acuerdo a la película antes de que esta pueda dejar el país es arrestada. Su esposo logra huir. En 1949 es detenida por espionaje y conspiración. El 27 de junio de 1950 es ejecutada. Entre 1948 y 1960 de las 234 víctimas eliminadas por el régimen comunista fue la única mujer. En ese entonces su hija tenía 17 años.
    Personalidades como Albert Einstein, Winston Churchill y Eleanor Rooseveltpidieron se conmutara la pena de muerte, pero el presidente de ese entonces no hizo caso y firmó la sentencia. El 27 de junio de 2004, en coincidencia con el aniversario del ahorcamiento de Milada Horáková, se proclamó oficialmente: El día del recuerdo de las víctimas del régimen comunista.
    Después de huir del país, su esposo se instala en Estados Unidos. Solo muchos años después el régimen permite que salga su hija. Ella en ese tiempo vivió con una tía y su esposo. La última escena de la película es la hija que regresa a la República Checa a recibir un homenaje en honor de su madre. Las autoridades le entregan una carta que ella le escribe, horas antes de su muerte, para despedirse y nunca le dieron.
     
    Comentario: No conocía al personaje, que me resultó interesante y atractivo. La película construye con sobriedad la historia de esta mujer extraordinaria. La hace ver como un ser humano de una honestidad llevada al heroísmo en consecuencia de sus valores y convicciones políticas. No está dispuesta a ceder ante el régimen comunista que intenta incorporarla a sus filas ofreciéndole cargos y privilegios.
    La película trata bien, con elegancia y discreción, el papel de la vida familiar de Horáková. La relación con su esposo y su hija. Lo que me pareció mejor desarrollado por el director son los meses de cárcel y tortura. Va más allá del hecho, de su yo dramático, para intentar adentrarse en el proceso interior de esa mujer que sabe, si se dobla, puede arreglarse con el poder y salvar su vida.
    Supongo que el director quería provocar y obligar a la reflexión sobre una etapa de la historia de su país donde decenas de miles de hombres y mujeres se humillaron y doblegaron al poder del régimen comunista. Vivieron de las prebendas y privilegios, a cuenta gotas, a cambio de la sumisión. En la medida que pasan los años la figura de Milada Horáková crece. Se constituye en un personaje emblemático.
    2018
    Tierra de cárteles
    Título original: Cartel Land
    Producción: Estados Unidos, 2015
    Dirección: Matthew Heineman
     
    Sinopsis: El documental sigue la lucha de dos personajes que combaten a los cárteles mexicanos a ambos lados de la frontera: en Michoacán, al Dr. José Mireles, líder de las autodefensas, y en Arizona, a Tim Nailer Foley, veterano de guerra estadounidense. El director narra dos historias paralelas desde la óptica de cada uno de ellos. La de Foley, que encabeza a un grupo de “patriotas” estadounidenses, dedicados a tratar de atrapar a narcotraficantes mexicanos. La del Dr. Mirles que funda, en febrero de 2013, las autodefensas en Michoacán que pronto se extienden a las regiones de Tierra Caliente, la Meseta Purépecha y la Costa.
    En la construcción de estas historias, el director, a través de entrevistas, presenta a Foley, quien vive en una zona de Arizona que se conoce como “el corredor de la cocaína”, como alguien que vive de fantasías paranoicas propias de un grupo minoritario de desclasados blancos del sur de Estados Unidos, que a sí mismos se ven como ciudadanos ejemplares que defienden la ley en un lugar donde ésta supuestamente no existe.
    El caso del Dr. Mireles es distinto. En la narración, que ocupa la mayor parte el documental, aparece como un héroe caído que ha sido rebasado por sus conflictos personales. El documentalista se adentra en el carácter complejo de las autodefensas. Señala sus aciertos, pero también sus problemas. Repiten los viejos vicios de los narcotraficantes y de las autoridades que abusan de la tortura y la extorsión. Cuando las autodefensas se convierten en policías comunitarias, como milicias civiles, adoptan las mismas técnicas que los cárteles michoacanos.
     
