Espercimiento
  • 2017
  • 2016
  • 2015
  • 19 DE OCTUBRE DE 2017
    Montaña siniestra
    Título original: The Mountain
    Producción: Estados Unidos, 1956
    Dirección: Edward Dmytryk
    Guión: Ranal MacDougall con base en la novela La neige en deuil de Henri Troyant
    Fotografía: Franz Planer
    Música: Renato Serio
    Con: Spencer Tracy, Robert Wagner, Claire Trevor, Richar Arlen, William Demarest, Anna Kashfi
     
    Sinopsis: Un avión de pasajeros que viaja de la India a París se estrella en los Alpes franceses. Al pie de la gran montaña hay un pequeño pueblo donde viven los hermanos Zachary Teller (Spencer Tracy) y Christopher Teller (Robert Wagner). El personal que contrata la compañía intenta subir a la cima en pleno otoño. El guía cae a una grieta y muere. La operación se suspende hasta el próximo verano.
    Christopher, que lamenta su situación económica, decide ascender a la montaña, para quedarse con el dinero y las joyas de los pasajeros. Su hermano mayor Zachary, un alpinista calificado que en otras ocasiones ha subido la montaña, decide acompañar a su hermano para protegerlo. Sabe que si va solo es muy probable que pierda la vida. Por la pericia de Zachary, después de vencer múltiples dificultades, llegan a la cima. Ahí está el avión accidentado.
    De inmediato Christopher empieza a revisar los cadáveres y quitarles sus pertenencias. Deben regresar hoy mismo. Dentro del avión encuentran a una sobreviviente, que es una mujer india (Anna Kashfi). Christopher quiere dejarla abandonada allí para que muera y no haya testigos de su robo e incluso intenta matarla, pero Zachary se lo impide. Él se propone rescatarla y llevarla al pueblo, para que sea atendida.
    Zachary, con la puerta del avión, hace un trineo donde coloca a la sobreviviente e inicia el camino hacia abajo. Christopher se queda rezagado. Trae consigo las pertenencias robadas. Zachary arrastrando el trineo atraviesa un peligroso puente de nieve que luego se derrumba. Su hermano intenta pasar por uno que está a un lado y éste cede y cae al precipicio y muere.
    Ya en el pueblo, las autoridades preguntan a Zachary porqué ascendió. Les dice que quería robar las pertenencias de las víctimas, pero que su hermano menor lo disuadió. Él es quien decidió rescatar a la sobreviviente, pero tuvo un accidente y a él le tocó terminar la tarea y traerla al pueblo. Las autoridades no le creen, lo conocen muy bien, y destruyen la declaración.
     
    Comentario: Un clásico de la década de los cincuenta en base a la novela del escritor francés, de origen ruso, Henri Troyat (1911-2007), La neige en deuil (La nieve de luto), escrita en 1952 que se inspira en el accidente del vuelo 245 de Air India Flight, que ocurre en 1950. Murieron todos los pasajeros y tripulantes.
    La fotografía a color, actor central de esta película, es de Franz Planer y acentúa el dramatismo de la escalada y el descenso de la montaña. Muchas de estas escenas están tomadas en estudios con fotos fijas de fondo. La tecnología ha cambiado mucho. Han pasado 61 años. Las imágenes fueron filmadas en un nuevo sistema de la época llamado VistaVisión, que ofrece un fotograma mayor con una gran nitidez en la proyección.
    Es una historia simple, sin mayores complicaciones, que enfrenta a Caín y Abel, al bien y al mal. La escalada es lo mejor de la película. Son los mayores momentos de tensión. Los parlamentos de los hermanos son planos y obvios. La película está hecha para que luzca Tracy, ya una leyenda viviente, pero también el joven Wagner.
    ***
    En 1947, diez años antes, Edward Dmytryk, el director, fue uno de los personajes de Hollywood perseguido por el senador McCarthy. En ese año declaró ante el Comité de Actividades Antiamericanas. En un principio se negó a delatar a sus compañeros del partido comunista en el que militaba desde 1944. Fue condenado por ultraje al congreso y se exilió en Gran Bretaña para evitar la cárcel, donde pasó casi dos años y rodó dos películas. Se ve forzado a volver a Estados Unidos para renovar el pasaporte. Es encarcelado y tras seis meses en prisión accede a denunciar a sus compañeros. Esta terrible experiencia le marcó su vida para siempre al pasar de ser un director respetado e interesante a ser visto como un traidor.
    12 DE OCTUBRE DE 2017
    El fundamentalista reticente    
    Título original: The reluctant fundamentalis
    Producción: India, 2012.
    Dirección: Mira Nair
    Guión: William Wheeler y Ami Boghani en base a la novela homónima de Mohsin Hamid.
    Fotografía: Declan Quinn
    Música: Michael Andrews
    Con: Riz Ahmed, Kate Hudson, Liev Schreiber, Om Puri, Kiefer Sutherland, Martin Donovan…
     
    05 DE OCTUBRE DE 2017
    28 DE SEPTIEMBRE DE 2017
    House of Cards  
    Producción: Estados Unidos, 2017 (Quinta temporada)
    Creador: Beau Willimon
    Directores: Agnieska Holland, Daniel Minahan, Michael Morris, Roxana Dawson y Robin Wright.
    Guión: Frank Puglese, Melisa James Gibson, Jhon Makiewicz
    Fotografía: Eiyil Bryld
    Música: Jeff Beal
    Con: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Jayne Atkinson, Boris MCGiver, Campbell Scott, Patricia Clarkson, Molly Parker, Derek Cecil, Neve Campbell, James Martínez
    22 DE SEPTIEMBRE DE 2017
    El cliente    
    Título original: Forushand 
    Producción: Irán-Francia, 2016.
    Dirección: Asghar Farhadi
    Guión: Asghar Farhadi
    Fotografía: Hossein Jafarian
    Música: Sattar Oraki
     
    14 DE SEPTIEMBRE DE 2017
    07 DE SEPTIEMBRE DE 2017
    31 DE AGOSTO DE 2017
    En nombre de mi hija
    Título original: Au nom de ma fille
    Producción: Francia-Alemania, 2016

     

    Sinopsis: La película se realiza en base a hechos de la vida real del caso que se conoce como El affaire Bamberski-Krombach. Se adentra en el proceso de investigación que en 1982 emprende un padre para que enfrente la justicia el asesino de su hija de 14 años. Le lleva 30 años y nunca, a pesar de múltiples problemas, abandona su búsqueda.
    André Bamberski (Daniel Auteuil) y su mujer Dany (Marie-Josée Croze) viven en Marruecos con sus dos hijos. Ella inicia un romance con el médico alemán Dieter Krombach (Sebastian Koch), papá de compañeros de sus hijos en la escuela. Bamerski y su esposa deciden dejar Marruecos, para salvar su relación. Krombach, sin que ellos lo sepan, se va a vivir a Francia, para seguir a Dany. Ellos se reencuentran. La pareja se separa.
    En julio de 1982 André Bamberski recibe la noticia que su hija Kalinka, de 14 años, ha muerto. Ella pasa vacaciones en Alemania con su madre y su padrastro el Dr. Krombach. El padre no recibe el acta de la autopsia y exige a su exmujer que se la envíe. Está en alemán, la traduce al francés y se da cuenta de múltiples irregularidades. Pronto se convence que el culpable es el Dr. Krombach e inicia su investigación, para llevarlo a la cárcel.
    Se enfrenta a la burocracia y lentitud del sistema policial y de justicia alemán y francés. Estos aparatos no quieren realmente llegar a la verdad. No quieren ir más allá de las investigaciones y procesos convencionales. Todo invita a que Bamberski abandone el caso. Él sigue. Siente no cuidó bien a su hija y que le debe que su asesino sea declarado culpable y vaya a la cárcel. Después de 30 años lo logra.
    Comentario: La película describe bien la importancia que tiene para Bamberski encontrar al asesino de su hija, para llevarlo a la justicia. El centro de su vida se vuelve esa tarea. En la narración hay una crítica severa al sistema policial y judicial de Francia y Alemania. Países que se supone son ejemplares en estas materias. Se da cuenta de lo que significan las burocracias estatales y los estúpidos nacionalismos que al final terminan por proteger a sus criminales.
    En el tratamiento que hace el director de la figura de Bamberski, siempre repetuosa, ofrece elementos para que el espectador decida si su búsqueda es una obsesión, si es una locura, si es una decisión ética o simplemente algo que como padre le debe a su hija asesinada. ¿Va a dejar que el culpable siga viviendo una vida normal? ¿Que siga abusando, con la complacencia de las autoridades, de otras niñas?
    Las actuaciones de Auteuil, Koch y Croze, cada quien en su papel, son creíbles y poderosas. Auteuil es el padre consumado por el dolor y la búsqueda de que se haga justicia. No es venganza. Es algo que va más allá. Es el deber de un padre con su hija. Koch representa muy bien al supuesto médico generoso y amable, al atractivo seductor de mujeres que esconde a un enfermo monstruoso que viola niñas después de inyectarlas, para que no puedan defenderse. Croze es la mujer que intenta resistirse al amante y mantener la familia, pero que al final cae ante sus encantos. Ella no cree en la culpabilidad de su nuevo marido y lo defiende. Mucho después, ante el cúmulo de las evidencias, termina por aceptar su culpabilidad.