    Comentario: Matthew Heineman (Escape Fire: The Fight to Rescue American Healthcare, 2012) construye las historias del Dr. Mireles y de Foley de forma tal que sean las imágenes y sus dichos los que hablen y los definan. Los primeros que se dejan ver es que existe una diferencia enorme entre uno y otro de los personajes. El estadounidense vive en la lejanía y en los hechos nunca tiene acción. El mexicano todos los días se juega la vida y está en medio del combate entre los narcotraficantes, el Ejército y las comunidades.
    La cámara del documental registra situaciones críticas (balaceras, toma de comunidades, rechazo del Ejército …) que permiten al espectador estar en los lugares y hacerse su propio juicio de lo que ahí sucede. Ofrece la posibilidad de ver la desesperación, la desconfianza y el enojo de las comunidades michoacanas que explican el surgimiento de las autodefensas. Muestra como el ejercicio del poder puede pronto pervertir a quien lo ejerce. Los héroes civiles que se lanzan en contra de los narcotraficantes y en defensa de las comunidades sucumben a la tentación del poder y abusan de la gente.
     
    Premios: En 2015 en los Premios Festival de Cine de Sundance obtuvo el premio a mejor dirección, mejor fotografía y el Premio Especial del Jurado.
    2018
    Tormenta de Arena
    Título original: Sufat Cholaka
    Producción: Israel, 2016
    Dirección: Eliet Zexer
    Guión: Eliet Zexer
    Fotografía: Shai Peleg
    Música: Ran Bagno
    Con: Lamis Ammar, Ruba Blai, Hitham Omari, Khadija Al Aker, Jalal Masrwa
     
    Sinopsis: En un pueblo beduino del desierto, al sur de Israel, se desarrollan dos historias al seno de una familia. Jalila, quiera o no, tiene que aceptar que su esposo se case, en segundas nupcias, con una mujer mucho más joven que ella. Esa es la costumbre avalada por la tradición. Así ha sido por generaciones y así debe seguir siendo.
    Su hija Layla tiene con Anuar un noviazgo prohibido, y por lo mismo es secreto. La madre descubre la relación. Jalila está convencida que la sociedad en la que vive es injusta y cruel. La única forma de enfrentarla es guardar silencio, pero al mismo tiempo no dejar que los acontecimientos la aplasten. Debe caminar con la frente en alto y luchar, desde adentro y en forma callada, contra los límites de la cultura tradicional en la que vive.
    Layla tiene una buena relación con su padre y piensa que por ser mujer no debe sujetarse a los límites que la sociedad le impone. La rebeldía de Layla es sometida y se ve obligada a hacer lo que el padre le impone. Él elije al marido. Esa es la costumbre. Ella, ante esta decisión se muestra incapaz de actuar en el marco de lo que piensa y obedece.
    La madre y la hija asumen que, para poder sobrevivir, más allá de lo que piensan tienen que someterse a los límites de la cultura tradicional dominada por los hombres donde las mujeres son objeto. Los cambios de esas costumbres ancestrales deben de esperar. Ahora, con dignidad, toca sobrevivir a la situación a la que están sometidas.
     
    Comentarios: La película es obra prima de esta directora y guionista. Presenta y también critica el papel que juega la misoginia en la cultura árabe. Sitúa el hecho en el horizonte de una realidad compleja y complicada. ¿Cómo cambiar las tradiciones y costumbres? ¿Cómo cambiar la cultura?
    La directora aborda el tema de manera tal que trasciende la realidad concreta, no la ignora, para ver el problema de una manera universal que nos atañe a todos. Se adentra en la estructura de la condición humana más allá del fenómeno cultural particular.
    La construcción de la trama involucra al espectador y lo hace parte de la misma. Uno quisiera que las cosas fueran diferentes, que Layla se rebele y huya, y que Jalila apoye a su hija para que eso pase. La realidad es que viven en un entorno cultural determinado y en unas estructuras de poder que condicionan el ejercicio de su libertad.
     