     


    ***           
    Dirección: Vicent Garenq
    Guión: Vicent Garenq y Julien Rappenau con base al libro testimonio de André Bamberski.
    Fotografía: Renaud Chassing
    Música: Nicolás Errera
    Con: Daniel Auteuil, Sebastian Koch, Maria-Josée Croze, Christelle Cornil
     
    24 DE AGOSTO DE 2017
    La última sesión de Freud
    Oscar Ortiz de Pinedo Producciones
    Teatro López Tarso
    Centro Cultural San Ángel
    Dirección: José Caballero
    Obra: Mark St. Germain
    Escenografía e iluminación: Alejandro Luna
    Musicalización: Eliseo Santillán
    Con: Luis de Tavira y Álvaro Guerrero
     
    Sinopsis: Un diálogo imaginario entre Sigmund Freud, padre del psicoanálisis, y el escritor y filósofo inglés C.S. Lewis. Ocurre en el despacho que el austriaco tiene en Londres, donde se ha refugiado para huir del nacismo.
    Ese mismo día, los dos escuchan por la radio, que la invasión de la Alemania nazi a Polonia ha provocado miles de muertos. Estamos ya inmersos en la Segunda Guerra Mundial. Oyen también la declaración del primer ministro y el rey. Hay que prepararse para tiempos difíciles.
    El diálogo, respetuoso y apasionado, se centra en la existencia de Dios. Lewis se asume como creyente y Freud es el ateo. Hablan también sobre el sexo, la familia, el mito, el poder, la violencia y la destrucción. Los dos argumentan con inteligencia. Las más de las veces difieren.
    Uno a otro se provocan y exigen, para dar respuestas lúcidas y elaboradas. En el diálogo se hace presente la ironía y el humor. Se ríen y burlan de sí mismos y del otro. Cada uno, de manera alterna, se vuelve el psicoanalista del otro.
    Freud, tiene 82 años y sufre de cáncer en la boca, está ya en la etapa final de su vida. Lewis se encuentra en la cumbre de su carrera. La intención de St. Germain no es que uno u otro salga vencedor de esta discusión. Le importa las fuerzas de las ideas y la brillantez con la que los dos argumentan desde su posición.
     
    Comentario: La actuación de Guerrero y de Tavira es muy buena. El primero hace el papel de Lewis y el segundo de Freud. En la hora y 45 minutos que dura el diálogo la obra nunca decae. Uno y otro interiorizan su papel. Su actuación es creíble y se ve natural y espontanea. Logran dar siempre el tono que requiere cada momento del diálogo. Su dicción es clara y fuerte que siempre se agradece.
    Es el regreso de De Tavira a la actuación. Es un gran retorno. Su actuación es soberbia. Han pasado 30 años desde la última vez que pisó un escenario. En este mismo tiempo, como director de escena, ha montado decenas de obras de teatro. Algunas memorables. Los pasados nueve años dirigió la Compañía Nacional de Teatro (CNT).
    La dirección de escena y la traducción de la obra es de José Caballero. Hace muy buen trabajo con los dos actores. Su desplazamiento en el escenario llena el espacio. El conjunto de los elementos a cargo del director funciona bien.
    Alejandro Luna, el reconocido escenógrafo, recrea el despacho de Freud en Londres, que la mujer de éste trató de que se pareciera al que tenía en Viena. El diván, para las sesiones con sus pacientes cubierto con tapetes y el escritorio con las figuras de deidades egipcias, griegas y romanas.
     
    La obra está hasta el 27 de septiembre.
     
    17 DE AGOSTO DE 2017
    Ingobernable      
    Producción: México, 2017 (Primera temporada)
     
    Sinopsis: Emilia Urquiza (Kate del Castillo) y Diego Nava (Erik Hayser) son pareja. Juntos han construido un proyecto. Los dos tienen grandes planes para mejorar la situación de México. Nava, ya como presidente, se alinea al establishment y deja atrás su ideales. Ella no está de acuerdo y se quiere separar. Él le promete que va a volver al proyecto original. Tienen una fuerte discusión y pelea. Él no le quiere dar el divorcio.
    El presidente se cae del balcón de la habitación en la que discuten y muere en el acto. Ella está segura que no lo ha matado y se da a la fuga. El gobierno la declara culpable. Ella se esconde en el barrio de Tepito. Y desde ahí tiene que averiguar que pasó y quién realmente mató al presidente, su marido.
    Se nombra al secretario de Gobernación, José “Pepe” Barquet (Álvaro Guerrero) como presidente provicional. Promete que pronto se dará con la culpable. Hay una ceremonia luctuosa oficial y la esposa asiste perdida entre la gente. Al tiempo que las autoridades buscan a la que fue Primera Dama, ella se esconde y huye, se presenta la problemática económica, política, social y la violencia que se viven en México.
    Nos enteramos de que el presidente, tal como se lo prometió a su esposa, iba a ordenar el regreso inmediato del Ejército a lo cuarteles y también que los oficiales y la tropa involucrados en violaciones a los derechos humanos serían sometidos a procesos penales y civiles. Se deja ver que ésta es la razón del crimen del presidente, pero en un primer momento no se dice quién es el responsable intelectual y material del hecho.
    Sobre esa estructura vertebral se abren otras historias, pero que están entrelazadas con ésta. La del padre de Emilia, Tomás Urquiza (Fernando Luján) que es un importante empresario y tiene conexiones políticas de primer nivel en Estados Unidos y en México. La de Dolores Lagos (María del Carmen Farías), la niñera de sus dos hijos, mujer de absoluta confianza. La apasionada relación de María Nava Urquiza (Alicia Jaziz), la joven hija de la primera dama con otra mujer.
    El trabajo de la eficiente e intrigante asitente del nuevo presidente, Ana Vargas-West (Eréndira Ibarra), que ya trabajaba con el anterior, que es la jefa de la Oficina de la Presidencia, y después nos enteramos que también agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA). La de Patricia Lieberman (Mariana de Tavira), Fiscal especial encargada de la investigación de la muerte de Diego Nava, que es asesinada. La de los secretarios de la Defensa el general Agustín Aguirre (Marco Treviño) y Bruno Almada (Herán Del Riego). Este último se hace del poder real, el presidente no es quien gobierna.     
    La historia del grupo de Tepito formado, ente otros, por Chela Lagos (Aida López), hermana de Dolores, que vive en el barrio bravo y que recibe a la primera dama en su huída. Canek Lagos Ruíz (Alberto Guerra), hijo de Dolores, que acaba de salir de la cárcel. Citlalli López "La Mosca" (Mitzi Mabel Cadena) y Christopher "Chris" López (Harold Torres).
    En uno de los capítulos nos enteramos que Pete Vázquez (Luis Roberto Guzmán), agente de la Agencia Central de Inteligencia (CIA), es quien mata al presidente. El gobierno de Estados Unidos no está de acuerdo con la nueva política del presidente Nava de retirar al Ejército de las calles y con su posición: “Si ustedes quieren guerra líbrenla en su propio territorio. México no seguirá poniendo los muertos”. Hay un altercado entre Vázquez y la agente Vargas-West, jefa de la Oficina Presidencial, donde muere el primero. 
     
    Comentario: Serie de televisión creada por Epigmenio Ibarra, Verónica Velasco y Natasha Ybarra-Klor, que produce Argos Comunicación para Netflix. Se distribuye a nivel mundial y está traducida a muchos idiomas. Esta primera temporada se estrenó el 24 de marzo de 2017 y consta de 15 capítulos de 40 minutos cada uno. La serie se filmó en México y San Diego. Esto porque Kate del Castillo no podía realizar grabaciones en territorio mexicano, por sus problemas legales tras su reunión con el Chapo Guzmán en el Triángulo del Norte.
    Los productores han dicho que la historia no es la del actual presidente de México, Enrique Peña Nieto, y su esposa, Angélica Rivera. A pesar de esto, no va a faltar quien haga algún tipo de relación. Pienso no tiene ninguna. En los quince capítulos se tratan problemas actuales de México como la corrupción, el narcotráfico, el papel del Ejército en su combate, los desparecidos y la violación de los derechos humanos. El desarrollo de la trama no rompe con el esquema de las clásicas telenovelas. Cambia sólo la temática.
    La producción es buena y con muchos recursos. Tiene calidad. Las actuaciones son disparejas. Hay unas buenas, pero otras exageradas. La elección de Kate del Castillo, que antes fue la actriz central de la serie la Reina del Sur y centro del escándalo por su relación con el Chapo Guzmán, el más popular de los narcotraficantes, condiciona y no funciona en su papel como primera dama.     
    El argumento en muchas ocasiones no es creíble. Está lleno de clichés y lugares comunes. Los ejemplos son muchos: los militares malos, corruptos y asesinos. Los pobres buenos, honrados y solidarios. Es un guión maniqueo que no admite complejidades y matices. Simplifica al extremo la realidad. Hay escenas que describen situaciones francamente imposibles de que ocurran. Por ejemplo el tránsito de Los Pinos al refugio de Tepito y luego el enamoramiento, a primera vista, de la que fuera la primera dama de un delincuente del barrio. Hay también hechos que no están relacionados o no tienen una secuencia lógica.
    Reconozco que se trata de un proyecto importante y arriesgado de Argos Comunicación, que lo sitúa como una productora a nivel mundial. La serie se lanzó con una buena e intensa campaña de publicidad. Ante el éxito de la primera temporada de ya se anunció que en 2018 se va a transmitir la segunda temporada. Ahora se trabaja en su producción. La posibilidad de que existan más temporadas va a depender del número de la audiencia.
     
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    Creador: Epigmenio Ibarra, Verónica Velasco y Natasha Ybarra-Klor 
    Dirección: Pedro Pablo Ibarra y  José Luis García Agraz
    Guión: Natasha Ybarra-Klor, Jason Gorge, Alfonso H. Moreno, Dove Sussman, Lauri Walker y Liam O´Neil.
    Música original: Camilo Froideval y Raúl Vizzi.
    Con: Kate del Castillo, Alberto Guerra, Eréndira Ibarra, Luis Roberto Guzmán, Álvaro Guerrero, Fernando Luján, Erik Hayser, María el Carmen Farías, Mariana de Tavira, Marco Treviño, Herán Del Riego, Aida López, Mitzi Mabel Cadena, Harold Torres … 
     
    10 DE AGOSTO DE 2017
    El elegido
    Título original: The chosen
    Producción: México y España, 2016

    Sinopsis: Ramón Mercader (Alfonso Herrera) es un comunista incorporado al ejército republicano en España. En 1937, fiel a su militancia partidaria decide aceptar la proposición de formar parte de una gran tarea, para el desarrollo del comunismo. Se sujeta a un entrenamiento intenso y riguroso que recibe en Rusia. Como parte de él construye una nueva personalidad, la del belga Jacques Monard.

    Es enviado a París, para que accidentalmente conozca a Sylvia Ageloff (Hannah Murray). La seduce. Es parte del plan. A través de ella, que es asistente de León Trotsky (Henry Goodman), debe de tratar de acercarse a su círculo íntimo, para tener acceso a él. Sylvia, que es estadounidense, viaja a México donde radica el dirigente de la IV Internacional. Poco después llega Mercader y se encuentra con Sylvia. Deciden casarse.

    Mercader, poco a poco se introduce al círculo más cercano de Trotsky, del que como asistente forma parte Sylvia, y es invitado a la casa, para tomar un café. Todos lo reciben como el novio de Sylvia. Se presenta como un empresario ajeno a la política. La corrección de un artículo es la manera que encuentra, para estar solo con Trotsky. En ese momento lo mata con un piolet. Es el 21 de agosto de 1940.

    La policía mexicana lo detiene y pasa 20 años en la cárcel. Cuando es liberado viaja a Rusia donde recibe la más alta condecoración por los servicios prestados al comunismo; matar a Trotsky. Ahí vive unos años y después se traslada a Cuba donde radica hasta su muerte.

    Comentario: Es una producción española-mexicana, pero hablada en inglés, para garantizar una mayor distribución a nivel mundial. La película se centra en la preparación del asesinato de Trotsky y la ejecución del mismo. El director construye con rigor una historia que ya es conocida. El que así sea, plantea problemas. Deun lado la debe volver interesante y de otro ofrecer dónde está lo nuevo a la manera de la tragedia griega.

    Es una narración compleja que resulta interesante. Están todos los elementos de la historia. Deja que ésta hable por sí misma. Nos enfrentamos a unos personajes que tienen la oportunidad de plantear, en el devenir de su vida, el por qué de sus acciones. El director da imagen a hechos terribles como el golpe del piolet. El verlo, no solo saber de él, lo hace más dramático.

    El tratamiento de la historia es sobrio y hay un esfuerzo por ser rigurosos en la construcción de la trama. El director con imaginación construye las escenas. Me quedo con la idea de que hay un serio trabajo de investigación. Coincido con la crítica del español Ángel Comas: "Chavarrías trata en todo momento de reconstruir aquellos hechos y a sus personajes con la máxima veracidad. Esto hace que la narración del asesinato en sí tenga la misma jerarquía de valor que los otros hechos más secundarios". La película me resultó interesante.

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    Dirección: Antonio Chavarrías
    Guión: Antonio Chavarrías, Dominic Harai y Teresa de Pelegrín
    Fotografía: Guillermo Granillo
    Música: Arnau Bateller
    Con: Alfonso Herrera, Hannah Murray, Henry Goodman, Julian Sans, Emilio Echeverría, Elvira Mínguez, Frances Barber
    03 DE AGOSTO DE 2017
    No soy tu negro
    Título original: I’m not your negro
    Producción: Estados Unidos, 2017

    Sinopsis: El director construye el documental a partir de las 30 cuartillas de notas para un libro, Remember this house, que en 1979 inicia James Baldwin (Nueva York, 1924 - Saint Paul de Vence, Francia, 1987) novelista afroestadounidense. Al morir, tenía 63 años, deja inconcluso el texto. La parte fundamental del mismo son la vida y las reflexiones del propio Baldwin.

    Vivió nueve años de autoexilio en París. En Estados Unidos era víctima de la discriminación por su raza, pero también por su homoxesualidad. Es en Francia donde empieza a escribir sus primeros textos. En 1957 regresa a su país y de inmediato se integra a la lucha por los derechos civiles que en ese entonces iniciaba un movimiento importante en la sociedad de Estados Unidos. Gracias a su inteligencia, a la profundidad y solidez de su pensamiento y la sensatez de sus posiciones entabla una relación cercana con los líderes del movimiento entre ellos, de manera especial, Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X. Los tres asesinados antes de cumplir 40 años.

    El director, de Baldwin privilegia su perfil de activista político, su lucidez asombrosa y su capacidad de indignación. Hay otros aspectos relevantes en la vida de este intelectual estadounidense que se dejan de lado. El documental lo hace ver como un hombre reposado y cálido, que lo era, pero al mismo tiempo de posiciones firmes en torno a sus posturas antirracistas. Tuvo intervenciones memorables en universidades y los medios de comunicación una de ellas en el show de Dick Cavett, con una audiencia de millones de telespectadores.

    Otra parte del documental ofrece la aproximación que Baldwin hace a la vida, las ideas y el trabajo a favor de los derechos civiles de Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X. Da cuenta de su relación con ellos y de las coincidencias y diferencias que tenía con su forma de pensar.

    Está también su análisis del tratamiento que el cine de Hollywood hace de los negros. Películas como: Fuga de cadenas (Kramer, 1958), con Sidney Poitier y Tony Curtis y La Imitación de la vida (primera versión de John M. Stahl, 1934). A los negros se les representa como serviles y los blancos de ellos esperan siempre gratitud y abnegación.

    Comentario: Es el largometraje quince del director haitiano Raoul Peck. Este es el tercero de sus documentales, los otros: Lumumba: La mort du prophète (1990) y Assistance mortelle (2013). El director sigue el texto de Baldwin al que pone imágenes. Recupera material de archivo con entrevistas televisivas, discursos académicos, escenas de la lucha por los derechos civiles y de la vida de Medgar Evers, Martin Luther King y Malcolm X.

    La combinación de texto e imagen está muy bien lograda y tiene una gran fuerza narrativa. Samuel L. Jackson presta su voz a Baldwin. Se trata a profundidad lo que ha significado y lo que hoy significa ser negro en Estados Unidos, una sociedad predominantemente blanca, racista y violenta. Baldwin se propuso cuestionar, al seno de ese país, el significado de ser blanco dentro de una sociedad donde aquel que posee otro color de piel es minimizado, vapuleado y segregado.

    El tema del racismo, por desgracia, se sigue percibiendo como muy actual. Hay sin duda avances relevantes en el campo de los derechos civiles y el trato que se da a los negros, pero sigue habiendo un gran racismo en la sociedad de Estado Unidos. Está ahí el discurso de Trump, que le permitió ganar la presidencia. Hay un sector amplio de estadounidenses que siguen siendo racistas y xenófobos.

    Me impresionó Baldwin y su pensamiento. No lo conocía. El director, haitiano negro, politólogo y simpatizante de la izquierda, quiere, con el redescubrimiento de este intelectual y luchador de los derechos civiles, poner sobre la mesa el tema del racismo que todavía no está resuelto y que en el gobierno de Trump y sus seguidores supone una vuelta de la rueda de la historia, que no se debe y puede permitir.

    Premios: El documental ha sido nominado a todos los grandes premios del mundo. Ha ganado por mejor dirección o mejor documental: Festival Internacional de Berlín (2017), Premio de la Audiencia y mención especial en el Premio Ecuménico; Festival Internacional de Chicago (2016), Premio de la Audiencia; Premio Críticos de Cine de Dublín (2017); Premio Golden Trailer (2017); Festival Internacional de Cine Hamptons (2016); Asociación Internacional de Documentales (2016); Festival Internacional de Cine Jameson Dublin (2017); Premio de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles (2016); Festival de Cine de Luxemburgo (2017); Festival de Cine de Filadelfia (2016); Festival Internacional de Cine de Portland (2017); Premio Círculo de Críticos de Cine de San Francisco (2016); Premio de la Asociación de Críticos de Cine del Sureste (2016); Asociación de Críticos de Cine de Saint Louis (2016); Festival de Documentales de Tesalónica (2017); Festival Internacional de Cine de Toronto (2016).