    Premios: En 2016 en el Festival de Sundance, la Mejor película internacional. Y en 2016 nominada al Óscar a la mejor película extranjera y también al Premio FIPRESCI de los Premios del Cine Europeo.
    2018
    Te amaré eternamente  
    Título original: La corrispondenza 
    Producción: Italia, 2016
    Dirección: Giuseppe Torantore
    Guión: Giuseppe Torantore
    Fotografía: Fabio Zamarion
    Música: Ennio Morricone.
    Con: Jeremy Irons, Olga Kurylenko, Simon Anthony Johns, Shauna Macdonald, James Warren.
     
    Sinopsis: El astrofísico y profesor Ed Phoerum (Jeremy Irons) se enamora de Amy Ryan (Olga Kurylenko), una de sus alumnas del posgrado que está a punto de graduarse. Ella además de sus estudios trabaja filmando escenas de alto riesgo en películas. Al tiempo que Ed continúa su relación de familia, con su mujer e hijos, vive una intensa experiencia con su alumna que se prolonga por seis años. Él a ella le esconde que tiene una enfermedad terminal. A su familia sí se lo dice.
    Un día, mientras se despiden, será la última vez que se ven, el profesor pregunta a su alumna si puede pensar en algo que uno no sepa del otro. La pregunta queda sin respuesta. Ed desaparece y poco después muere. Ella, entonces, empieza a recibir de él mensajes de correos electrónicos y paquetes. Pasan semanas sin    verse y ella se entera, sentada entre el público de una conferencia donde el profesor Phoerum es el ponente principal, que ha muerto.
    A pesar de saber que está muerto, los mensajes, los correos y los paquetes siguen llegando. Amy, desconcertada, empieza a descifrar el misterio. Ubica, entonces que el abogado de su profesor y pareja es quien hace los envíos. Él tiene nuevos mensajes que se los puede entregar solo si ella está dispuesta a seguir lo que en ellos se dice. Ella acepta. Y va pasando por sitios donde alguna vez estuvieron juntos. Ahí hay nuevos mensajes. Todos hablan del amor que le tenía.
     
    Comentario: En 1989, Giuseppe Torantore ganó el Óscar a mejor película extranjera por Cinema Paradiso. Pienso que La corrispondenza sin ser una gran película está bien construida y siempre mantiene el interés. En eso tiene mucho que ver la buena actuación de Jeremy Irons que desarrolla a un profesor de edad y con prestigio y al mismo tiempo es un hombre profundamente enamorado.
    Hay críticos que les gusta la música de Morricone, pero a otros les parece excesivamente melosa. A mí me gustó. Tornatore y Morricone han trabajado en doce ocasiones juntos. La música juega un papel central en la película al generar una atmósfera de tristeza y nostalgia que lo envuelve todo. Es una historia de amor, como otras muchas, pero lo distinto es que en esta relación el amante muerto se hace sentir en el presente.
     
    2018
    La forma del agua  
    Título original:  The Shape of Water
    Producción: Estados Unidos, 2017.
    Dirección: Guillermo del Toro
    Guión: Guillermo del Toro y Vanessa Taylor
    Fotografía: Dan Laustsen
    Música: Alexandre Desplat
    Con: Sally Hawkins, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Shannon, Doug Jones, Michael Sruhlbarg,  Lauren Lee Smith,  David Hewlett,  Nick Searcy y Morgan Kelly.
     