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    Dirección: Raoul Peck
    Guión: Raoul Peck en base al texto Remember This House, de Hames Baldwin
    Fotografía: Henry Adebonjo, Bill Ross IV y Turner Ross
    Música: Aleksey Aygi
    Narrada: Samuel L. Jackson
    29 DE JUNIO DE 2017
    House of Cards
    Producción: Estados Unidos, 2017 (Quinta temporada)
     
    Sinopsis: La quinta temporada se divide en dos grandes apartados: el primero es un tiempo de lucha política donde se tambalean las figuras del presidente Francis Underwood (Kevin Spacey) y su esposa Claire (Robin Wright) y la segunda donde ellos, en medio del conflicto, vuelven a retomar el control de la situación.
    Ellos se enfrentan en todos los capítulos a situaciones complicadas, producto de etapas anteriores, que dan a los opositores y a la prensa material, para atacar e investigar. En la temporada, como en las anteriores, pero en esta todavía más, está presente todo tipo de violencia para hacerse del poder y conservarlo.  
    Se establecen perversas alianzas y la traición está siempre presente. Lo que importa para Frank y Claire es conservar el poder y para eso están dispuestos a todo. En esta temporada participan dos personajes: Mark Usher (Campbell Scott) y Jane Davis (Patricia Clarkson) que juegan papeles muy importantes.
    En la primera parte Francis desvía una investigación que realiza el Congreso sobre él, por malos manejos en su gestión. La elección presidencial se entrampa y no puede decidirse. El presidente introduce sospechas sobre el resultado de las mismas. La elección se tiene que repetir en dos estados. Eso es lo que necesita, para reelegirse.
    Claire, la vicepresidenta, asume la presidencia mientras se resuelve la contienda electoral. Francis y Claire son aliados políticos unidos por una historia, pero ya no son pareja. Viven en la Casa Blanca y también el amante de Claire. La figura de ésta empieza a crecer. Ella también ve por sus propios intereses.
    La lealtad entre Francis y Claire, pero también al interior del equipo, empieza a desquebrajarse. Una supuesta amenaza terrorista entra en escena y complica las cosas. Francis sabe que es una trampa de los militares afines al otro candidato.
    Francis gana la elección, pero su situación es frágil. El diputado Romero lleva un caso que puede poner en jaque su poder y sacarlo de la presidencia. A esta investigación se pueden añadir otras más. Para evitar esa posibilidad decide renunciar y que Claire asuma la presidencia.
    Él quiere hacerse de todo el poder. Le dice a Claire que el poder más grande está fuera de la Casa Blanca. Que él se va al sector privado y ella se queda con la presidencia y juntos ahora sí van a tener de verdad todo el poder.
    Después de la renuncia de Francis, Claire ya como presidenta va indultarlo de cualquier delito que haya podido cometer. Es un acuerdo de los dos. Ella inicia su mandato con un triunfo sobre el terrorismo. Fuerzas especiales dan muerte al líder de los islamistas.
    En la declaración que ella hace ante las cámaras, para anunciar a la nación la muerte del líder terrorista debe también decir que indulta a Francis. No lo hace. Él ve la trasmisión y dice: ella me traicionó, la voy a matar. La última toma es Claire que afirma: Es mi turno.                                                                                             
     
    Comentario: El lado obscuro y malvado de los personajes en esta temporada es todavía peor que en la anterior. En Francis y Claire, ella asesina a su amante, todo está   permitido con tal de hacerse del poder y conservarlo. El asesinato, la manipulación, la compra y la traición son los instrumentos. 
    En esta temporada la perversidad y maldad de Francis y Claire, los antihéroes, están siempre presentes. No tiene otra cara. Es lo mismo de las temporadas anteriores. Sí resulta nuevo la presencia de Mark Usher y Jane Davis. El primero como estratega del equipo y la segunda como experta en relaciones internacionales con múltiples contactos en la comunidad internacional.
    En el guion los hechos de actualidad están siempre presentes. La acción del terrorismo, la guerra en Siria, la política migratoria, la relación con Rusia, la posibilidad del impeachment, las tensiones con el Congreso. Esos hechos requieren la toma de decisiones. Hay un juego entre las que se toman en la serie y las que en realidad procesa la Casa Blanca.
    La maldad como única fuente de las decisiones políticas es una exageración que no se sostiene. Hay muchas situaciones que resultan atractivas en el marco de la trama, pero que no son creíbles. Y vale la pregunta de que si la radicalización de la mentira, la trampa y la traición hace clara referencia al gobierno de Trump y su gente. Se anuncia una sexta temporada.  
     
    Premios: La serie ha ganado todos los premios Emmy posibles. Mejor actor, mejor actriz, mejor serie dramática, mejor reparto, mejor fotografía, mejor dirección. Ha ganado también los Globos de Oro en los mismos rubros. Esta nueva temporada todavía no ha ganado ningún premio.
     
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    Creador: Beau Willimon
    Directores: Agnieska Holland, Daniel Minahan, Michael Morris, Roxana Dawson y Robin Wright.
    Guión: Frank Puglese, Melisa James Gibson, Jhon Makiewicz …
    Fotografía: Eiyil Bryld
    Música: Jeff Beal
    Con: Kevin Spacey, Robin Wright, Michael Kelly, Jayne Atkinson, Boris MCGiver, Campbell Scott, Patricia Clarkson, Molly Parker, Derek Cecil, Neve Campbell, James Martínez …    
    22 DE JUNIO DE 2017
    El cliente   
    Título original: Forushand
    Producción: Irán-Francia, 2016.
    Dirección: Asghar Farhadi
    Guión: Asghar Farhadi
    Fotografía: Hossein Jafarian
    Música: Sattar Oraki   
    Con: Shahab Hosseini, Taraneh Alidoosti, Babak Karimi, Farid Sajadhosseini, Mina Sadati, Maral Bani Adam, Mehdi Koushki, Emad Emami, Shirin Aghakashi, Mojtaba Pirzadeh, Sahra Asadollahi, Ehteram Boroumand y Sam Valipour.
     
    Sinopsis: Emad y Rana son pareja y actores de teatro. Actúan en el montaje de una obra de Arthur Miller, Muerte de un viajero. El edificio en el que viven sufre grandes daños, por una construcción al lado. Deben desalojar el lugar y buscar un nuevo sitio para vivir.
    Un compañero de trabajo les ofrece un departamento donde la inquilina se acaba de ir. Sus cosas siguen ahí, pero no hay problema en que se trasladen. Él no les dice que quien habitaba el lugar era una prostituta. Rana oye el timbre y piensa que es Emad, al que está esperando, y deja la puerta abierta mientras se mete a bañar.
    Quien entra no es Emad sino un asiduo cliente de la inquilina anterior. Él abusa de ella, pero no se sabe lo que realmente pasó. Los espectadores no nos damos cuenta de quién es. A partir de ese momento sus vidas cambian y también su relación. Ella tiene miedo. Él esta desesperado. La relación se tensa.
    Emad se dedica a la búsqueda de quien violentó a su pareja. Sospecha de alguien que resulta no ser, pero al fin da con el culpable. El encuentro es una sorpresa. Se trata de un hombre mayor con familia cuya hija está pronto a casarse. Rana y él tienen visiones distintas de qué hacer con el culpable.    
     
    Comentario: Es el séptimo largometraje de Asghar Farhadi. El Cliente (2016), Una separación (2011), que también ganó el Oscar como Mejor Película Extranjera, y El pasado (2013) forman una trilogía.
    En las películas de este director tiene una gran fuerza lo que no se nombra o dice. La cultura de todos los días juega un papel fundamental en sus películas. Para el caso, el hombre asume una posición sobre lo que piensa fue una agresión sexual que nunca se aborda como tal. Lo que realmente pasó queda en el aire.    
    A la pareja, el hecho los distancia cada vez más. Ella asume una posición callada, melancólica, pero a la vez firme; él de enojo y búsqueda de la venganza, pero a la vez compasivo. Rana y Emad llevan su dolor a los personajes que representan en el teatro.
    A partir de lo que vive esta pareja, el director ofrece una mirada sobre los hombres y mujeres del Irán de hoy. La relación que se establce entre las mujeres y las maneras que se pueden apoyar, pero tambien agredir. Las decisiones de los hombres, la construcción de su masculinidad y su capacidad para atacar y vengarse.
    Los críticos encuentran que los conflictos familiares son un hilo conductor en la obra de Farhadi. Sobre todo en parejas jóvenes, con vidas aparentemente tranquilas, pero en cuyo círculo de intimidad las cosas se resquebrajan irremediablemente. Lleva al espectador de la mano, para que vea el deterioro de las relaciones.  
    En las películas de Farhadi se presentan personajes que se sienten reales y que, como tal, están llenos de ambivalencias y contradicciones. Shahab Hosseini como Emad y Taraneh Alidoosti como Rana, logran una actuación estupenda. Sobre ellos recae la película.
     
    Premios: En 2017, Oscar a la Mejor Película Extranjera; 2016, Festival de Cannes: Mejor Actor y Mejor Guión; 2016, Festival de Chicago, Premio Especial del Jurado Silver Hugo; 2016, Festival de Cine de Mumbái, Premio de la Audiencia; 2016, Festival de Cine de München, Mejor Película Extranjera; 2016, Semana Internacional Cine de Valladolid, Mejor Película.   
     
    15 DE JUNIO DE 2017
    Bellas de noche      
    Producción: México, 2016.
    Dirección: María José Cuevas
    Guión: María José Cuevas
    Fotografía: María José Cuevas
    Música: Herminio Gutiérrez 
    Con: Lyn May, Rosy Mendoza, Olga Breeskin, princesa Yamal y Wanda Seux. 
     
    Sinopsis: Cinco vedettes, muy destacadas en la década de los setenta y de los ochenta, como fueron Lyn May, Rosy Mendoza, Olga Breeskin, la Princesa Yamal y Wanda Seux cuentan la vida de ahora y la que vivieron en su época de gloria. Las cinco viven con mucha austeridad y algunas incluso en pobreza. No les queda nada de lo que tuvieron en otro tiempo. Han pasado tres décadas.
    Olga Breeskin habla de su vida de excesos en los tiempos de éxito, y ahora como predicadora de la palabra de Jesús. Radica en Miami. La sonorense Rosy Mendoza, famosa por la brevedad de su cintura, cuenta cómo después de retirarse se dedicó a escribir un libro sobre metafísica. La acapulqueña Lyn May cuenta, entre otras cosas, que pasa su tiempo cuidando al “amor de su vida”, que le proporciona todo.
    La argentina Wanda Seux, que se recupera de un cáncer, vive rodeada de perros en una casa muy modesta. La princesa Yamal, también argentina, fue algunos años encarcelada acusada de colaborar en 1999 con quienes robaron 140 piezas del Museo Nacional de Antropología en Chapultepec. Ella lo niega, pero estuvo casi tres años en el Reclusorio Femenil en Tepepan.
     