    Sinopsis: Un monstruo del agua (Doug Jones) es capturado en el Amazonas, donde se le venera como a un dios, y llevado a un laboratorio secreto del gobierno en Estados Unidos. Estamos a principios de los años sesenta en plena guerra fría. En ese lugar trabaja como afanadora Eliza (Sally Hawkins) y su amiga Zelda (Octavia Spencer) que es afroamericana.
    A cargo del monstruo está Strickland (Michael Shannon) y la investigación del espécimen es responsabilidad del doctor Hoffsteiter (Michael Sruhlbarg) que es un espía soviético encubierto. El policía, un sádico, se ensaña contra el monstruo mientras que Eliza lo trata bien. Ella le lleva huevos cocidos y le pone música. En esas visitas siempre a escondidas, después de realizar su trabajo, se enamora de él.
    Eliza se entera de que ha llegado la orden de matar al monstruo. En complicidad con su vecino Giles (Richard Jenkins), con el que comparte departamento en lo altos del Cine Orpheus, y también con Zelda y el científico espía organiza el rescate del monstruo y se lo lleva a vivir a su casa. Inunda el baño y le construye una pecera. Ahí, flotando en el agua, tiene relaciones con él.
    Ella espera que crezca la marea, para llevarlo a un canal cerca del muelle y desde ahí pueda regresar al lugar donde antes vivía. Strickland tiene órdenes de sus superiores de encontrar al monstruo. El espía ruso, que ha sido herido de muerte por los suyos, da al policía la pista de que el monstruo está con Eliza. Cuando llega a su departamento ya no hay nadie. Los alcanza en el muelle. Hay disparos y ella cae muerta y el monstruo herido. Él se cura con el pase de su mano sobre la herida y luego mata al policía. Levanta con sus brazos a Eliza y se introduce con ella al mar.
     
    Comentario: El director en la construcción de la película conjuga varios géneros fílmicos que en otra época tuvieron mejores momentos, como el cine de espías en la guerra fría donde aparecen los malvados soviéticos, el cine de ciencia-ficción con los laboratorios de investigación, el cine de los derechos de las minorías, el cine de hadas, el cine de detectives y ladrones, el cine de comedia musical, pero sobre todo el cine de monstruos a la muy particular manera que lo sabe hacer del Toro.
    La película la entendí como un homenaje a todos estos géneros que el director articula de manera notable, en un discurso visual muy bello, en un continuo permanente y circular que va de uno a otro sin que ninguno parezca forzado. Del Toro elabora, no importa el género, escenas muy bien cuidadas. Las imágenes y los ambientes, construidos al detalle, hablan y dicen por sí mismos. Se requieren pocas palabras.
    Las personas marginales son el centro en esta película. Eliza es una mujer muda que permanece en el silencio y solo tiene como amigos a Giles y Zelda. Es tímida e introvertida. Todos los días su vida es la misma. De la casa a limpiar los pisos del laboratorio. En el trabajo sólo se relaciona con Zelda, que la defiende de cualquier conflicto. Ese ser marginal surge en otra personalidad al encuentro con el otro que ella asume como semejante; el monstruo.
    El monstruo marino, que es un personaje potente y bello, es también un ser marginal. Está preso y encadenado. En su entorno natural es tratado como un dios, pero aquí no es nadie. Está contenido en una pequeña pileta y de vez en vez recibe cargas eléctricas del policía sádico que se siente fuerte ante el esclavizado y goza mostrándole su poder. El monstruo pronto se identifica con Eliza. Los dos, de diferente manera, son seres marginales.
    En este cuento de hadas la bella, que no es tal, y la bestia, que no es tal, se enamoran. Ella es una mujer sin ningún atractivo y él es un monstruo hermoso. Los papeles se invierten. Eliza es transformada por el amor. Se convierte en una mujer con iniciativa y capacidad de decisión. Es quien planea y organiza el escape de su amado. Él se deja proteger por ella y es consciente de que sin su apoyo nunca saldría de ahí.
    Sin el agua no hay vida. El agua es el hábitat en el tiempo de la gestación. El agua envuelve el cuerpo de los amantes que fluyen con absoluta libertad. El agua es también contención y límite. El agua es el vehículo que posibilita la huida y luego la libertad. El agua es, de nuevo, el espacio de la vida. El agua es la misma, pero la forma en que se contiene y donde se aloja hace siempre la diferencia.
     
    Premios: Hasta el momento ha ganado: Bienal de Venecia, León de Oro, mejor película; Globos de Oro, mejor director y guión original; Critics´Choice Movie Award, mejor director, mejor película y mejor música; Directors Guild of American Awards, mejor director; The National Society of Filma Critics Award, mejor actriz. Está nominada para 12 premiso BAFTA y para 13 premios Oscar.
    2018
    Frantz  
    Título original: Frantz
    Producción: Alemania y Francia, 2016.
    Dirección: François Ozon
    Guión: François Ozon, Philippe Piazzo, Ernst Lubitsch
    Fotografía: Pascal Martí
    Música: Philippe Rombi
    Con: Paula Beer, Pierre Niney, Johann von Bülow, Marie Gruber, Ernst Stötzner, Cyrielle Clair, Alice de Lencquesaing, Anton von Lucke
     
    Sinopsis: Al fin de la Primera Guerra Mundial, Anna (Paula Beer) va todos los días a visitar la tumba construida en memoria de Frantz, su prometido, muerto en la guerra. Su cuerpo nunca se encontró. Un día ve a un joven desconocido que deja flores en la tumba. Es Adrien (Pierre Niney) un francés que se hace pasar por amigo del que fuera su prometido, un soldado del Ejército alemán.
    Adrien mata a Frantz en una trinchera. Le atormenta haber quitado la vida a un joven de su edad. Él ha venido a la pequeña ciudad donde viven los padres del alemán, para pedirles perdón. Entabla relación con Anna y ésta lo lleva a conocer a los padres de Frantz. Ellos están muy interesados en saber de la amistad con su hijo. El francés toca el violín como lo hacia el novio de Anne y ejecuta algunas piezas para ellos. No se atreve a decirles la verdad.
    Anne empieza a enamorarse de Adrien que le recuerda a su novio que como estudiante vivió algunos años en París. El visitante regresa a su casa en Francia. Ella lo extraña. Los padres de Frantz la animan a que lo busque. Viaja a Francia y lo encuentra. Él vive con su madre en el campo donde tienen una gran propiedad. En esos días está a punto de casarse con su novia de juventud. Antes de despedirse se atreve a decirle a Anne la verdad sobre la muerte de Frantz.
    Ella no es capaz de enfrentar a sus suegros a esa realidad. Éstos han encontrado en Adrien un consuelo. Toma la decisión de dejar que sigan creyendo que él era amigo de su hijo. Después de dejar el campo, ya en París, les escribe comentándoles que está muy contenta y por lo pronto se va a quedar a vivir en esa ciudad.
     
    Comentario: El director retoma la historia que Ernst Lubitsch llevó a la pantalla en 1932 con el título de Remordimiento, pero se basa en la novela original del francés Maurice Rostand. La película nos sitúa en la Europa al término de la Primera Guerra Mundial. El dolor y las heridas están abiertas. Las familias viven el duelo de los hijos caídos en combate. Los sueños de una generación han sido destruidos por el horror de la guerra.
    La película pudo haber sido una historia romántica convencional, pero logra romper los esquemas tradicionales y trasciende ese riesgo. El director penetra en la intimidad de los padres y la novia del soldado caído. Entramos a su casa y conocemos su forma de vida, sabemos lo que piensan de la guerra y también del nacionalismo. Somos testigos de su dolor por la pérdida del hijo y del esposo que nunca llegó a ser.
    La película es en blanco y negro. Eso ayuda al desarrollo del tema. Nos sitúa en una época. Subraya el estado de ánimo de los personajes y también del momento que vive la sociedad que intenta dejar atrás la guerra e iniciar una nueva etapa. La fotografía de Pascal Martí tiene un tono nostálgico y poético que acentúa con los distintos tonos del blanco y el negro. Las actuaciones de Pierre Niney y Paula Beer son naturales y creíbles. Buenas.
    El director articula una propuesta pacifista contraria a la guerra. Nos muestra la irracionalidad de los discursos nacionalistas, para el caso de alemanes y franceses, que alimentan el orgullo patrio. Es por esa patria construida a favor de los intereses de los poderosos, no necesariamente de la gente, que se envía a los jóvenes a la muerte en los campos de batalla. Una vez terminada la guerra los vivos también mueren. Son presas del dolor de la pérdida y también de la culpa.
     