    Comentario: Es el primer documental de María José Cuevas. El título es el mismo de la primera película de ficheras en 1975. La directora enfrenta dos facetas de la vida de estas mujeres; su etapa de gloria y la que ahora viven. Esto a partir de material de archivo y del filmado por ella en la actualidad. La directora da un trato respetuoso a estas mujeres, pero sin dejar de presentar sus problemas y fracasos. Es un testimonio abierto y      honesto. No hay concesiones amarillistas.              
    La directora es hija del artista plástico José Luis Cuevas. De joven, a través de sus papás, tuvo contacto con algunas de estas vedettes. En su momento ellas representaban el prototipo de la belleza. Sus cuerpos jóvenes eran lo que más llamaba la atención, aunque bailaban y cantaban ataviadas con espectaculares vestimentas. Con el paso de los años fueron perdiendo su atractivo y dejaron la escena.       
    Vi la película como el recorrido que hacen estas mujeres entre su etapa de fama y la del ocaso. Da la impresión que en su juventud y su éxito nunca se prepararon para lo que habría de venir. Pensaron que, con el tiempo, eso era imposible, todo seguiría igual. Su drama es precisamente eso. Lo pierden todo. Vivieron el momento con intensidad, pero no construyeron para el futuro.     
     
    Premios: Premio Guerrero al Mejor Documental Mexicano. En 2015 estuvo en las selecciones oficiales de: Festival de Cine Documental Amsterdam; Festival de Cine de Telluride y Festival de Cine de Toronto.
     
      
    09 DE JUNIO DE 2017
    El corazón de la materia       
    Teilhard, el jesuita
    Producción: Enrique González Torres, S.J.
    Centro Nacional de las Artes 
    Dirección: Luis de Tavira
    Dramaturgia: José Ramón Enríquez, José María de Tavira y Luis de Tavira
    Dirección de escenografía, iluminación y videomapping: Philippe Amand
    Diseño de vestuario: Estela Fagoga
    Música original y escenofonía: Pedro de Tavira y Gabriel Diazmercado
    Dirección y arreglo coral: Juan Pablo Villa     
    Elenco: José María de Tavira, Marina de Tavira, José Caballero, Laura Almela, Ana Clara Castañon, Asur Zagada, Carlos Ordoñez, Eugenio Rubio, Isabel Ruiz, Jeovanni Sánchez, Juan Carlos Vives, Mauricio Pimientel, Miguel Flores, Raúl Adalid, Raúl Briones, Tadeo Rojas de Tavira e Ignacio Tavira Weiss.
     
    Sinopsis: La obra trata sobre la vida del jesuita francés Pierre Teilhard De Chardin (Orcines, Francia, 1881-Nueva York, Estados Unidos, 1955) que fue geólogo, paleontólogo, filósofo, teólogo y poeta. El creyente, el hombre de la Iglesia, planteó ideas poderosas en torno al pensamiento evolucionista y la fe. 
    La puesta en escena, como lo dice su director, se centra en la figura de este personaje peculiar que se propuso conciliar lo que para la modernidad había sido un dilema irresoluble: la relación entre la fe y la razón. Tema que atañe a creyente y no creyentes.
    El jesuita vivió siempre en la tensión e incomprensión de los dos mundos en los que vivía. El de la comunidad científica y el de la Iglesia. En el primero afirmaba de manera abierta su fe y en el segundo su condición de científico.
    La obra describe cómo el científico y el creyente resolvía la aparente contradicción entre ciencia y fe. También desarrolla algunos de los temas de su pensamiento que pueden ayudar a ilumniar al mundo y la sociedad en el que ahora vivimos.
    En forma cruzada, que no paralela, se presentan algunos temas problemáticos de la realidad mexicana. Ahí está el mundo campesino e indigena. Y también ideas de hacia donde la sociedad debe y puede caminar.
     
    Comentario: La puesta en escena es la propia del teatro y no la de una biografía o documental. El teatro construye y propone las historias en el marco de su propia lógica. La dramaturgia se articula a partir de escenas autónomas que a medida que ésta avanza se entretejen en su propia complejidad.
    A la manera de un común denominador está siempre presente, así ví la obra, la preoucupación del director en torno a lo que asume como “una batalla decisiva entre la civilidad y barbarie” en medio de la crisis social y ecológica en la que ahora estamos inmersos.
    En esta ocasión, invitado por la propuesta del jesuita teólogo y poeta, da lugar a la formulación de las preguntas por el futuro y el fundamento de la esperanza. Asume que en la construcción de un mundo mejor todos tenemos un papel. 
    La obra invita a la reflexión de la vida y obra del jesuita francés y también sobre el mundo que nos depara si no somos conscientes de la relación que ahora tiene el ser humano con la tecnología y la naturaleza.
    Las escenas fluyen con una buena manera de articular el pensamiento del científico y el sacerdote. Del jesuita que, como plantea el director, fue “un hombre de fe profunda y un poeta inspirador” y que “su aventura se propuso edificar una idea honorable de Dios”.   
    Y añade que “su amor a la tierra, su esperanza en la historia del mundo, su testimonio, dialoga poderosamente con nuestra actualidad. Para recuperar la esperanza nos quedan las preguntas. Feliz quien no se haya respondido todavía”.  
    A más de las ideas de Teilhard están las de otros personajes. En el programa de mano se dice que algunos parlamentos son paráfrasis de textos de: Svetlana Alexiévich, Maister Eckhard, Claude Aragonés, Ovidio, José Saramago, Rubén Bonifaz Nuño, Ernest Jünger, Etta Hillesum, Gabriel Mendoza, Jorge Atilano González y José Ignacio González Faus.
    La escenografía, iluminación y el video mapping de Philippe Amand son muy buenos. La perspectiva posibilita que cada escena tenga una gran profundidad. La técnica utilizada permite un cambio permanente de escenarios que ubican al espectador en realidades cada vez distintas. La actuación de todo el elenco, la música, el vestuario y los cantos en vivo hacen de la puesta en escena un gran espectáculo.
    Luis de Tavira logra articular cada una de las partes, para ofrecer un conjunto que se ve como una unidad, como un todo harmónico que tiene un gran impacto visual, pero también emocional e intercultural. Esa orquestación habla de la capacidad creativa del director. Es la primera obra que dirige una vez que dejó la dirección de la Compañía Nacional de Teatro (CNT).
    El primer trabajo de investigación, para construir esta pieza dramática en torno a la vida y el pensamiento de Teilhard fue de José Ramón Enríquez. Sobre ese escrito trabaja el mismo, José María de Tavira y Luis de Tavira, para dar forma al texto que ahora se representa. El resultado es muy bueno. La obra me gustó y me dijo. Mis comentarios críticos son menores.
     
    03 DE FEBRERO DE 2017
    Pasajeros  
    Título original: Passengers
    Producción: Estados Unidos, 2016
    Dirección: Morten Tyldum
    Guión: Jon Spaihts 
    Fotografía: Rodrigo Prieto
    Música: Thomas Newman
    Con: Jennifer Lawrence, Chris Pratt, Michael Sheen,  Laurence Fishburne.
     
    Sinopsis: La nave espacial Navalon de una empresa privada transporta a 5,000 personas y 285 tripulantes a su nuevo hogar en la colonia Homestead II. Los cuerpos están preparados para un viaje de 120 años. A pesar de las condiciones de seguridad de la nave choca con un gigantesco asteroide que causa algunos daños. Entre ellos que Jim Preston (Chris Pratt) despierte 90 años antes de llegar a su destino.
    Muy pronto se da cuenta de que es el único que ha despertado de la hibernación. Solo puede hablar con Arthur (Michael Sheen) un cantinero-robot. Después de un año de ver que no tiene ninguna alternativa decide “despertar” a Aurora Lane (Jennifer Lawrence), para tener compañía. Ella piensa que su caso es también un accidente como el de Jim. Un año después de llevarse muy bien se entera por Arthur de lo que realmente sucedió. Se enoja y rompe relaciones.
    Un nuevo desperfecto de la nave hace que despierte Gus Mancuso (Laurence Fishburne), un oficial de la nave. Aurora y Jim vuelvan a relacionarse. Los tres descubren desperfectos en partes de la nave sobre todo en el reactor central. El oficial muere y ahora ellos dos tienen que reparar la nave. Él antes de morir les entrega su placa de identificación. Ahora, ellos pueden acceder al puente de mando, para hacer los trabajos necesarios. Jim lo logra, pero muere en el intento. Ella lo rescata y revive.
    Se dan cuenta de que hay una aparato para que uno de ellos pueda de nuevo entrar al proceso de hibernación. La siguiente escena es ochenta y ocho años después, cuando despiertan los oficiales de la nave. Se encuentran con que en el gran lobby hay un bosque. Sabemos, entonces, que decidieron vivir juntos. Ellos se encuentran con un libro en el que Aurora cuenta la historia de lo sucedido.
     
    Comentario: Es una historia de amor envuelta en la trama de un caso de ciencia ficción. La película no aporta nada.  
    18 DE ENERO DE 2017
    Llámenme Francisco  
    Título original: Chiamatemi Francesco
    Producción: Italia-Argentina, 2015 
    Dirección: Danielle Luchetti (italiano)
    Guión: Martín Salinas en base al libro El papa de la gente, de la periodista Evangelina Himitian. (argentinos)
    Fotografía:  
    Música: Arturo Cardelús
    Con: Rodrigo de la Serna, el papa de joven (argentino), Sergio Hernández, el papa en la actualidad (chileno), María Santa Ana, Mercedes Morán …
     
    Sinopsis: Son cuatro capítulos de 50 minutos cada uno, en total 3.40 horas, que narran cincuenta años de la vida del papa Francisco, Jorge Mario Bergoglio. Va del descubrimiento de su vocación al día que asume el pontificado en marzo del 2013. Su noviazgo y la decisión de entrar a la Compañía de Jesús, los años del noviciado y de maestrillo en el Colegio de Santa Fe. La invitación a Borges. El tiempo de padre provincial de los jesuitas argentinos, nombrado por el padre general Pedro Arrupe que coinciden con los años de la dictadura militar (1976-1983).
    El caso de los dos jesuitas (Daniel Iorio y Francisco Jalics) en las villas miserias que se niegan a dejar su trabajo, su desaparición y tortura, la petición a la dictadura para que los regrese. La dictadura militar persigue, tortura (al ritmo de la música de Joan Manuel Serrrat) y asesina a los opositores. El registro de la ayuda que Bergoglio ofrece a perseguidos y amenazados de muerte.
    Al terminar su cargo de provincial es enviado a Alemania, para terminar su doctorado en teología. Tiene 48 años. En Ausburg su encuentro con la imagen de la Virgen Desata Nudos. Su regreso a Argentina, para trabajar como párroco. La solicitud del arzobispo y cardenal de Buenos Aires, para que se incorpore a la diócesis como obispo auxiliar, para ayudarlo con los sacerdotes que trabajan en las villa miseria. El nombramiento como arzobispo y luego cardenal de Buenos Aires. La cercanía con la gente y los sacerdotes. Su austeridad. La asistencia al cónclave y su elección como papa. 
     
    Comentario: La película (98 minutos) se transformó en los cuatro capítulos que se pueden ver en Netflix. Es la descripción sintética de etapas y momentos claves en la vida del papa. No se profundiza en los conflictos o en situaciones difíciles, como podía ser su relación con el general de los jesuitas Pedro Arrupe y una parte de los integrantes de la provincia Argentina.
    Sí aborda el caso de los dos jesuitas detenidos y torturados por la dictadura. Y las reuniones que éste tuvo con miembros de la Junta Militar, para abogar por su vida. Está presente la autocrítica cuando afirma que era muy joven cuando ocupó el cargo de provincial de los jesuitas argentinos. La serie permite ubicar bien el desarrollo de la vida del papa.
    El director dice de Bergoglio que “no quería presentarlo como a un santo, hacer una hagiografía, contando cada señal como indicativa. Era el peligro. Quise respetar la historia de Argentina y por eso escuché todas las sugerencias, evitando banalizar”. La película ofrece una imagen positiva del ahora papa y destaca dos elementos centrales a lo largo de su vida: su austeridad y su cercanía con la gente.  
    12 DE DICIEMBRE DE 2016

    Las fabulosas

    Foto Museo Cuatro Caminos
    Naucalpan, Estado de México
     
    Exposición:
    La muestra reúne imágenes de las vedettes mexicanas Olga Breeskin, Rosy Mendoza, Lyn May y de las extranjeras, que se radicaron en México, Wanda Seux, Princesa Lea, Princesa Yamal y Sasha Montenegro. En la década de los setenta y ochenta ellas trabajaron en cabarets y centros nocturnos, también hicieron cine y televisión.
    Las fotografías de época son de Antonio Caballero, Jesús Magaña, Juan Ponce y Paulina Lavista. Se publicaron en periódicos, pero sobre todo en revistas para “caballeros”.  La exposición surge a partir de la investigación que realiza María José Cuevas, para realizar su documental Bellas de noche. Se reproducen portadas de revistas e imágenes de periódicos, pero también hay fotografías de estudio de cada una de ellas.
    Guadalupe Lara, la directora del museo, dice sobre la muestra que “da cuenta de una época importante en nuestro país” y que las obras que se exponen “nunca se volvieron a ver”. Las imágenes que se presentan “fueron de consumo popular y de entretenimiento”. Esas escenas muestran un México que ya no es.
    “Un México, dice Lara, de noche, mezclado con cutura popular y el poder político y económico, nos muestra también la construccion de lo femenino a través de estas mujeres, que eran una respuesta, no académica ni intelectual, sino muy rebelde y con mucho poder. En toda esta época, desde el Negro Durazo, hasta el presidente estaban relacionadas con ellas”.
    Y añade que “no eran muejeres sojuzgadas (…) ellas encontarron una forma de vivir en la contemplación y el aplauso. El término vedette no era tan despectivo, eran muejeres que bailaban y cantaban, eran artistas muy completas (…) El modo que usaron su cuerpo era activo y consciente (…) y era su vida”.
     
    Comentario:
    La exposición condensa una etapa de la vida cultural y social del país. Son 20 años. Es la época del cine de “ficheras” de lamentable calidad. De la relación cercana entre el poder y este tipo de aristas. El presidente José López Portillo (1977-1982) casó en segundas nupcias con Sasha Montenegro. Visto a la distancia esas mujeres y su trabajo adquiere un nuevo significado. Es nostalgia de un tiempo y una ciudad que se fue, pero tambien revelación de un mundo que ya no existe.
    El montaje de los “recortes” de períodico y portadas de las revistas, las fotografías de estudio en gran formato y la incrustación de pequeñas fichas bibilografías que nos dicen lo que ahora hace cada una de estas vedettes esta hecho de una forma desordenada que es muy ordenada. La sensación es de expontaneidad. Invita a la gente a acercarse. Está muy alejado de la solemnidad de las exposiciones tradicionales.
    Sybille y yo estuvimos el día que la muestra se inauguró.  Se hicieron presentes tres de estas vedettes. Había también orquesta que tocaba música tropical. La gran mayoría del público eran jóvenes que nacieron cuando todas estas vedettes ya estaban retiradas. Organizadores de la muestra me comentan que entre un sector de los jóvenes hay interés en estos personajes y en esta época “glamurosa” de la vida de noche en la ciudad.
    Gocé la exposición y el ambiente. Recordé que alguna vez, hace ya muchos años, en el Teatro Blanquita me tocó ver a Lyn May y en una obra de teatro a Sasha Montenegro. Han pasado los años. Con Sybille, Pedro Meyer y Francisco Mata comenté la muestra y la reacción del público jóven. Vale la pena. Hoy no sostendría la posición que sobre esas mujeres y sus espectáculos tenía en aquel entonces.
      
     
    07 DE OCTUBRE DE 2016
    Anish Kapoor
    Arqueología y biología
    Museo Universitario de Arte Contemporáneo (MUAC)
    Ciudad de México
                                 
    Exposición
    Se exponen 23 obras, entre esculturas e instalaciones, de mediano y gran formato, realizadas entre 1980 y 2016. No es una retrospectiva, pero se pueden ver distintas etapas en la creación de este artista nacido en la India, pero radicada desde joven en Inglaterra. La curaduría es de Catherine Lampert, asociada con Cecilia Delgado, del MUAC.
    Todas las piezas son de la colección del autor que vino a México, para participar en el montaje de la exposición que se puede ver en cuatro salas. Kapoor plantea que en el proceso de creación la obra siempre es un descubrimiento: “sé que si me permito indagar e investigar en el proceso, éste me conduce a significados que no podría haber imaginado.” Las curadoras planetas   que éste es el principio rector de la exposición y que la obra adquiere vida propia e invita al espectador a desplazarse por las salas y en ellas, frente a las obras experimentar la plenitud y libertad de las formas en el espacio.
    En la opinión de Kapoor, el MUAC es un espacio único para exponer su obra y dice que “he expuesto en muchos museos alrededor del mundo, pero raramente las piezas lucen tan bien. Hay algo acerca de la luz, la   realidad del suelo, de los muros (…)”. Las piezas tienen un gran aire y lucen mucho.
     
    Recorrido
    Todas las piezas me resultaron atractivas y algunas también me impactaron. Las que me llamaron más la atención son:
    - Espejos cóncavos.       
    - Mi patria roja (2003) Cera, acero y un motor. El centro de la pieza gira completa cada hora. En el transcurso mueven las 20 toneladas de cera roja. El tránsito es imperceptible. El objetivo de Kapoor el crear una obra que se hiciera a sí misma.       
    - Serie Ga Gu Ma (2011-2013) Son 22 pilares de cemento creadas por computadora. Uno se puede desplazar entre ellas.
    - Arqueología y biología (2007). Una cavidad profunda con interior oscuro que parece una herida en el muro.
    - Laboratorio, para un nuevo modelo del universo (1998) Acrílico. Una campana negra suspendida a más de dos metros de altura. Uno puede ponerse debajo de la misma. Sentí la inmensidad, el silencio y también pérdida espacial de referencia. Como señala la curadora Catherine Lampert, en esta monumental estructura “el espacio profundo se acerca a la condición de vacío; una representación del infinito”. De acuerdo con Kapoor, esta pieza busca “manipular al espectador hacia una relación específica con el espacio y el tiempo”, poniendo en juego la escala del lugar, la pieza y al espectador.
    - Parecido a una oreja (2014) Ónix rosa. La piedra está muy pulida. Es totalmente lisa.      
    - Espejos. Se refleja la imagen del espectador. En algunos casos se deforma.  
     