    Premios: En 2017: Premios del Cine Europeo, nominada a mejor actriz (Beer) y guión; National Board of Review (NBR), nominada a mejor película extranjera del año. Y en 2016: Premios César: Mejor fotografía; Festival de Venecia, mejor nueva actriz (Paula Beer)
    2018
    Las inocentes
    Título original: Les innocentes / Agnus Dei
    Producción: Francia y Polonia, 2016
    Dirección: Anne Fontaine
    Guión: Sabrina B Karine, Alice Vial, Anne Fontaine, Pascal Bonitzer, Philippe Aaynial
    Fotografía: Caroline Champetier
    Música: Grégoire Hetzel  
    Con: Lou de Laâge, Agata Kulesza, Joanna Kulig, Agata Buzek, Anna Próchniak, Vincent Macaigne, Katarzyna Dabrowska, Pascal Elso, Eliza Rycembel, Helena Sujecka
     
    Sinopsis: Se basa en hechos reales y narra la historia de unas religiosas polacas de un convento en las cercanías de Varsovia, que fueron violadas en agosto de 1945, por las tropas rusas al fin de la II Guerra Mundial. Una gran parte de ellas quedan embarazadas.
    Una joven monja se presenta en la misión de la Cruz Roja Francesa enviada para atender y garantizar la repatriación de los prisioneros franceses heridos en el frente entre Alemania y Polonia. Ahí se encuentra con la joven médico Mathilde Beaulieu (Lou de Laage). La religiosa le pide ayuda, pero no le dice para qué. Ella le propone que acuda a la Cruz Roja Polaca.
    La médico francesa ve por la ventana a la religiosa arrodillada en la nieve pidiendo ayuda a Dios. Mathilde cede y acompaña a la monja hasta su convento. Allí se da cuenta de que muchas de las hermanas del convento tienen un avanzado estado de gestación.
    Cuando la superiora (Agata Kulesza), se entera de esta vista se enoja con la religiosa que busca la ayuda. Ella tiene miedo de que la población se entere de la situación y que el Vaticano quiera cerrar el convento. La superiora permite que Mathilde ayude solo si promete guardar el secreto.
    Siete de las religiosas están embarazadas. La médico, que es atea, tiene que hacer su trabajo normal y además buscar tiempo para atender a las hermanas. Ella guarda el secreto y se dedica a apoyar a las religiosas que esperan un hijo. 
    Mathilde, junto con las religiosas, encuentran una solución, para que ellas puedan tener a sus bebés sin tener que rebelar lo que pasó y sin que sufran algún tipo de represalia social. En el convento fundan un orfanato, para huérfanos de la guerra.
     
    Comentario: Solo una mujer puede abordar el tema a la manera que lo hace la directora. Es una narración dramática, potente y al mismo tiempo profundamente conmovedora. Se da cuenta de la brutalidad de la guerra y lo que los seres humanos son capaces de hacer en ella. Para el caso la violación repetida de las religiosas a manos de los soldados rusos.
    Es una historia muy bien narrada que da cuenta del drama personal y comunitario de las religiosas que se enfrentan a algo que nunca habían imaginado. Se profundiza en la actitud de cada una de ellas. La posición y el pensamiento de la superiora y la acción solidaria de la médica atea que se identifica con estas mujeres.
    El guion se construye a partir de las memorias de Mathilde Beaulieu, la médico francesa. Es un argumento inteligente y sensible a la condición de estas mujeres de sólidas convicciones religiosas. La fe juega un papel fundamental en su manera de entender el mundo y lo que les pasa. ¿Dios las ha abandonado? ¿Por qué viven esta prueba?
    La película evita el dramatismo vulgar y se centra en la construcción de escenas muy poderosas y sugerentes que hablan por sí mismas. La directora hace cine y habla con imágenes. La película me conmovió. Lo que más me impresiona es que la directora nos hace entrar a lo más hondo del universo espiritual de estas mujeres que se muestran perplejas ante la realidad y llenas de emociones encontradas.
     
    Premios: En 2016, Jerusalem Film Festival, a mejor película; Premios César, cuatro: nominaciones a mejor película, director y guion original; Festival Internacional de Valladolid - Seminci: Premio FIPRESCI
     
     
     
     
    1/1