    Comentario  
    Kapoor afirma que “todos estamos involucrados en el arte creativo de mirar”. El público hace realidad esa visión y se involucra con las obras. Los visitantes, yo me incluyo, toman fotos y selfies. Es parte de la manera de ver y gozar la obra. Se hacerla propia. Es una nueva manera de ir y ver los museos. Me gusta. Hay interacción y no sólo contemplación. Hay obras que me produjeron sensaciones físicas. De manera particular cuando estuve debajo de la cúpula del universo.   
    La propuesta de Kapoor es original y muy sugerente. Él dice que parte de que “la tierra es la mayor y más perfecta de las obras escultóricas”. Se propone, así lo entendí y viví, acercarse a la realidad material, pero también espiritual del mundo provocando una experiencia sensible que involucra a todos los sentidos y no solo la vista. Es biología, pero también arqueología. Es una propuesta conceptual que construye objetos que interpelan, que exigen la mirada, y provocan las más diversas reacciones y sensaciones en los espectadores.
    Cada una de sus obras revela y destaca la materia prima con la que están hechas como la realidad misma de la obra. La materia en sí misma es bella y habla. Es espejo, es piedra, es cera, es mármol, es acrílico, es acero o sólo pigmentos de color. Cada uno con nos dice algo con el lenguaje poético que le es propio. Esos materiales trabajados por el artista adquieren una nueva realidad en el momento que adquieren una distinta escala, densidad y proporción. No dejan de ser lo que eran, pero ahora son otra cosa.
         
    Anish Kapoor
    Nació en Mumbai, antes Bombay, la India en 1954. A principios de los años sesenta se estableció en Inglaterra. Forma parte de un grupo de escultores británicos, posteriores al movimiento que impulsó Anthony Caro (1924-2013), que marca la manera en que los artistas enfrentan la escultura con nuevas  técnicas, materiales y temas.
    Estudio en el Horney College of Art y en el Chelsea College of Art & Design, de Londres. Ha expuesto en los más importantes museos de arte moderno del mundo como la Tate Galllery, Londres, Museo Reina Sofía, Madrid, Kunsthalle, Basilea. Entre otros premios y reconocimientos ha recibido: Premio Duemila, Bienal de Venecia (1990), Premio Turner (1991), Londres, Premio Imperial (2011), Japón, Orden de las Artes y las Letras de Francia (2011), Francia.
    13 DE SEPTIEMBRE DE 2016
    Ixcanul  
    Producción: Guatemala, 2015
    Dirección: Jayro Bustamante
    Guión: Jayro Bustamante   
    Fotografía: Luis Armando Arteaga
    Música: Pascual Reyes
    Con: María Mercedes Coroy, Marvin Coroy, Manuel Antún, Justo Lorenzo, María Telón  
     
    Sinopsis: Los padres de María (María Mercedes Coroy) han arreglado su matrimonio, para que se case con Ignacio, capataz de la finca de café a las faldas del volcán Ixcanul, donde trabaja su padre. Ella se intenta rebelarse, cambiar su destino. Pepe, su pretendiente en la comunidad planea irse a Estados Unidos. Ella quiere que la lleve. Para eso se entrega a él, pero Pepe desaparece y ella queda esperando un hijo. Juana, la madre de María, intenta que aborte, para que se pueda casar con Ignacio, pero no lo logra. Éste al enterarse de que María espera un hijo se indigna y corre a su padre del trabajo. Ella, para evitar el desalojo intenta hacer huir las serpientes de un terreno, para poder cultivarlo y así impedir el despido. Una serpiente la muerde. De emergencia la llevan a un hospital en la Ciudad de Guatemala. Ella se salva, pero le dicen que su niño ha muerto y la hacen firmar unos papeles.
    En el hospital les dan un féretro con el niño muerto, pero no les dejan verlo. En el pueblo tiene lugar la ceremonia del entierro de su hijo. Días después, María va a la tumba y descubre que en la caja sólo hay un ladrillo envuelto en unas sábanas. Ella no puede escapar a su destino. Finalmente, Ignacio, con quien estaba comprometida, deja que la familia se quede en la finca y el padre conserve su trabajo a cambio de que María se case con él. La película inicia con una escena donde Juana coloca a María el tocado del traje de novia de María y termina con la misma toma. 
     
    Comentario: La película es una crítica a la realidad que viven las comunidades indígenas en la Guatemala de hoy. El racismo, la humillación y el abuso de los indígenas. Y al interior de las comunidades los roles que todavía siguen presentes donde las mujeres se someten a la decisión de sus padres y de sus maridos.
    El director describe la vida diaria de una familia indígena de forma realista. La descripción duele y uno es testigo de una realidad opresora que desespera y angustia. La lengua de la película es el de una de las naciones comunidad indígenas. Está presente la pobreza extrema, la carencia de servicios básicos y la lucha diaria por la supervivencia.
    Es la historia de miles de familias indígenas guatemaltecas. El tono de la narración es el de un antropólogo objetivo. No hay discursos ideológicos. Se deja que la realidad hable por sí. Aquí está la fuerza de la denuncia y el impacto que la película tiene en quien la ve. A mi me angustió. Es doloroso el círculo cerrado en el que se encuentran las personas de la película que refleja el mundo indígena de Guatemala y otros países.
    Las actuaciones son naturales y creíbles. El movimiento de la cámara, los colores y el sonido se parecen más a los de un documental o un reportaje periodístico que a los de una película convencional. La actuación de María Mercedes Coroy, María en la película, es muy buena. Es un trabajo bien logrado.     
     
    Premios: En 2015: Festival de Berlín, Premio Alfred Bauer; Festival de San Sebastián, sección oficial competitiva ("Horizontes Latinos"); Premios Fénix, mejor vestuario y cinco nominaciones. En 2016: Premios Platino, mejor ópera prima.
    06 DE SEPTIEMBRE DE 2016
    Pequeños zorros    
    Obra: Lillian Hellman
    Versión: José María de Tavira y Luis de Tavira
    Dirección: Luis de Tavira
    Escenografía e iluminación: Alejandro Luna     
    Vestuario: Carlo Demichelis
    Música original y escenofonía: Pedro de Tavira
    Con: Marisol Castillo, José Antonio Becerril, Yulleni Pérez Vertti, Juan Carlos Vives, Pedro de Tavira, Stefanie Weiss, Rodolfo Guerrero, Arturo Ríos, Ana Claudia Castañón y Raíl Adalid.   
    Teatro: Santa Catarina / UNAM
          
    Sinopsis: Los hermanos Hubbard -  Ben, Óscar y Regina - disputan entre sí por un nuevo negocio. Están dispuestos a todos. La historia se desarrolla en el sur de Estados Unidos, pocos año después de que termina la Guerra Civil. Horacio Giddens, el esposo de Regina, tiene cinco meses en un hospital. Ella necesita el dinero de su marido, para invertirlo en el negocio que le ofrecen sus hermanos. Envía a su hija Alejandra, para que vaya por su padre que convalece en un hospital.
    Horacio, de regreso a casa, dice a su esposa y cuñados que no le interesa invertir. Esto provoca el malestar de Regina. Sale a la luz el conflicto de la pareja. Desde hace años no hay relación entre ellos. Leo, hijo de Óscar, incitado por su padre y su tío Ben, roba las acciones que Horacio tiene en una caja de seguridad en el banco que equivalen a 88,000 dólares. Es lo que les falta para cerrar el negocio. Horacio se da cuenta.
    Él cuenta a Regina que ha descubierto el robo. Le dice también que no va a denunciar a sus hermanos. Ese dinero es para ella. Hay una gran disputa entre Regina y Horacio. Ella le dice que lo desprecia. Él que alguna vez estuvo enamorado de ella. Horacio tiene una crisis cardiaca y ella no le da la medicina. Lo deja morir. Regina les dice a sus hermanos que sabe todo. Les exige el 75% de la nueva empresa a cambio de no denunciarlos. Alejandra, la hija de Horacio y Regina, en compañía de Addie, la sirvienta negra que trabaja con ellos, se va del lugar. Horacio, antes de morir les había pedido eso. Regina no la detiene.
    Comentario: En 1939 se estrena esta obra en Estados Unidos. La dramaturga estadounidense Lillian Hellman vive la gran época de Fitzgerald, Hemingway, Faulkner y Hammett. Ella crea una obra política que provoca a su entorno, que además tiene una gran profundidad humana. De manera particular sobre esta obra, Luis de Tavira dice que “Pequeños zorros, muestra cómo la expansión capitalista se detona en la emergencia de una estirpe perversa y trepadora de nuevos ricos que a través de la usura y el fraude consiguieron un desarrollo industrial trepidante sustentado en la explotación de los trabajadores y en la devastación del medio ambiente”.
    Y añade que la obra es “retrato cruel de una sociedad condenada por la obsesión del dinero, Pequeños zorros es la revelación de un proceso profundo que va destruyendo los fundamentos éticos de la civilidad para dar paso al cinismo de la barbarie asesina que preside nuestra historia reciente.” En la adaptación que se presenta se aborda la crisis de la burguesía decadente del sur de Estados Unidos, que vale para otras realidades. Hay una critica a la explotación, a la ambición de poder que pasa sobre todos los valores. Al individualismo sin límite y al capitalismo sin medida.
    Las actuaciones son muy buenas. Destaca la de Stefanie Weiss. Es el mejor papel que le he visto. La escenografía y el vestuario crean una ambientación que enmarca bien la época. La obra dura tres horas y veinte minutos. El tiempo pasa con rapidez. El trabajo del director, admirador de Hellman, logra, en su calidad de concertador, hacer que toda funicone. Su trabajo actoral es notable. Pienso que se podría bajar la intensidad de los gritos sin que pierda fuerza la escenificación de los momentos más dramáticos. Es una buena puesta en escena. El teatro realista cada vez me dice menos.          
     
    La obra permanece hasta el 9 de octubre.
    18 DE JULIO DE 2016
    Pose
    Fotografía de moda México hoy
    Foto Museo Cuatro Caminos
    Naucalpan de Juárez, Estado de México
     
    Exposición:

    Reúne 120 imágenes en gran formato, de 17 fotógrafos y colectivo que están a la vanguardia en el trabajo que se hace para las revistas de moda en México y el mundo. Está curada por Gustavo Prado y Melissa Valenzuela. Se exponen trabajos de: Alex Córdova, Anairam, Krom Mag, Donovan Quiroz, Dorian López, Germán Nájera, Iván Flores, Iván Aguirre, Juan Hernández, Karla Lisker, Marcelo Chávira, Salvador Hernández, Santiago & Mauricio, Tony Solís, Giancarlo Cruz y colectivo Dementes.
    Los curadores plantean que “esta exposición no define territorios, muestra una fotografía de moda en México hoy: conscientes de lo que pasa afuera y que sale de los terrenos manoseados de un mundo editorial- moda demasiado conservador. Una foto sexy, que en atisbos intuye otros tipos de belleza y juego un poco con géneros e identidades pero tiene la importancia del AHORA. Algunos de estos autores son la punta de lanza de la creatividad desde México, para el mundo, han lanzado revistas independientes, desarrollan proyectos fuera del circuito del gran arte que renuevan los lenguajes desde una perspectiva juvenil”.
    Y añaden que “la fotografía moda no pretende tener el criterio de verdad del documentalismo, ni la profundidad psicológica de la fotografía construida. Es por eso que resulta más lúdica, ligera y experimental, es el laboratorio de nuevas definiciones de género y el espejo del cambio social. En ella los motivos son la belleza, el estilo y la esencia de la moda. Ahora, en el ocaso del editorial impreso, este tipo de fotografía es tan libre como su manifestación instagramera y capaz de convocar a un público que likea sin parar, compartiéndola y haciéndola suya”.
      
    Recorrido:
    En la vista que hice todas los trabajos me provocaron y llamaron la atención. De manera particular: Una fotografía de la Serie Collapse P1, 2015, de Juan Fernández; una fotagorafía de la Serie Wage, 2015, y de la Serie Serventies, 2015, de Dónovan Quiroz; la fotografía Ferpection, 2015, de Tony Solís; una fotografía de la Serie No Future, 2014, de la Serie Avant, 2013, y de la Serie Religión, 2013, de Iván Aguirre. También me impactaron fotografías de Karla Lisker, Germán Nájera-Iván Flores; Santiago & Mauricio; Dorian López y Krom Magazine.
     
    Comentario:
    La fotografías expuestas, como lo dicen los curadores, “multiplican la promesa de un trinomio moda-editorial-imagen que busca consolidarse. Traen aire fresco a la fotografía desde otro punto de vista y a su vez sólo aquellos fotógrafos que escapen de las imágenes soft de los medios convencionales, serán los que puedan retar al tiempo y convertirse en nombres legendarios. Serán parte de un imaginario mayor, en el que como siempre van de la mano foto y vestido, provocando sueños y aspiraciones en la imaginación del espectador”.
    Las imágenes me impresionaron mucho. Me sentí frente algo fresco y distinto. Algunas de las fotografías me provocaron e inquietaron. Me plantearon preguntas sobre el propósito de los autores y también sobre quiénes son los modelos, cómo viven y qué piensan. Hay una manera nueva de proponer los cánones de belleza y también de enfrentar el retrato.
    Hago mía las palabra de los curadores cuando plantean que “en el amplio mundo de la fotográfico, la fotografía de moda es la que ha roto esquemas y ha expandido las fronteras de la imagen. En otros siglos, la pintura por medio del retrato, abusaba de ´la pose´ como medio para exhibir la grandeza de los personajes y subrayar el rostro de la belleza desafiando al tiempo”.
    La exposición esta muy bien montada. Las fotos de gran formato con una gran calidad de resolución. Las paredes de colores. Los espejos, entre las fotografías, donde uno se puede ver. Lo videos y la pasarela. Las fichas técnicas que dan cuenta de lo complejo de cada fotografía donde intervienen muchas personas (maquillistas, peluqueros, modistas, productores).
    Visité la exposición el día de la inauguración. El museo estaba lleno de jóvenes, como los fotógrafos y los modelos. Muchos de los asistentes podían ser también los modelos. Un tipo de belleza y de vestir. Un estilo y una moda. El ambiente era de fiesta. La música de un DJ, los visitantes que con celulares tomaban foto de las fotos o posando junto a las fotos, la conversación animada sobre lo que veían.
    Pedro Meyer, el alma del magnífico proyecto del Foto Museo de Cuatro Caminos, a través de su fundación y del impulso al equipo que lo gestiona, me ampliaba el horizonte y me proponía claves para comprender mejor lo que estaba viendo. Una generación de fotógrafos jóvenes con una alto nivel de calidad técnica y plástica, con una gran imaginación, que se han abierto espacio en el mundo de la fotografía de la moda en el mundo. Algunos trabajan en Milán, París o Nueva York. Es una gran exposición. Digna de cualquier gran museo de arte contemporáneo en el mundo. La disfruté y me dijo mucho. Pude felicitar a sus curadores.
    La exposición va a estar hasta finales de agosto.
    16 DE MAYO DE 2016
    Santiago Hernández: Niño héroe, Artista romántico,  Caricaturista fundamental    
    Museo del Estanquillo 
    Ciudad de México 
       
    Personaje:
    Santiago Hernández, nació el 25 de julio de 1832, desde niño tuvo una intensa actividad social. A los 13 años destaca su presencia en el ataque y toma del convento de San Francisco, y al año siguiente participa en la defensa del Castillo de Chapultepec ante los invasores estadounidenses.
    Empezó a ser conocido cuando pintó al óleo los retratos de los Niños Héroes. Autodidacta, cuando muere su padre, empieza a ganarse la vida pintando cuadros, naturalezas muertas, retratos a lápiz e impartiendo clases. En 1868, a la muerte de Constantino Escalante, Hernández lo sustituye en La Orquesta, y en ese momento puede ya verse su consolidación como caricaturista. Desde 1862 había participado en La Pluma Roja y La Jácara.Tuvo una presencia en periódicos, como El Palo de Ciego, La Máscara, El Espectro, Juan Diego, Rascatripas, La Pluma  Roja, El Ahuizote y El Hijo del Ahuizote, entre otros.
    Asociado a Hesiquio Iriarte, Hernández ilustró muchas de las obras escritas por Vicente Riva Palacio, como El libro rojo; Monja, Casada, Virgen y mártir; Martín Garatuza; Piratas del Golfo; Memorias de un impostor y Los ceros. Ilustró obras importantes, como Historia del ferrocarril mexicano, Hombres ilustres mexicanos, El Episcopado mexicano.
    Fue un crítico agudo y despiadado. En sus caricaturas critica a los conservadores y a los liberales. En su trabajo no hay concesiones en razón de sus simpatías políticas. Luchó contra el imperio de Maximiliano. Se suma a las tropas del guerrillero Nicolás Romero. En 1865 retoma el trabajo de caricaturista. 
    El grabador Erasto Cortés señala que “como caricaturista muestra el contenido de su vasta imaginación, ligada a un profundo conocimiento de la litografía. Utilizó la caricatura como arma eficiente para ironizar acertadamente, con alegre expresión convertida en lenguaje de grandes alcances”. Para Alfredo Guati, Hernández es el más importante caricaturista mexicano. No existe un inventario de su obra y tampoco una biografía que permita conocer mejor su vida y trabajo. (Nota a partir de un texto de Agustín Sánchez González, La Jornada, 10 de agosto de 2008).
     
    Exhibición:
    Esta es la primera retrospectiva que se hace de Santiago Hernández. Se exponen 200 obras de la colección del museo. Son trabajos que van de 1860 a principios del siglo XX. Algunas de sus imágenes crean algunos de los iconos de la historia mexicana. Están sus “retratos” de los Niños héroes, de los héroes de la independencia (Hidalgo, Corregidora, Allende, Morelos, Aldama…) y de los liberales (Juárez, Ledo e Tejada …).
    Su más importante trabajo fue la caricatura, pero también ilustró libros, hizo retratos y grabados. Las obras que se exhiben dan cuenta de una producción amplia y de gran calidad. Hay también algunas obras de sus contemporáneos Primitivo Miranda y Santiago Hernández. El curador es Rafael Barjas Durán. Me gustó mucho. Le puso cara y nombre al autor de imágenes que conozco desde hace mucho, desde niños.  
     
    Comentario: 
    Conocía algunos de los retratos iconos de los héroes, pero no sabían que eran de Santiago Hernández. Su obra me sorprendió por su calidad artística. Toda su obra revela un gran virtuosismo. Diera la impresión de que realiza su trabajo con maestría y facilidad. Las caricaturas desbordan imaginación y se salen de lo convencional. Son todas muy originales. Ve a la política y a los políticos  como una pesadilla monstruosa. Me gustó y dijo mucho.  
    25 DE ABRIL DE 2016
    Donación Maples Arce
    Museo Nacional de Arte (MUNAL)
    Ciuad de México
     
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